Agathe Max / Dangerous Days

En 2009 AGATHE MAX avait réalisé un petit exploit en publiant son premier véritable album, le très beau This Silver String, sur le très prestigieux et sobrement arty label Table Of The Elements. This Silver String reste un disque qui propose une vision radicale, fulgurante et d’apparence instinctive de la pratique instrumentale du violon solo, pour faire simple il s’agissait de la transcription studio de l’épidermisme ardent défendu par Agathe Max lors de ses concerts toujours très impressionnants : empilements de boucles, reverb, delay, saturation, grésillements… l’émotion submergeait l’auditeur, raz de marée intrusif, déflagrations d’adrénaline et, en même temps, l’impression de se sentir capturé puis émerveillé par une telle force voire une telle violence et une puissance d’évocation génératrices de tant de beauté.

La beauté est toujours et plus que jamais au cœur de la musique d’Agathe Max qui pour son deuxième album intitulé Dangerous Days a choisi d’employer d’autres moyens et donc d’explorer d’autres voies. Déjà l’instrumentation change puisqu’au violon alto s’ajoute désormais de l’orgue, de la batterie/percussions sur deux titres et un piano qui désormais sert également de fil conducteur à une musique d’apparence adoucie, plus que jamais axée sur des mélodies envoutantes et dont toutes traces sismiques ont presque été éliminées – quelques exceptions comme sur l’introductif The Bird ou, de façon plus détournée, les contrepoints du violon opposé aux parties de piano sur Sonatine Satinée (au passage un hommage réussi à la musique d’Erik Satie). Rappelons qu’Agathe Max est une violoniste chevronnée, qu’elle a eu une éducation classique de la musique avec plus de dix années d’apprentissage et Dangerous Days apparait comme l’acceptation de cet apprentissage confronté au désir de liberté d’une musicienne qui a une époque a tout fait ou presque pour découvrir d’autres pratiques et d’autres horizons.

Plutôt que de nous imposer une vision musicale trop centrée, Dangerous Days est donc un album qui nous prend par la main, pas forcément en douceur et en tous les cas sans complaisance ni facilité ou démagogie, un disque qui préfère nous accompagner posément, qui prend son temps et dont les effets moins immédiats – et encore ! – sont par contre magiquement durables. Tundra et son délicat travail de boucles enchevêtrées comme Desert Metamorphosis, composition centrale du disque avec ses dix minutes de sensualité glacée tout en clair-obscurs captivants, sont les deux pièces maitresses de Dangerous Days : on y retrouve toute la vision renouvelée d’Agathe Max, son regard « musical » exigent et, finalement, généreux et ensorcelant. Un disque aussi lumineux que bienfaisant.

[Dangerous Days est publié en vinyle et en CD par Inglorious records, un tout nouveau label basé à Lyon mais également un studio d’enregistrement dont lequel toute la magie de ce disque a précisément été capturée]

Art Of Burning Water / This Disgrace

This Disgrace est déjà le quatrième album de ART OF BURNING WATER est il serait donc bien temps que l’on s’occupe enfin ici du cas de ce trio londonien dont les tout premiers signes d’activité remontent au début des années 2000 (un split avec American Heritage en 2003). Art Of Burning Water possède exactement tous les ingrédients et arguments qu’il faut pour convaincre les ronchons blasés et fatigués des poussées métallurgistes/hardcore-noise issues de groupes tels que Deadguy et, plus particulièrement, This Disgrace est un monument de violence et d’obscurité. Sans doute le meilleur enregistrement à ce jour d’Art Of Burning Water qui pour ce faire a subtilement – « subtilement », si si, j’insiste – mis les petits plats dans les grands.

L’écoute du disque révèle immédiatement un son énorme, dantesque, terrifiant (tout ce que l’on voudra du moment que cela traduit l’idée de chaos tellurique et d’oppression pachydermique) mais, et c’est vraiment très important, ce son méga surpuissant de la mort qui tue tout le monde ou presque ne tombe pas pour autant dans les travers testostéronés de la plupart des productions/enregistrements estampillés Kurt Ballou et consort. Vous allez finir par croire que je lui en veux personnellement à Kurt mais non, je ne lui en veux pas particulièrement, si ce n’est que son travail de producteur a enfermé trop de bons groupes dans un cadre trop précis, trop formaté, trop lisse, trop prévisible et, finalement, trop acceptable. Des oreilles propres au service d’une musique prétendument sale.

Ça tombe bien, This Disgrace a été enregistré par un certain Wayne Pennel et avec ce disque Art Of Burning Water trouve le bon équilibre entre d’un côté efficacité et puissance et de l’autre crasse et noirceur. Et si le hardcore noise du trio a le bon goût de ne pas s’embarrasser de la production high-tech qui le fait bien, le groupe n’en rajoute pas non plus des kilotonnes du côté de la boue grésillante et de la marmite aux sorcières qui font peur ; autrement dit avec This Disgrace on n’entend ni un énième artefact ripoliné de violence en tubes ni un ersatz pure evil de pacotille maléfique mais finalement inoffensive. The Art Of Burning Water réunit pourtant toute les conditions pour faire (le) mal mais voilà bien un groupe dont les épanchements alambiqués, torturés et bruyants sauce hardcore lourd et vicieux imposent ce sentiment de respect attentionné et motivé par un mélange crédible de passion dévorante et de simple honnêteté.

Et en parlant de dévorer, on ne saurait trop insister sur ces riffs complètement dingues et ces rythmiques assassines qui émaillent This Disgrace, un niveau de composition tout simplement carnivore de la part d’Art Of Burning Water qui s’est donc littéralement surpassé sur ce coup là, aussi bien dans son élément lorsqu’il s’agit de tout terrasser dans la lenteur que lorsqu’il s’agit de tout incendier et de tout exploser, radicalement (sans oublier aussi l’utilisation de nombreux samples et des interludes indus/bruitistes du meilleur effet). On vous aura prévenus.

[This Disgrace est publié en vinyle uniquement par Riot Season, SuperFi records et Swarm Of Nails]

Report : Grand Plateau, Pord et Poutre à la Triperie (15/03/2013)

Le grand dilemme lyonnais de cette fin d’hiver : alors que Gaffer records organise à Grrrnd Zero le troisième concert en un an des norvégiens de Staer (de retour à Lyon pour fêter la parution de leur deuxième album), Active Disorder préfère jouer la carte de la tradition à la Triperie avec une triple affiche de groupes à guitares et plus ou moins raffinés ; Grand Plateau, Pord et Poutre sont au programme et n’ayant jamais vu en concert ni les premiers ni les troisièmes, c’est vers la Croix-Rousse que je me dirige, le cœur rempli d’une frénésie presque juvénile (oui, des fois, ça me rassure).

Tant pis donc pour la Norvège et tant pis pour Black Packers et pour Neige Morte – en formation duo, guitare et batterie uniquement – qui accompagnaient Staer à Grrrnd… Les absents ont parait-il toujours tort mais j’aurais également eu tort de rater la triplette infernale qui ce soir là a entrepris de secouer la Triperie bien comme il faut.

Les GRAND PLATEAU sont en quelque sorte les régionaux de l’étape – même si le chanteur/guitariste du groupe est une banale importation nîmoise – et ils ont enregistré un premier EP prometteur, Casual Act. Après plusieurs occasions ratées de découvrir le trio en concert, cette fois est enfin la bonne.

Grand Plateau se démarque de la meute par plusieurs aspects non négligeables : d’abord une recherche mélodique poussée (dans le même genre d’optique je ne vois ici-bas que Stereozor que l’on pourrait rapprocher un peu de la démarche des lyonnais) ; ensuite un rythme général assez lent, les Grand Plateau ne sont pas les rois du perpétuel sprint tout à donf, ils savent et aiment prendre leur temps pour installer des compositions aux structures qui se moquent bien de l’éternel enchainement couplet/refrain (façon de faire pourtant trop souvent jugée comme indissociable voire obligatoire avec l’option mélodique mais Grand Plateau n’est pas un groupe de pop music, n’est-ce pas ?).

Grand Plateau ne pratique donc pas la frontalité brute ni le mur du son qui fracasse en quelques secondes seulement et le trio préfère manipuler soigneusement toute l’énergie vitale de sa musique, la détourner et l’envoyer dans des directions auxquelles on ne s’attend pas toujours : Grand Plateau est un groupe à voir et à écouter en concert, sortant vainqueur du grand jeu de massacre de la course à l’originalité.

Place aux lozériens de PORD qui en profitent ainsi pour honorer leurs obligations lyonnaises semestrielles : au moins deux concerts par an sinon rien ne va plus. En début de set le trio – pourtant plein de hargne et de volonté, comme à son habitude – pédale un peu dans la gadoue pour cause de rendu sonore pas vraiment en totale adéquation avec la fureur dévastatrice d’une musique toujours aussi prenante.

Mais, comme à leur habitude encore, les trois Pord font avec ce qu’ils ont, s’adaptent aux conditions, genre ouais c’est nous les plus forts, et effectivement ces trois garçons vont enfoncer à peu près tous les groupes connus et en activité question hardcore noise. Pord en profite pour jouer quatre nouvelles compositions (le groupe a opté pour le luxe de la réflexion au sujet d’un deuxième album prévu seulement et si tout va bien pour la fin de l’année 2013), des nouvelles compositions qui encore une fois font mourir d’impatience pour la suite.

Et puis il y a les éternels tubes du premier album Valparaiso avec en premier lieu Brenda’s Sheets et sa montée inexorable, ce genre de morceau de bravoure qui a pour principale conséquence, au lendemain du concert, de nous faire coller in extenso Valparaiso sur la platine disque et ce pour au moins toute la semaine suivante. Allez, prochain rendez-vous en septembre/octobre ?

Et enfin les POUTRE s’installent. Avant le concert le débat avait fait rage : qui allait jouer en dernier ? Pord ou Poutre ? Ceux-ci auraient semble-t-il préféré ne pas passer à la casserole à la fin mais, après tout, c’est une bonne chose qu’ils aient clôturé cette petite soirée festive.
Pressés par le manque de temps – il y a un horaire et un couvre-feu à respecter – les Poutre jouent donc très (très) vite, trop vite même de l’avis du bassiste qui râle un peu (les bassistes sont souvent un peu râleurs mais ça fait partie de leur charme, non ?), et ils déboitent en un tour de main les titres de leur prochain album, actuellement en phase de mix définitif**.

En tous les cas, grand bien a pris aux Poutre de se la jouer Ramones du noise rock et d’en rajouter constamment en intensité parce que le groupe a donné un concert juste dément, un concert mettant également en avant le groove impitoyable et addictif de son noise rock. Je ne les avais encore jamais vus en concert, voilà maintenant c’est fait et désormais il n’y plus qu’à attendre la suite d’Escalade (qui commence à dater un peu) et surtout espérer revoir ces garçons dès que possible.

[des photos du concert, par là]

* comme d’habitude dans ces cas-là : peut-être une chronique de Casual Act, un jour, on verra, demain il fera jour, etc…

** un album prévu chez Katatak, Boom Boom rikordz et quelques autres en plus, si affinités

The Catalyst - Aussitôt Mort / split

Pile ou face ? Comme je n’ai pas très envie de lancer ce disque en l’air pour voir de quel côté il va retomber et donc quel groupe écouter en premier je choisis lâchement de d’abord faire semblant de m’intéresser à la face occupée par La Bourse Ou La Vie d’AUSSITÔT MORT qui est un groupe que je n’ai jamais vraiment aimé. Personne n’est parfait et je n’ai jamais pu supporter le chant en français – sauf lorsqu’on ne comprend pas ce qui se raconte (éternel exemple : La Mâchoire) ou lorsque ce qui se raconte est vraiment dégueulasse (autre exemple, tout aussi éternel : Glu). Pour tout le reste, ça ne passe pas, c’est mon côté réactionnaire qui vous parle.

Lequel côté me fait de toute façon également détester l’emo-core et ce genre d’éternelles adolescenteries… Je reconnais toutefois que sur la longueur limité d’un 7 pouces la musique d’Aussitôt Mort passe à peu près la rampe, que tout ça est extrêmement bien foutu, même pas le temps de trop bailler aux corneilles, juste celui de siffler une bière avant de retourner la galette pour écouter l’autre face et l’autre groupe.

L’autre groupe en question s’appelle THE CATALYST, un combo américain originaire de Virginie et que par contre j’adore. Petite surprise, les deux titres de The Catalyst ont été enregistrés avec l’ancien line-up du groupe c'est-à-dire avec le guitariste et batteur Jamie Faulstich. Thumbsucker est pourtant une bonne petite bourrinade qui aurait dépareillé en rien sur Voyager, le dernier album en date du groupe. Et moi qui croyais que le départ de Jamie était précisément la cause principale de l’intensification métallique de Voyager… Heureusement Our Science Is Too Tight me donne enfin raison, The Catalyst y mâtinant son hardcore noise d’une couche insidieuse de psychédélisme rampant – enfin, tout est relatif, hein, parce que ce « psychédélisme » là a plutôt à voir avec la torture sonique d’un Today Is The Day de l’époque Supernova/Willpower. On reste donc entre gens civilisés et de bon goût et surtout entre noiseux ; les petits gars de The Catalyst prouvent une nouvelle fois avec ces deux titres furieux et étincelants qu’ils sont l’un des secrets les mieux gardés en matière de musique qui défouraille et qui fait pleurer les enfants. Allez, pour la peine je réécoute une dernière fois La Bourse Ou La Vie et qu’on n’en parle plus.

Ce split démontrant la suprématie indéniable du hardcore noise sur toutes autres formes de groupes à guitares plus ou moins énervées a été gravé dans un vinyle vert (tendance Malabar à la menthe), légèrement marbré sur les bords et emballé dans une pochette doté d’un artwork sombre mais très réussi et qui se déplie en trois volets (il y a des choses à lire à l’intérieur). Trois labels se sont ruinés pour parvenir à un tel résultat, vraiment chouette, qu’ils en soient donc chaudement remerciés : Aïnu records, Moment Of Collapse records et Sieve Sand records.

Micah Gaugh / The Blue Fairy Mermaid Princess

Ce type là, juste au dessus, qui vous regarde droit dans les yeux et qui tente avec une certaine réussite d’imiter Eugene Robinson déguisé en Jean-Michel Basquiat, c’est MICAH GAUGH, un chanteur/saxophoniste/poète basé à New-York. On ne sait pas trop ce qu’il a bien pu faire d'autre que The Blue Fairy Mermaid Princess*, sans doute plein de choses puisque ce disque est une sorte de compilation regroupant des enregistrements (souvent) live datant de 1994, 1996 et 1997. Tout ce que l’on a fini par découvrir c’est que Micah Gaugh a chanté occasionnellement sur les deux seuls albums de Storm And Stress – on ne peut que vous enjoindre à découvrir sans plus tarder et si ce n’est pas déjà fait le premier d’entre eux, sans titre, qui est de loin le meilleur des deux.

C’est à cette occasion que Micah Gaugh a sympathisé avec Kevin Shea, batteur de Storm And Stress et qui joue également sur The Blue Fairy Mermaid Princess (il est en outre responsable des enregistrements et des prises de son du disque). Daniel Bodwell complète le line-up du MICAH GAUGH TRIO : un groupe pas vraiment (free) jazz ou plutôt un groupe qui oscille merveilleusement entre le jazz et la chanson, ce dernier terme étant à prendre dans son acceptation la plus poétique du terme.

Qu’importe que Micah Gaugh ne chante pas toujours très juste ; qu’importe également qu’il ne joue pas très bien du saxophone alto : le plus important c’est la beauté violente et irrésistible qui s’échappe des douze compositions/chansons** de The Blue Fairy Mermaid Princess, un mélange de fragilité, de fébrilité, de lyrisme, de passion et même de sauvagerie. Il suffit que Micah Gaugh décide de castafiorer de tout son cœur comme une diva pour qu’il devienne effectivement une diva ; il suffit qu’il décide de chanter une berceuse pour qu’il se transforme en marchant de rêves ;  il suffit qu’il empoigne son alto pour en faire sortir de moments de vérité à la beauté bancale dignes d’un Albert Ayler (El Mar Rojo, absolument dément) ou d’une expressivité sèche évoquant Ornette Coleman (Hunger ou Cat Club Tree House).

Sur ces enregistrements Kevin Shea est égal lui-même c'est-à-dire qu’il joue complètement ailleurs mais qu’il réussit par on ne sait quel miracle à faire en sorte que ses parties de batterie collent parfaitement à l’ensemble*** ; pendant ce temps la contrebasse de Daniel Bodwell a l’intelligence de ne pas suivre coûte que coûte la batterie (en fait elle emboite très souvent le pas aux lignes de chant) et le trio semble constamment en état d’apesanteur, même lorsqu’il décide de ruer dans les brancards et de s’offrir une escapade réellement free.

The Blue Fairy Mermaid Princess est un vrai beau bordel mais en même temps ce disque restaure une certaine idée du jazz vocal en ce sens que l’émotion – le feeling si on veut – y prédomine sur les prouesses et autre exhibitionnisme chanté : vous avez toujours préféré le grain si particulier d’une Billie Holiday au côté beaucoup trop lisse d’une Ella Fitzgerald ? Vous aimez la fragilité ténue mais profonde d’un Johnny Hartmann ? Et bien The Blue Fairy Mermaid Princess est (peut-être) fait pour vous, non pas que ce disque ressemble à ces illustres exemples – parce que, rappelons-le, Micah Gaugh chante aussi bien comme une patate avinée que comme une grenouille émasculée – mais plutôt parce que comme eux il possède quelque chose d’unique et qui lui est réellement propre****. De la magie.

* The Blue Fairy Mermaid Princess est publié en CD digipak par Africantape

** les textes sont imprimés à l’intérieur du disque

*** chose que malheureusement il n’a pas toujours réussie dans le passé

**** le Micah Gaugh Trio sera en tournée européenne au printemps 2013 ; la bonne nouvelle pour les lyonnais c’est qu'ils auront la chance de voir et entendre le groupe lors d’une date au Périscope le 2 mai prochain

Nazoranai / なぞらない et Ensemble Pearl / self titled

Il y n’y a que deux points communs entre Ensemble Pearl et Nazoranai mais on va quand même passer pas là pour expliquer le pourquoi de cette chronique double et lapidaire : voilà deux « super groupes » c'est-à-dire des groupes dont les line-ups respectifs alignent quelques célébrités de la musique expérimentale/dark/metal/etc. et – plus précisément – on compte Stephen O’Malley comme membre de chacun d’eux. La moitié de Sunn O))) comme fil conducteur ça vous parait un peu juste comme argument ? Et bien non. On veut juste illustrer par là qu’un musicien, aussi doué soit-il, peut aussi se fourvoyer à l’occasion.

Et on parlera effectivement de gros plantage à propos du premier album sans titre d’ENSEMBLE PEARL publié par Drag City (un double LP officiellement dans les bacs à partir du 19 mars). Lâchons tout de suite la liste de noms qui va bien : Ensemble Pearl est donc la réunion de O’Malley (Sunn O))), KTL, Lotus Eaters, Khanate, Burning Witch, etc.), d’Atsuo (batteur de Boris), de Michio Kurihara (Ghost) et de William Herzog (The Sweet Hereafter, le backing band de Jessie Sykes) ; ajoutons que sur un ou deux titres apparaissent également Eyvind Kang et Timba Harris (entre autres des affreux Secret Chiefs 3).

Cet album, gavé de bonnes intentions et d’expérimentations proprettes est l’archétype du disque paresseux et qui s’étire mollement, distillant du drone binoclard et de l’américana post Earth (le groupe de Dylan Carlson bien sûr) par boudins en paquets de douze. On peut un temps être séduits par Ghost Parade – on le sera à nouveau, vers la fin du disque, par Giant – mais dès Painting On A Corpse on ne peut que lever les yeux au ciel, attendant peut-être qu’il en tombe quelque chose. Mais il ne se passe rien, mis à part la démonstration qu’un « super groupe » est trop souvent synonyme de fausse bonne idée. A oublier.

Le cas de NAZORANAI est nettement plus intéressant. Le principal défaut (?) de なぞらない est qu’il donne à entendre un trio de remplacement : Nazoranai est en effet la réunion de Keiji Haino (guitare/chant/saturation), Oren Ambarchi (batterie) et de Stephen O’Malley (à la basse) c'est-à-dire que ce dernier vient suppléer à Jim O’Rourke – on rappellera le dernier enregistrement en date du trio initial, le très électrique Imikuzushi –, un Jim O’Rourke qui semble-t-il a abandonné la partie parce qu’il s’est définitivement installé au Japon pour y vivre et que depuis il refuse d’en sortir, même pour donner des concerts, ce qui peut être un inconvénient majeur lorsqu’on est un musicien de renommée internationale*.

なぞらない reprend donc les choses là où Imikuzushi les avaient laissées, réactivant le power trio sauce Keiji Haino et réveillant les fantômes de Fushitsusha, y compris dans leur formulation la plus atmosphérique et la plus inquiétante mais aussi la plus blues et psychédélique : rien de réellement neuf mais un motif de satisfaction évident pour les nombreux fans d’Haino qui n’en est plus à son coup d’essai en matière de réanimation/bouche-à-bouche thermonucléaire (plus précisément, il n’en est pas à sa première réincarnation du trio électrique post Fushitsusha, on se souvient par exemple de Purple Trap, groupe fondé avec Bill Laswell à la basse et Rashied Ali à la batterie). Dans le genre なぞらない est un excellent disque, mais dans le genre seulement c'est-à-dire pour les fans avertis du monsieur (なぞらない a été publié en CD et double vinyle par les Editions Mego).

* breaking news : le label Black Truffle annonce un nouvel album (live ?) du trio Keiji Haino/Jim O’Rourke/Oren Ambarchi à paraitre le 30 avril…