Report : Hatchet Kaput, Torticoli, Io Monade Stanca, Clot et Uzeda à Grrrnd Zero - 22/03/2013

Grosse soirée à Grrrnd Zero avec pas moins de quatre noms de (vrais) groupes sur l’affiche : les héros locaux de Torticoli, les clowns de Io Monade Stanca, les terroristes de Clot et surtout les vétérans et légendes vivantes d’Uzeda. Mais peut-être parce qu’il a le sentiment d’avoir eu les yeux plus gros que le ventre et les épaules pas assez larges pour supporter autant de responsabilités, le jeune Bambino Versailles, programmateur et producteur multitâches de la soirée, s’est acoquiné avec un homologue parisien, Viktor Crashtaz, gérant de Won 28 Entertainment, grand spécialiste des causes perdues et des concerts bouillabaisse.

... Et puis, comme si cela ne suffisait toujours pas avec les conneries, Antoine Bambino et Viktor Crashtaz ont également décidé de monter un groupe rien qu’à eux pour l’occasion, de se payer le luxe de jouer en première partie d’Uzeda, pour flamber au moins pendant les vingt prochaines années à venir et pour pouvoir dire à leur potes et à leurs enfants ouais on l’a fait et il y a même des gens qui ont assisté à ce concert légendairement merdique.

La légende est en marche et HATCHET KAPUT s’apprête à assurer la première apparition publique de sa courte existence. Les flyers et les affiches ont eu beau insister sur le fait que le concert devait démarrer à 20 heures pétantes, il n’y a pas grand monde lorsque Hatchet Kaput commence enfin à jouer devant un ramassis composite de curieux et membres honoraires de Grrrnd Zero, de musiciens (expérimentés) des autres groupes de la soirée et de rares crétins qui respectent toujours les horaires, à croire qu’ils s’emmerdent vraiment chez eux ou qu’ils n’ont rien de mieux à faire dans la vie.

Autant dire que les dix-sept minutes du concert d’Hatchet Kaput furent une terrible souffrance pour les oreilles mais également un plaisant moment de rigolade – à condition de connaitre un peu les deux olibrius en question – et il faut reconnaitre qu’après avoir répété trois fois seulement en quatre jours ces deux là ne pouvaient pas non plus mentir plus que ça sur leurs capacités d’instrumentistes. Cela ne devait pas non plus être facile de jouer sous l’œil d’Agostino Tilotta d’Uzeda, génie de la guitare s’il en est. Il fallait juste avoir les couilles de le faire et ils l’ont fait.

Place maintenant à de la vraie musique avec des vrais groupes. Les trois TORTICOLI n’ont pas joué ensemble depuis quelques temps et se retrouvent donc pour ce concert. L’absence, ça (re)donne des envies, ça fait aussi naitre des idées nouvelles et ça boosterait n’importe quel musicien qui passe son temps à jouer uniquement pour le plaisir et la beauté du geste tout en sachant qu’il devra se démerder autrement pour bouffer le lendemain.

Ils sont donc en forme les Torticoli, les deux guitaristes s’aiguillonnent l’un l’autre, le batteur gère la confrontation et on remarque au passage quelques nouveautés dans la setlist du groupe. Un bon concert pendant lequel le trio apparait particulièrement soudé, carré et direct, pas de chis-chis ni de fanfreluches, de l’électricité et de l’incandescence avec une classe certaine et assurée.

Ajoutons que le prochain disque de Torticoli devrait enfin voir le jour dans les quelques semaines à venir : il s’agit d’un split en compagnie des affreux Chevignon, à paraitre sur le label des win-win lyonnais Bigoût records.

Après la tornade free noise/blues déviant de Torticoli, les IO MONADE STANCA arrivent largement à s’en sortir à force de pitreries incessantes. Adeptes de la grande école Muppets Show/Fraggle Rock/Monty Python et consorts, les trois italiens déchainés et loufoques enfilent les perles, les blagues, les vrais-faux quiproquos, les gags récurrents…

… On en oublierait presque la musique du groupe à force de rire aux éclats devant les grimaces du batteur Matteo Romano et surtout du guitariste Nicolas Joseph Roncea mais ce serait dommage de s’arrêter à ce seul aspect du trio : les groupes de clowns avérés sont souvent extrêmement pénibles à supporter sur la longueur d’un concert et deviennent finalement ennuyeux mais, tout au contraire, Io Monade Stanca se révèle être à la fois un groupe de guignols et un vrai groupe de musiciens et, plus que tout, Io Monade Stanca est un groupe dont les absurdités et autres facéties ne lui font pas oublier qu’il est sur une scène pour jouer de la musique.

Le trio en a donc profité pour présenter les titres de son prochain album – ma légendaire timidité m’a empêché après le concert d’aller demander à ces trois garçons quand et sur quel label devait sortir ce troisième album – et on peut estimer que les choses s’annoncent pas mal du tout pour ce nouveau disque, en tous les cas elles s’annoncent tout aussi convaincantes, folles à lier et encore plus barrées et pataphysiquement vôtre que sur The Impossible Story Of Bubu, le deuxième album de Io Monade Stanca (2009, déjà).

Quelques semaines auparavant, Pavel aka Klaus Legal et aka une moitié de Judas Donneger m’avait rafraichi la mémoire au sujet de CLOT, groupe dans lequel il joue également : « oublie complètement les cassettes que je t’ai refilées il y a quelques années, Clot ça n’a plus rien à voir avec ça ». OK, j’ai quand même réécouté les cassettes en question parce que je suis un peu du genre procédurier et psychorigide mais, évidemment, ça n’a servi à rien.

Clot, désormais, c’est l’association d’un batteur qui tape dans tous les sens ou presque et qui donnerait la nausée à Rashid Ali comme à Charlie Ondras et de monsieur Legal, installé devant une table à bidouilles supportant pédales d’effets, table de mixage et quelques autres trucs (un micro qui se retrouvera vite autour du cou de l’intéressé). Et on assiste à une grosse déferlante harsh mêlant stridences compulsives, sons éclatés, rythmes concassée, hurlements de garçon perdu dans le noir et viande avachie découpée au couteau électrique – une sorte de musique industrielle et bruitiste joué avec l’esprit de la no-wave, un vrai délice de cauchemar.

Il y a quelques années et j’imagine que c’est encore le cas, dès que l’on évoquait le nom d’UZEDA, les réactions étaient toujours les mêmes, souvent méprisantes : Uzeda n’était qu’un groupe de suiveurs, ayant pompé une bonne partie – voire la totalité – de sa musique sur Shellac et sur Steve Albini… il est indéniable qu’il y a de nombreux points communs entre les deux groupes mais, une fois de plus, il va falloir rétablir quelques vérités essentielles.

Albini était, est toujours, le plus grand fan d’Uzeda et sans doute considère-t-il que lui-même et la musique de Shellac doivent énormément aux italiens. Le grand escogriffe de Chicago a même fait le déplacement jusqu’en Sicile en avril 2006 pour assurer personnellement l’enregistrement de Stella, dernier album d’Uzeda à ce jour ; il avait fait de même pour ses prédécesseurs directs, le LP Different Section Wires, enregistré aux Black Box studios de Iain Burgess et Peter Deimel en novembre 1997 ainsi que pour le génial mini album 4, en 1995. Rappelons également que Shellac a enregistré le titre Agostino en hommage au guitariste d’Uzeda et qu’à chaque fois qu’on lui pose (encore) la question de son groupe favori, le binoclard répond qu’Uzeda reste le meilleur groupe du monde.

Le meilleur groupe du monde cela ne veut pas dire grand-chose, sauf dans la ferveur d’un concert, ce moment fulgurant qui vous transperce de part en part et vous donne des certitudes pour au moins toute une éternité. Le concert qu’à donné UZEDA ce soir là était de cette trempe et plus encore. Une leçon de noise-rock vous diraient certains, une leçon de musique tout court rajouteraient les autres ; un moment de vie avec tout ce que ce terme de « vie » peut à la fois comporter de magie et d’évidence.

Pour un soir et surement à chaque fois que l’on repensera à ce vendredi 22 mars 2013, Uzeda a donc bien été le meilleur groupe du monde, celui que l’on a toujours voulu voir et écouter en concert. De la musique jouée par des papys et des mamies (pour une fois les musiciens sur scène étaient plus vieux que moi), une musique forte, violente, crue mais tellement belle, symbiotique, parlant à l’intelligence du cœur, vous transperçant le corps en entier, vous mordant de l’intérieur et vous triturant la tripaille en une succession d’explosions de chaleur et de liberté.

Rendons hommage à la paire rythmique, Raffaele Gulisano à la basse et Davide Oliveri à la batterie, une rythmique qui instaure ce groove noise-rock sec et tendu ; rendons hommage au guitariste Agostino Tilotta, complètement possédé et s’embrasant à chaque instant, sortant des plans insensés mais si expressifs de son instrument, magique lui aussi ; enfin, rendons hommage à Giovanna Cacciola, la voix et la flamme d’Uzeda, une voix et une présence qui vous transforment tout comme elles se métamorphosent elles-mêmes, éclats ahurissants d’une beauté fugitive, généreuse et libératrice.

[les photos du concert c'est par ici]

The Men / New Moon

On ne va pas éternellement casser du sucre sur le dos de THE MEN, ce gentil groupe de punk-rockers bien lisses qui ont en plus l’audace de publier leurs disques sur Sacred Bones, le label hype (de Brooklyn) par excellence. Non, on va même dire du bien de ce New Moon, quatrième album du groupe en quatre ans, alors que de nouveaux imprécateurs – secte dont le chroniqueur de 666rpm a déjà fait partie dans le passé – s’apprêtent, j’en suis sûr, à jeter l’opprobre sur New Moon bien qu’ils aient précédemment adulé Leave Home et Open Your Heart. Ici, on va faire très exactement le contraire : on a été déçus par Leave Home puis on a vraiment détesté Open Your Heart ; mais on clame haut et fort que ce New Moon est un bien meilleur disque, un bon album même, à l’exact opposé c’est vrai du petit chef d’œuvre Immaculada et si on avait l’esprit suffisamment mal tourné et surtout l’esprit de contradiction à outrances, on en rajouterait volontiers une couche supplémentaire avec une jubilation non feinte. Mais ce n’est vraiment pas le genre de la maison, non.

Gardons donc la tête froide pour parler de New Moon. Pour enregistrer ce disque le groupe a quitté son centre-ville chéri et gagné la verdure de la campagne. Il fallait donc s’y attendre, énormément d’autres groupes l’ont fait avant The Men, les new-yorkais en ont évidemment profité pour inclure de la musique de bouseux dans leur punk de garçons coiffeurs, appelons ça le syndrome Creedance Clearwater Revival. Oui il y a des relents fortement country ici, à commencer par le titre d’ouverture Open The Door dont les paroles parlent confusément de « countryside » et dont la musique évoque littéralement les Byrds en pleine période ma chérie d’amour fait du rodéo. L’ombre d’un certain chanteur canadien rode également sur New Moon, un chanteur que l’on déteste pourtant tout particulièrement ici (y compris et surtout lorsqu’il annone de sa voix de fausset que le rock’n’roll ne mourra jamais) or, justement, le chant (partagé) chez The Men est à la fois maladroit et patatesque mais jamais irritant : les bleuettes néo-campagnardes de The Men gardent ainsi une certaine fraicheur, surtout lorsqu’elles se payent le luxe d’une accélération finale un peu plus punk (I Saw Her Face)

The Men ne renoncent pourtant pas à toute véhémence : en ouverture de face B The Brass est un titre stoogien en diable (même le solo de guitare y est supportable) puis le single Electric en rajoute une couche question accélération du rythme cardiaque alors que I See No One fait lui penser à du Gun Club. Cette seconde face est nettement plus urbaine que la première, on oublie un peu la campagne, même si cette deuxième face comporte la plus belle chanson country/folk du disque, un Bird Song rehaussé au piano électrique et que l’on croirait avoir été composé par Bob Dylan à la fin des années 60.

Sur New Moon The Men laissent donc définitivement tomber les vapeurs shoegaze et les extravagances noisy, sans doute enfin conscients qu’il ne leur servait à rien de courir derrière la réussite alchimique d’Immaculada, leur meilleur album à ce jour. Au contraire, en s’exilant temporairement à la campagne et en prenant le taureau par les cornes, The Men ont fait ce qu’il fallait, c'est-à-dire muter et changer partiellement de peau pour enregistrer un album mâtiné de country folk un peu lo-fi sur les bords tout en gardant le côté punk rawk 70’s : en toute fin de disque, le très réverbéré Supermoon dont le but ultime est sûrement d’être l’une des pièces maitresse de New Moon, a lui aussi piqué son riff principal au vieux groupe zombifié d’Iggy Pop.

[New Moon  est publié en CD et en vinyle par Sacred Bones records]

Nod Off / EP1

A l’origine Nod Off est le projet solo de Fred, ex-guitariste des Bananas At The Audience, un garçon croisé il y a déjà plus d’une paire d’années avec une première démo et beaucoup plus récemment comme mercenaire/requin de studio pour Seb Radix/Seb And Rhââ Dicks.

Désormais NOD OFF est un vrai groupe et même un duo puisque Fred est accompagné de Gaëlle : lui joue de la guitare, de la basse, de la batterie et surement de quelques autres trucs encore et puis il chante ; elle s’occupe de presque tout le reste c'est-à-dire qu’elle chante aussi. On avait déjà pu entendre et goûter son chant sur un seul titre de la démo, bien trop court... l’idée d’une collaboration plus poussée et surtout l’idée d’inclure le chant comme élément central de la musique de Nod Off (car il n’y en avait presque pas sur la démo en question), qui plus est un chant mixte féminin/masculin se répondant et se complétant parfaitement, sont deux idées excellentes. Il fallait juste qu’elles fassent leur chemin.

Fini donc le temps des compositions instrumentales et place à des chansons acoustiques – la basse est acoustique, la guitare très peu électrifiée, il y a du violoncelle en mode grinçant, etc. – mais des chansons qui pourtant tirent la tension (l’attention) constamment vers le haut. La musique de Nod Off est à la fois crue, rustique, enregistrée de façon artisanale, à la maison et avec les moyens du bord mais ces moyens là sont utilisés avec toute l’imagination et le talent nécessaires pour que cela sonne vraiment et que l’on ait envie de rester.

Un vrai travail de composition qui n’aurait donc pas autant d’impact s’il n’y avait pas ce chant parfois faussement trainant/lascif, parfois énervé et profond, un chant curieusement déformé par des micros fatigués ou par l’acoustique de la salle de bains mais toujours convainquant car expressif, se foutant des gimmicks qui accrochent mais accrochant quand même. Le chant féminin de Gaëlle apporte vraiment un plus et tire bien souvent toute la couverture à lui tandis que sur l’enfumé Song#7 c’est pourtant le mâle qui domine, on croirait entendre rien de moins que Todd A en invité de luxe : il est ainsi heureux que monsieur Fred ait décidé de sauter le pas et de donner de la voix puisqu’il chante vraiment bien, lui aussi. Un EP qui tourne en boucle à la maison.

Cet EP#1 dont la jolie pochette est ornée de vraies traces de gras de doigts sales est publié sous la forme d’un 7’ par Rock'n'roll Masturbation et My Silly Dog records, label maison, là aussi.

Morse - Meat Mist / split

On a déjà évoqué Morse à propos du récent concert que le trio a donné en compagnie de Judas Donneger dans la cave de Buffet Froid mais cette fois-ci on va tenter d’approfondir un peu les choses au sujet d'une cassette partagée avec les américains de Meatmist et publiée par Pain Frites, le propre label de ces jeunes gens.

Oui, cela aurait été dommage de ne pas insister au sujet de MORSE car cet enregistrement des lyonnais a une classe certaine : Chrystie (Radio Signal) débaroule en premier, post punk en diable avec sa guitare aiguisée, son synthé aigrelet et son chant féminin/masculin alterné, un titre soigneusement mélodique et donc accrocheur, un côté épileptique mais racé et de quoi être immédiatement séduit.

Si ce premier titre est déjà excellent, les deux suivants sont encore meilleurs, du vrai tube de chez tube avec un Conquistador déhanché et surtout un Muted qui mériterait de tourner en boucle lors de ta prochaine soirée 80’s – ici le rythme est plus lent que pour Chrystie mais Morse en profite pour ouvrir discrètement la porte de l’insidieux ; la ligne de chant bégaie et reste dans la tête, les nappes de synthétiseur font des ronds dans le noir et mélodiquement c’est absolument imparable (avec en prime un final sur lequel la guitare monte en flèche).

Malheureusement Morse est un groupe qui galère comme tant d’autres pour publier ses enregistrements : le trio ne propose ici que quatre titres et, qui plus est, sur le support cheap entre tous, cette bonne vieille cassette. C’est mieux que rien, vous me direz.

De l’autre côté on découvre MEAT MIST. Et quand on parle de découverte c’en est assurément une : qui sont ces types ? Musicalement on est à des années lumières de Morse et c’est tant mieux, non pas que l’on n’aurait pas repris une petite louche de post punk/garage noise de plus mais le contraste c’est très bien aussi.

Donc Meat Mist joue du hardcore (?) bordélique, sale et bruyant, lorgnant aussi bien du côté du punk vicieux que du gras qui grésille. Il y a beaucoup de choses dans la musique de ce groupe absolument furieux et bien méchant comme il faut. Comment l’idée de faire un split entre ces américains originaires de Kansas City et Morse est-elle née ? On n’en sait rien mais voilà un petit miracle comme on les aime. Pour en finir au sujet de Meat Mist sachez que le groupe a mis en ligne une bonne demi-tonne d’enregistrements, régalade !

Et maintenant, une page de publicité, exclusivement à l’attention des lyonnais :

Premièrement Morse sera en concert au Sonic le jeudi 28 mars en première partie de Divorce, c’est un concert S’Etant Chaussée et c’est absolument inratable.

Deuxièmement, Pain Frites sort sous peu une nouvelle cassette/compilation Tu Veux Mon Kebab ? avec dedans une tripotée de groupes divers et variés (Tonnerre Mécanique !) dont certains sont également à l’affiche d’un concert organisé en guise de release party : donc The Dreams, Karcavul, Bonne Humeur Provisoire et Tucano joueront le 4 avril à Grrrnd Zero pour fêter ça. Inratable également.

Comme à la radio : Sonic Youth à la BBC

Dans notre grande série SONIC YOUTH c’était mieux avant voici un enregistrement live des new-yorkais à la Brixton Academy et datant de 1992, un enregistrement diffusé par John Peel dans son émission pour Radio One/BBC.

La playlist est un mélange déséquilibré de titres de l’époque (Dirty Boots, Kool Thing ainsi que de larges extraits de l’album Dirty qui était alors le dernier album en date du groupe) et de vieux titres tels que l’inusable Schizophrenia ou Tom Violence. Ça dure une cinquantaine de minutes, le son est un peu métallique – sûrement enregistré sur une chaine hi-fi lors de la diffusion de l’émission de John Peel – et les plus vieux regretteront l’absence de vrais moments de bravoure (pas de Brother James, de Death Valley 69, d’Expressway To Your Skull, de Teenage Riot ou de Silver Rocket).

Pour certains 1992 marque le début de la fin de Sonic Youth – avec tout ce binz marketing n’ayant rien à voir avec la musique, notamment toutes les photos promotionnelles formatées pour OK Podium/Les Inrockuptibles – alors que pour les autres c’était seulement le début, la découverte bienheureuse du bruit dans une musique plus grand public. Chacun son truc.

Godflesh / Hymns

Hymns est le dernier album studio officiel de GODFLESH, initialement publié en 2001 par Music For Nations, quelques mois à peine avant que GC Green ne quitte le groupe – ce qui finira, au printemps 2002, par entrainer la dissolution définitive de celui-ci par un Justin Broadrick complètement déprimé et incapable d’assurer physiquement et psychologiquement une tournée américaine qui s’annonçait pourtant plus que prometteuse.

Aujourd’hui réédité en grandes pompes (en format digipak, avec un petit remastering et surtout avec un second CD comprenant sept bonus), Hymns est aussi un disque mal-aimé : beaucoup trop long et beaucoup trop produit ont affirmé les fans à l’époque et il est vrai qu’à la réécoute Hymns souffre toujours de ces défauts-là. Il y a pourtant de bonnes compositions mais – et c’est un comble pour un groupe dont le nom avait depuis toujours été synonyme de puissance et d’ampleur – les titres ont trop souvent cette tendance à s’essouffler, ne tiennent pas toutes leurs promesses, certains riffs sentent le réchauffé, la basse est définitivement sous-mixée, le son de la guitare lorgne trop du côté d’un Prong neurasthénique…

… Pourtant Hymns est intéressant et ce pour plus d’une raison. Premièrement, le duo de base est ici devenu trio et Godflesh comprend donc dans ses rangs le batteur Ted Parsons (Swans, Prong...) ; l’association avec un batteur de chair et de sang aurait pu être une expérience réellement positive – elle l’était lors des concerts, notamment grâce à l’interactivité/échanges entre batteur et machines – si, encore une fois, la production trop lisse d’Hymns n’avait pas aussi peu mis en valeur la frappe pourtant spectaculaire de Parsons.

Deuxièmement, Hymns est un disque varié à l’extrême, piochant dans beaucoup d’époques et d’aspects différents de la musique de Godflesh (à l’exception de la période Selfless), en témoignent Tyrant ou Antihuman qui n’auraient pas dépareillé sur Songs Of Love And Hate ou Defeated qui donne l’illusion de retrouver quelque accents à la Streetcleaner. Mais le plus important est que sur Hymns on découvre également quelques pistes que Justin Broadrick approfondira plus tard avec son nouveau projet, Jesu : Jesu est précisément le dernier titre d’Hymns et après celui-ci et une minute ou deux de silence apparait un ghost track qui est en quelque sorte le maitre-étalon du metal shoegaze pleurnichard de Jesu. On aime ou on n’aime pas mais, avec le recul des années, c’est encore plus flagrant.

Hymns reste donc un album testamentaire imparfait et finalement frustrant de Godflesh ; l’intérêt de cette réédition 2013 vient du deuxième disque qui propose sept titres issus des démos d’Hymns : on découvre alors ce que ce dernier enregistrement aurait pu être, tout simplement parce que ces sept inédits enfoncent tout – le son, bien qu’imparfait, a nettement plus de carnation et de profondeur que celui des sessions officielles de l’album et ces versions exaltent enfin un parfum de lourdeur et de noirceur.

Il n’empêche que l’on peut légitimement se demander quels impératifs président depuis deux ou trois ans aux rééditions successives de tous les albums de Godflesh : Hymns est seulement le deuxième disque du groupe a être réédité avec des bonus conséquents alors que la plupart des autres disques de Godflesh sont plus simplement combinés entre eux – par exemple le combo Pure/Slavestate/Cold World – et alors que le 15 mars dernier une réédition combinée du premier album éponyme, de Selfless et de Us And Them a vu le jour … or s’il y a bien des albums de Godflesh qui auraient mérité un traitement de faveur et être réédités en version deluxe/je sais pas quoi/avec plein de bonus, démos ou titres live ce sont bien Pure, Selfless et Us And Them…