HEAVY MENTAL

Vaz / Chartreuse Bull

2012-02-02T00:02:00.012+01:00

Ce n’est que maintenant que je m’aperçois qu’il y a un très grand absent dans le Top Of The Dope 2011, hit-parade de bon goût concocté par 666rpm. Ce grand absent c’est VAZ et le cinquième album du groupe, Chartreuse Bull. Enfin… le cinquième ou le quatrième LP du groupe, tout dépend de comment on compte : on peut en effet toujours attendre que Narnack records se décide un jour à publier Pink Confetti, un album entier enregistré il y a plus de quatre ans mais que l’on peut facilement dénicher en version mp3 low fidelity en cherchant, même mollement, sur internet. D’ailleurs les concerts que Vaz avaient donnés à cette époque (2007) – avec un étonnant line-up à trois guitaristes – nous font parfois regretter ce trou noir dans la discographie du groupe…

Le pire est que Chartreuse Bull a bien failli subir le même sort que Pink Confetti puisqu’il n’a d’abord été disponible qu’en streaming avant de bénéficier d’une ridicule publication en cassette et à tirage très limité. Bande de hipsters de merde. Puis, presque miraculeusement, le label Sleeping Giant Glossalia a décidé de sortir l’album sous un format enfin à sa hauteur, en vrai et surtout en vinyle. Fétichiste un jour, fétichiste toujours.

Heureusement Chartreuse Bull rattrape le temps perdu et efface la période représentée par le troisième album The Lie That Matches The Furniture puis par le fantôme Pink Confetti – deux disques beaucoup plus « pop » et avec quelques relents dark un peu kitsch, souvent décriés par quelques détracteurs mais qu’ici on aime bien quand-même. Et surtout Chartreuse Bull permet à Vaz de revenir du côté de son premier album Demonstrations In Micronesia, le meilleur aussi. Le meilleur mais peut être pas pour très longtemps car sur Chartreuse Bull la paire Paul Erickson aka Apollo Liftoff/Jeff Mooridian (ils sont accompagnés d’un nouveau guitariste en la personne de Tyler Nolan) semble au sommet de sa créativité et de sa hargne.

On a toujours aimé chez Vaz le mélange entre évidence mélodique – souvent assurée par le chant – et incandescence et chaos de la musique, un mélange hérité de l’époque où Erickson et Mooridian officiaient encore au sein du génial Hammerhead. Et du Hammerhead on en trouve des tonnes sur Chartreuse Bull, bien plus que Vaz ne nous en avait jamais offert, y compris sur Demonstrations In Micronesia. Le mimétisme est plus que troublant, il est souvent évident et toujours imparable : après tout, ces deux là en ont parfaitement et légitimement le droit. On prend donc Chartreuse Bull et ce Vaz « nouvelle formule » comme la suite logique et heureuse d’Hammerhead, surtout des albums Ethereal Killer et Into The Vortex. Des compositions qui prennent des tournures irrésistibles et qui en même temps vous mordent jusqu’au sang. Des riffs incroyables, des breaks incandescents, des plans de batterie de malade, un chant impérial. Derrière un son sombre et crade – Ben Goldberg de Zs a assuré l’enregistrement – jaillissent ces fulgurances entêtantes qui ne peuvent que donner envie de fondre sur place. Je crois que je pourrais écouter des titres tels que The 2nd ou Clone Theory une journée entière sans me lasser, à en devenir presque totalement fou.

Report : Moms On Meth et Bacchus au Trokson - 29/01/2012

2012-02-01T00:00:00.004+01:00

Le concert débutera à 20 heures précises, une phrase imprimée sur les flyers du monde entier qui fait toujours rire car on finit toujours par attendre plus ou moins, bon gré mal gré. Cela fait partie du jeu et le jeu peut être assez amusant – papotages, rencontres, bières – sauf en plein mois de janvier, au beau milieu de l’hiver et alors qu’il gèle à pierre fendre. J’attends donc, tout seul puis à plusieurs que le concert réunissant Moms On Meth et Bacchus veuille bien commencer.

La raison de l’attente était du reste toute simple : l’organisateur avait annoncé un prix de 5 euros tandis que le Trokson (le bar accueillant le concert) préférait mettre l’entrée à prix libre, proposant par contre de rémunérer les groupes sur les bénéfices du bar (et ce faisant majorant le tarif des consommations*). Il y a déjà des endroits où ce genre de pratique est courante – on m’a parlé d’un bar assez fabuleux sur Nîmes où les concerts sont toujours blindés, l’ambiance toujours délirante et où le patron refile au minimum 300 euros à la fin de soirée. 300 euros ce n’est pas rien mais cela semble exceptionnel. Si on peut comprendre qu’un patron de bar veuille préserver ses billes tout en accueillant un concert, le système est par contre très contraignant et défavorable pour les orgas et groupes DIY : tourner se fait souvent à perte – tu as vu le prix de l’essence ? tu as vu les droits de passages des autoroutes ? – ou tout du moins en rentrant juste dans ses frais.

Car en plus le prix des petits concerts n’a pas augmenté ces dernières années, il a même baissé et les groupes, quelle que soit leur bonne volonté, souffrent – pour mémoire à Lyon en 1988 Gougnaf ou les Silly Hornets mettaient les prix des concerts à 50 francs puis entre 1996 et 2001 le Pezner faisait seulement payer entre 50 et 70 francs alors que la monnaie avait alors un pouvoir d’achat bien supérieur à notre euro actuel. Il faut garantir un minimum aux groupes qui tournent, vivre sa musique avec passion c’est bien mais crever de faim n’est pas une solution.

Finalement le concert a été payant et 5 euros est un prix correct pour un concert réunissant deux groupes dans une cave très (très) sombre.

C’est avec une réelle impatience que j’attendais de voir enfin Moms On Meth en concert. Le groupe a pourtant déjà joué au moins quatre fois sur Lyon en six mois… Dans Moms On Meth on retrouve un guitariste des Veuve SS, un batteur des Lost Boys ainsi qu’un bassiste et un autre guitariste que j’ai déjà vus jouer mais je ne me rappelle absolument pas avec qui ni où – ça c’est de la précision, merci. Ce qui m’intriguait c’est l’avalanche de commentaires très élogieux autour du groupe, ce qui m’intriguait aussi c’est que des groupes hard core flirtant avec le power violence il n’y en a pas des masses dans le paysage musical actuel pour ne pas dire qu’il n’y en a pas du tout sur Lyon. Et j’étais très intrigué par Elizabeth qui chante et joue également de la basse dans Alligator : si je suis presque totalement réfractaire à ce duo pop qu’elle a monté avec Lisa de Réveille (parce que j’ai des goûts de merde) je me demandais comment allait se passer les choses lorsqu’elle joue avec Moms On Meth – les deux groupes étant radicalement antinomiques, c’est le moins que l’on puisse dire. En fait je savais déjà plus ou moins de quoi il en retournait puisque j’avais triché en regardant des vidéos de Moms On Meth qui tournent sur le net… mais rien ne vaut un vrai concert, pas vrai ? Voilà donc une vraie hurleuse et qui n’en fait pas trop, bravo.

Mais Moms On Meth c’est aussi les quatre boys qui dézinguent avec une violence inaltérable un fast core qui tire parfois sur le grind – le batteur est un monstre –, avec des riffs qui tiennent du carnage et des compositions extrêmement bien torchées. Et puis le groupe a bénéficié d’un avantage de poids en jouant sur le matériel de Bacchus (le groupe d’après), lequel possède une collection d’amplis aussi démesurés que surpuissants. Moms On Meth a donc assuré avec un gros son de malades. Et rajoutons enfin qu’un groupe reprenant Hate The Police des Dicks avec autant de réussite ne peut pas être mauvais. Des mères de famille usagées, de la drogue de synthèse pourrie, ça y est je suis amoureux.

Pour faire vite on va dire que Bacchus est un pur groupe de crust. Tout ce qu’il faut là où il faut et des comme ça on en a connus des dizaines et si l’espèce humaine arrive à survivre à l’année 2012 – ce que je ne lui souhaite pas, après ce sera encore pire – on en verra encore sûrement quelques dizaines de plus. Ces irlandais – mais on s’en fout d’où ils viennent, non ? – jouent comme des brutes et assurent un mur du son bien compact grâce à la rangée d’amplis déjà évoquée. J’abandonne la cave du Trokson après quelques titres, un peu lassé bien que partiellement conquis par tout ce déluge. Je rejoins mes parisiens du moment toujours en visite sur Lyon, et en route pour le marchand de tandoori du coin. Quand je vous disais que la faim peut aussi être l’ennemi de la musique.

* j’ai payé ma bière 2.60€ alors qu’un quart d’heure avant un ami avait payé la sienne 2.30€ – il faut vendre un paquet de bières pour assurer un minimum décent aux groupes qui jouent, non ?

Report : Sheik Anorak au Kraspek Myzik - 28/01/2012

2012-01-31T00:03:00.027+01:00

Le Kraspek Myzik. Cela fait une éternité que je n’ai pas assisté à un concert dans ce lieu… Ou plus précisément il m’arrivait parfois de m’y rendre au siècle dernier ou au début de celui-ci lorsque l’endroit s’appelait encore le [kafé myzik] et était tenu par une équipe de passionnés* qui ont tout fait pour le pérenniser. C’était exactement à l’époque où l’hygiénisme urbain a commencé à faire des ravages sur Lyon, où les prix de l’immobilier ont aussi commencé à exploser, ou des gens ne sachant pas quoi faire de leur argent ont acheté des beaux appartements de Canuts** avant de s’apercevoir que le quartier de la Croix-Rousse avait une vraie vie nocturne assez intense et passionnante.

Elle est banale l’histoire du gros con qui achète à prix d’or un bel appart avant de constater qu’il y a une mini salle de concert dans le même immeuble et d’entreprendre toutes les démarches nécessaires pour faire fermer le lieu ou limiter son activité au strict minimum. Avec bien sûr l’assentiment des élus locaux, trop fier d’eux-mêmes et de transformer un ancien quartier populo en musée et en ghetto de parvenus – je me rappelle d’un ancien maire du 1^er arrondissement de Lyon qui avait fait toute sa campagne en allant serrer des mains dans les bistrots le soir et qui une fois élu avait permis qu’ils soient fermés un à un. C’est ce qui est arrivé au [kafé myzik] dans sa forme originelle… Ce fiasco fut aussi l’un des points de départ de l’aventure Grrrnd Zero.

Mais le lieu n’a pas entièrement fermé. Devenu Kraspek, il a été transformé et une nouvelle équipe, passionnée elle aussi et sûrement un peu inconsciente voire téméraire, a remplacé l’autre il y a quelques années. L’étage est désormais réservé à des bureaux – je me souviens d’y avoir assisté à un concert de Love’s Holiday (le duo acoustique Eugene Robinson/Niko Wenner) venu présenter le documentaire Music For Adults consacré à Oxbow. Fini aussi les concerts électriques… là encore je me rappelle d’un fabuleux concert d’Oxes pendant lequel les deux guitaristes du groupe s’étaient échappés de la salle (grâce à leur dispositif sans fil) et s’étaient mis à courser les voitures Montée St Sébastien tout en continuant à jouer !

Mais heureusement aussi que les temps changent. Après avoir été contraint de n’organiser que des concerts non bruyants voire totalement acoustiques, le Kraspek semble reprendre un peu du poil de la bête. Ce qui explique que désormais – et jusqu’à quand ? – le lieu peut à nouveau donner dans l’électrique. Peut-être une alternative après l’arrêt momentané de Grrrnd Zero mais surtout un pis-aller : le Kraspek c’est vraiment tout petit, si on n’est pas devant on voit rien et le son n’est pas terrifiant de qualité. Et il m’a semblé que nombre de personnes présentes en ce samedi soir ne s’étaient pas déplacées en connaissance de cause mais étaient simplement sorties dans un lieu situé sur les pentes de la Croix-Rousse.

En ce qui me concerne si Sheik Anorak n’avait pas été programmé ce jour là au Kraspek, je n’y serais sans doute toujours pas retourné après toutes ces longues années… malheureusement Sheik Anorak a sûrement donné en cette occasion le moins bon concert venant de sa part auquel j’ai jamais assisté. Pas très à l’aise, avouant de lui-même être « laborieux » notre héro n’a pourtant pas démérité – il a chaudement été applaudi, comme quoi un mauvais concert de Sheik Anorak se révèle toujours au dessus de la moyenne – et il a en plus enchainé les incidents techniques (le coup de la cymbale volante était réellement spectaculaire). Il n’empêche que la musique de Sheik Anorak est toujours une machine à tubes et que le « nouveau » titre chanté est un vrai régal.

Ce sont les suisses de Disco Doom qui ont ensuite pris possession de la minuscule scène du Kraspek. Après un temps infini consacré à résoudre un problème de micro, le concert a enfin pu commencer. L’écoute préalable des enregistrements de Disco Doom ne m’avait guère convaincu. Les premiers titres joués à ce concert non plus : la pop geignarde et noisy du groupe – avec chant trainant à souhait – n’est pas vraiment ma tasse de thé et lorsque le groupe est passé à la vitesse supérieure et a flirté avec une noise beaucoup plus virulente (pensez au Sonic Youth de Sister) je n’ai guère été emballé non plus. De toute façon j’avais décidé de ne faire aucun effort.

Tout simplement parce que j’avais également plus ou moins rendez-vous avec un couple de parisiens en goguette plus quelques autres connaissances locales mais tout aussi assoiffées et que tous ensembles nous avons décidé d’aller boire des bières ailleurs. La soirée s’est donc terminée de manière nettement plus satisfaisante et bordélique.

* notamment on ne dira jamais assez tout ce que Damien Grange – musicien bien connu ici – a entrepris et enduré pour le [kafé mysik]

** historiquement ceux-ci étaient occupés par des ouvriers textiles qui y travaillaient et y vivaient en famille, de nos jours on qualifierait pudiquement ce genre d’habitations de logements sociaux alors que c’est devenu le nec plus ultra du chic bobo-écolo.

The Ames Room / Bird Dies

2012-01-30T00:00:00.025+01:00

Bird Dies, est le deuxième enregistrement du trio The Ames Room – composé de Jean-Luc Guionnet (saxophone alto), Clayton Thomas (contrebasse) et Will Guthrie (batterie) –, un enregistrement dans la droite lignée du LP In publié en 2010 par l’excellent label polonais Monotype records et également mis en boite en concert. La précision est d’importance car The Ames Room pratique un free jazz incandescent et salutaire, ça on aurait pu s’en douter rien qu’à l’évocation des noms des musiciens formant le groupe, une musique formidablement instinctive, puissante et enivrante. Une musique de scène, faut-il encore le préciser, magie de l’instant présent, d’une alchimie particulière et terrassante, puissance de feu et monstre de beauté.

In arrivait particulièrement bien à capter l’intensité de deux concerts différents – un par face : un concert donné à Niort et l’autre à Poznan – mais n’en présentait qu’une vingtaine de minutes à chaque fois. Avec Bird Dies on peut espérer pouvoir entendre presque l’intégralité d’une prestation donnée en mars 2010 à Lille, soit 45 minutes d’un free jazz qui ne manque ni de souffle ni d’idées. Entendre les trois musiciens batailler aussi fermement, durement et sans faiblir pendant aussi longtemps est une expérience à la limite de l’incroyable et de l’inouï : The Ames Room fait évidemment très directement penser au free jazz libertaire des années 60 et 70 (de Peter Brötzmann à Evan Parker, par exemple) tout en retrouvant l’absence de compromis et l’exigence originelle de celui-ci – les trois musiciens jouent tout le temps, ensemble et sans s’arrêter, repoussant sans cesse les limites du paroxysme et en particulier se retrouvent entrainés toujours plus loin par cet incroyable batteur qu’est Will Guthrie*. Cela a l’air de rien alors que toute la beauté de la musique de The Ames Room est précisément là, dans ce furieux main dans la main à trois, cette fusion organique des instruments et la folie impétueuse qui en ressort. Ici pas de solo d’un musicien pendant que les deux autres se taisent. Jamais.

N’allez pas croire que les trois instrumentistes de The Ames Room n’ont alors qu’un seul but, celui de jouer simultanément n’importe quoi et le plus fort possible : au contraire chacun rivalise de finesse dans son jeu, de détails subtils et les trois musiciens de se répondre ainsi, isolés ensemble dans l’œil du cyclone qu’ils ont eux-mêmes généré, sollicitations multidimensionnelles mais jamais à l’aveugle, une fusion démentielle. Bird Dies est aussi l’occasion de découvrir un merveilleux contrebassiste, l’australien Clayton Thomas.

Il est vraiment rare de ressentir autant d’intensité à l’écoute d’un enregistrement en concert mais c’est pourtant bien le cas de Bird Dies. On n’ose à peine imaginer ce que cela peut donner lorsque on assiste soi-même à un concert de The Ames Room… une expérience que chacun pourra tenter très bientôt puisque justement The Ames Room donnera une petite série de dates avec en particulier pour les lyonnais celle du 2 février au Périscope.

* une nouvelle concernant Will Guthrie : le label nantais Les Pourricords associé à Gaffer records s’apprêtent à publier un enregistrement solo de ce génie et poète des rythmes

Keiki - Bee And Flower / split

2012-01-29T00:05:00.004+01:00

Encore un split publié par Cheap Satanism records. Celui-ci est sorti un peu avant celui réunissant Joy As A Toy et Germanotta Youth et que l’on a déjà évoqué ici… C’est précisément et paradoxalement la déconvenue (un seul bon titre sur cinq) rencontrée avec ce dernier qui a poussé le Service Barbecue A Toutes Heures Et Nécrophagie Participative de 666rpm à s’intéresser à son prédécesseur. Et je vais en profiter pour ouvrir une parenthèse pour vous expliquer comment fonctionne les choses ici – après tout, vous avez le temps parce qu’aujourd’hui c’est dimanche et que le dimanche on s’emmerde – et surtout vous expliquer comment sont classés les disques promo en attente de chronique : il n’y a aucune logique ni aucune méthode. Après réception, les disques sont empilés dans un coin sans être écoutés et une fois qu’ils ont un peu trop pris la poussière, s’offrent à eux deux possibilités : un aller pur et simple et sans appel pour la poubelle ou alors une toute petite écoute histoire de savoir de quoi il en retourne exactement avant de gagner un aller pur et simple et sans appel pour la poubelle. Il n’y a pas à tortiller.

Keiki demarre la face A de ce 10 pouces – j’adore écrire ce genre de phrase alors que je n’ai reçu qu’un CDr promo (c’est bien normal et naturel vu ce que j’en fais) – et d’entrée je me tétanise : Pete Simonelli d’Enablers est invité sur Full Body Wolf. Mon problème avec Enablers et Pete Simonelli a peut être commencé avant Blown Realms And Stalled Explosions mais il ne s’est certainement pas arrangé depuis. Selon quelques connaissances et amis proches je suis atteint de Simonellite, une infection assez grave qui se déclare en opposition chez les gens de très bon goût et déjà atteints de Oxbose. Les deux virus sont totalement incompatibles et, fort heureusement, lorsqu’on est comme moi atteint à un stade avancé d’Oxbose, la Simonellite finit par capituler et se ratatiner au fin fond de votre moelle osseuse comme un étron oublié gisant au fond de la cuvette des toilettes. Donc on titre la chasse et on oublie directement ce Full Body Wolf malgré la présence d’un beau thérémine. Sur A Woman’s Love les deux Keiki sont enfin tout seuls – Keiki c’est une fille qui « chante » et un garçon qui fait le plus gros du travail, c'est-à-dire tout le reste – et cette pop acérée a tout pour plaire : élégance bricolée et minimalisme de la composition. Plus que tout la voix – je répète que c’est donc une fille qui chante/parle et on sait bien que c’est ça le plus important – a ce petit grain qui séduit sans que l’on sache exactement pourquoi. Ah si je sais pourquoi : on croit à toute son histoire même sans essayer de comprendre les paroles.

Sur la face B Bee And Flower propose également deux titres. Deux titres qui touchent autant si ce n’est plus que le A Woman’s Love de Keiki mais d’une manière toute différente. Ce groupe partagé entre New-York et Berlin et mené par une chanteuse de caractère est d’un classicisme absolu – un scribouillard de Rock & Folk parlerait de « classic rock », un pisse-copie des Inrockuptibles évoquerait un certain « adult rock » mais on s’en fout – et on chavire voluptueusement à l’écoute de ces chansons très Bad Seeds fin de règne (Jackson) ou Shannon Wright ou je ne sais quelle folkeuse de variétoche en mode fin de programme de soirée sur Arte (You’re Not The Sun). Parfait pour perdre son temps, un après-midi d’hiver ensoleillé, à faire des ronds avec le doigt sur les vitres embuées de la cuisine.

Robert Lippok / Redsuperstructure

2012-01-28T00:05:00.003+01:00

Pour faire vraiment très simple et pour situer un peu Robert Lippok, on pourrait dire qu’il est le frère de Ronald (qui chante et joue dans Tarwater) et qu’on les retrouve tous les deux au sein de To Rococo Rot, célèbre trio berlinois issu du renouveau simili kraut allemand des années 90. Tous supports confondus, Redsuperstructure est le quatrième disque que Rober Lippok publie uniquement sous son propre nom. Une publication sur le label Raster-Noton, ce qui constitue en quelque sorte des retrouvailles puisque Robert Lippok y avait fait paraitre en 2001 un magnifique Open Close Open, un disque encore dans toutes les mémoires des amateurs de musique électronique et ambient.

Il n’en demeure pas moins que Redsuperstructure tranche quelque peu avec l’austérité du catalogue du label tenu par Carsten Nicolai/Alva Noto. On aura même pu remarquer cette pochette presque aussi bariolée qu’un drapeau jamaïcain. Heureusement qu’un découpage séquentiel à base de losanges est là pour nous rappeler que l’on est bien sur les territoires des musiques électroniques répétitives, abruptes et algorythmées. Ce qui n’est pas forcément le cas de Redsuperstructure, disque principalement axé sur les recherches sonores et d’ambiances et non sur les superpositions/collisions qui aboutissent à un côté robotique et matriciel. Pourtant des rythmes il y en a ici (à partir du deuxième titre Inphase et sur un bon tiers des titres de l’album) mais ils génèrent presque une certaine douceur, en tous les cas une nonchalance, qui donne un côté aéré à l’ensemble. Et l’ensemble ce sont une multitude de sons agencés de manière dynamique mais jamais implacable, des sons qui pétillent, grésillent chaleureusement, pixellisent, dérapent et dissonent parfois (Sugarcubes).

Redsuperstructure est donc placé sous le signe d’une certaine musicalité – on retrouve au quatrième sous-sol quelques aspects de la musique de To Rococo Rot mais fort heureusement on évite presque toute forme de kitsch chère au trio (malgré un Nycycle bien peu glorieux et en deçà de tout le reste) –, une musicalité dont le point culminant est un titre comme Whitesuperstructure, mélange de rythmiques fières et de bulles magnétiques des plus charmantes. « Charmant » c’est même le terme qui revient le plus souvent en tête à l’écoute de l’ensemble de Redsuperstructure… Or il convient d’aller creuser un peu plus loin pour apprécier ce disque à sa juste valeur : la musique de Robert Lippok échappe aisément à la vacuité onaniste dont nombre de musiques électroniques se sont fait une spécialité. La preuve en est ce Daylightastronomy final de presque un quart d’heure et qui justifie presque à lui tout seul que l’on s’intéresse à Redsuperstructure – une sorte de symphonette electro ambient avec flash de retours d’acide sous obédience glitch et roucoulades en apnée. Idéal pour se réveiller mais pas trop et encore mieux pour se rendormir à moitié, bien à l’abri des intempéries.

Lettre à Gérard Collomb et Georges Képénékian en soutien à Grrrnd Zero

2012-01-27T00:01:00.012+01:00

Ci-dessous la lettre que le comité rédactionnel de 666rpm a rédigé en collaboration avec le service Propagande & Manigance, une lettre adressée par voie de mail au Maire de Lyon Gérard Collomb ainsi qu’à l’élu municipal chargé de la culture, Georges Képénékian.

Pour info et/ou pour mémoire, toutes les explications données par Grrrnd Zero au sujet de cette opération de soutien vitale et nécessaire sont ici.

A l’attention de Gérard Collomb, maire de la ville de Lyon et de Georges Képénékian, adjoint à la culture.

Messieurs,

Le collectif Grrrnd Zero tire la sonnette d’alarme et lance un vaste appel à soutien – la raison ? le collectif est menacé d’expulsion des locaux qu’il occupe dans le 7^ème arrondissement de Lyon (quartier de Gerland) et qui lui permettaient jusqu’à présent d’accueillir des musiciens, des groupes et tant d’autres associations.

Il va sans dire que cette situation est aussi catastrophique que consternante. Après avoir du amèrement renoncer à l’utilisation du Rail Théâtre dans le 9^ème arrondissement de Lyon suite à de nouvelles normes acoustiques totalement incompatibles avec l’activité de concerts amplifiés (95 dB en crête c’est seulement le volume sonore que dégage un public raisonnablement enthousiaste après la prestation d’un groupe lambda de « rock » ou de chanson), l’existence de Grrrnd Zero est encore plus directement remise en cause par cette nouvelle menace d’expulsion.

Simple amateur de musique(s), je tenais à vous rappeler que ce collectif est un acteur essentiel et incontournable de la vie culturelle lyonnaise, œuvrant au sein des musiques underground, en marge, décalées, expérimentales – appelez-les comme vous le voulez – et un relai salutaire entre une création artistique forte et innovante qui ne demande qu’à se développer et un public nombreux, soyez-en sûrs, et concerné par de telles pratiques musicales. Pratiques qui se démarquent également très clairement de l’hyper consumérisme culturel ambiant et de la frilosité créatrice qui en découle et qui fort malheureusement sont devenus la norme actuelle, symptomatiques des tentatives de nivellement par le bas de nos aspirations et compagnons de route de l’hygiénisme et de l’aseptisation rétrograde de nos cadres de vie urbains.

Une fois de plus la Ville de Lyon – qui avait pourtant fut un temps prétendu au titre de Capitale Européenne de la Culture – se distingue en laissant tomber des acteurs musicaux et culturels qui représentent non seulement la pointe de l’innovation mais aussi le futur probable de la musique. Renseignez-vous donc un peu : Grrrnd Zero est également connu et reconnu de partout en France et même largement au delà des frontières pour avoir accueilli des musiciens essentiels, appréciés, récompensés, honorés et d’autres qui le deviendront peut être aussi un jour.

Expulser Grrrnd Zero c’est priver toute une scène hyperactive, bouillonnante, innovante et aventureuse d’un outil de travail et de création vitale pour elle. Car en matière de création culturelle en général et de musique en particulier, il ne suffit pas d’honorer le passé via un Opéra, un Auditorium ou des festivals organisés à grands frais au milieu de ruines gallo-romaines, il faut également soutenir l’avenir et une partie de cet avenir est assurément représenté par le collectif Grrrnd Zero.

C’est pourquoi j’apporte tout mon soutien à Grrrnd Zero et aux personnes passionnées qui gèrent le lieu. Avec elles je réclame la pérennisation ou un relogement de Grrrnd Zero – exigence qui ne me parait absolument pas insurmontable pour une ville de grande taille telle que Lyon et dont les points essentiels sont les suivants :

- un bâtiment adapté à la création musicale et à sa diffusion auprès de toutes et de tous

- un bâtiment permettant l’accueil temporaire ou permanent des nombreuses associations jusqu’ici hébergées par Grrrnd Zero avec la possibilité – pourquoi pas – d’en accueillir de nouvelles.

- un bâtiment entièrement dédié à Grrrnd Zero et non pas un relogement au rabais au milieu d’autres activités peut être incompatibles avec celle de Grrrnd Zero – vous n’êtes pas sans savoir que ce ne sont pas les friches industrielles qui manquent en ce moment

- un bâtiment qui doit être un lieu unique, regroupant absolument toutes les activités du collectif et représentatif de sa diversité et de son intense bouillonnement

- un bâtiment qui soit la reconnaissance de Grrrnd Zero en tant qu’acteur essentiel, innovant et créatif de la vie culturelle locale

Gilles Poizat / Micro-Vertige Et L'Expérience Du Flottement

2012-01-26T00:06:00.005+01:00

Carton records étonne à nouveau avec la publication du premier album de Gilles Poizat, Micro-Vertige Et L’Expérience Du Flottement. Quel titre, hein ? Et si je vous précise qu’en plus Gilles Poizat chante accompagné de sa seule guitare ou presque une sorte de folk psychédélique et bancal, je suis sûr que la plupart d’entre vous finirez par fuir en courant. Donc je ne vous dis rien du tout. Mais honnêtement je n’en pense pas moins. Et à l’intention de toutes celles et de tous ceux qui ont décidé au contraire de rester collé(e)s à cette chronique pour au maximum une minute supplémentaire, je ne peux que vous féliciter et vous dire que vous faîtes très bien : Gilles Poizat et Micro-Vertige Et L’Expérience Du Flottement sont une magnifique découverte.

Mais faisons rapidement les présentations. Le garçon dont on vous parle ici a testé maintes expériences musicales en groupe et possède également une solide expérience en matière d’apprentissage classique de la musique, option trompette (instrument que l’on retrouve de rares fois mais toujours à propos le long de Micro-Vertige Et L’Expérience Du Flottement). Et puis un jour il a eu envie de composer et de chanter tout seul, hop-la. Cela a l’air très facile, expliqué comme ça. Et ça l’est tout autant à l’écoute d’un disque qui dès les premiers instants se révèle lumineux, d’une beauté simple mais vertigineuse, d’une émotion instinctive. Le charme est total, immédiat et durable.

Des chansons c’est donc uniquement ce que propose Micro-Vertige Et L’Expérience Du Flottement, il y en a onze en tout, mais des chansons de cette qualité et de ce genre de vérité là, on n’en rencontre pas tous les jours. Et même pas à chaque équinoxe de Printemps. Et peut être pas plus d’une petite poignée de fois dans sa vie d’amoureux de la musique. Carrément. Des chansons expérimentales mais expressives qui résonnent dans leur entier, vibrantes malgré l’économie des moyens employés (c’est donc qu’ils le sont avec une justesse appropriée) et intimement touchantes. Des textes – en anglais et en français – à en chialer, une façon de chanter entre traverses bancales, fragilité assumée, lyrisme pop et, enfin, des tournures mélodiques ainsi qu’une étrangeté familière à s’en retrouver tout habillé de chair de poulet pour un bon moment. On peut penser à beaucoup de choses et à de grands noms à l’écoute de la musique de Gilles Poizat – Syd Barrett, Robert Wyatt mais aussi David Grubbs – mais on découvre vraiment et surtout un musicien, un chanteur, un compositeur, un auteur…

Voisins lyonnais, apprenez également que Gilles Poizat est en concert au Périscope le jeudi 26 janvier (ce soir, donc) puisque assurant la première partie de Vialka.

En outre Carton records a simultanément publié le premier EP de Jeanne Added et annonce les sorties des prochains disques de OK, Lunnatic Toys et IRèNe – on attend tout ça avec une impatience certaine.

Oxes / Bile Stbudy

2012-01-25T00:01:00.000+01:00

Ceci n’est pas un nouvel album d’Oxes*. Mais un simple12’ comprenant trois titres. C’est tout ? Plus de six années après un EPqui lui-même avait tant tardé après les deux albums du groupe – un sans-titre**en 2000 puis Oxxxes en 2002 ?Oui, c’est tout. Trois titres dont deux que l’on connait déjà… Ouch ! Maison y va quand-même, habitués, un rien intrigués, tout en étant persuadés queOxes est un groupe de clowns et de géniaux guignols avec trois types qui ontbien bossé il y a plus de dix ans pour mettre en place une musique, une sortede scénographie et donc une image dont Oxes peut être fier mais dont le groupeest également prisonnier.

Qu’importerait donc les disques qu’Oxes peut bienenregistrer du moment que le groupe est toujours aussi débile en concert. Et ilpeut encore l’être, comme il l’a montré lors de sa tournée européenne de 2011.Quoi qu’à cette occasion on a pu avoir du mal à digérer la pilule d’une rediteprévisible et un rien paresseuse. Les blagues les plus courtes sont lesmeilleures ? Le doute s’installe… Pour le trio aussi l’immuable règle d’ordes vieux cons revenus de tout semble fonctionner ainsi : Oxes c’étaitmieux avant.

Donc ce disque, intitulé Bile Stbudy. Deux titres sur la face A (Crunchy Zest et Bile Stbudy) et un seul sur la face B (Orange Jewelryist). La présence dupremier et du troisième rend obsolètes les deux 12’ publiés par Africantape auprintemps 2011, deux maxis 45 tours total 80’s et qui présentaient chacun deces titres accompagnés de remix oscillant entre l’insignifiant et l’inutile.Sans ces embarrassants compléments technoïdes bas du front, réécouterl’excellent Crunchy Zest et le nettementmoins bon Orange Jewelryist est unvéritable plaisir car on y retrouve tout ce que l’on aime chez Oxes : cesduels de guitares, les riffs qui ne laissent aucune chance, ces pseudos solosde branleur et même sans l’image on en rigole… On en rigole comme des cons, commelorsqu’on regarde pour la 666^ème fois la même séquence d’un deses films préférés se moquant de l’obscurantisme religieux. Bile Stbudy, le seul réel inédit destrois, vous fera le même effet, pilepoil qualitativement parlant entre Crunchy Zest et Orange Jewelryist. Rien de nouveau mais rien d’inutile non plus,comme si Oxes nous permettait de relever les compteurs et nous donnait déjàrendez-vous pour dans six ans – mais serons-nous encore là ?

L’illustration de la pochette ci-dessus est celle dela deuxième version du disque, publiée début décembre 2011. Le premier tirageétait limité à 100 exemplaires avec une sérigraphie. Le second tirageest moins joli et est accompagné d’un coupon mp3.

* oui c’est un profil Facebook… Oxes a égalementun compte twitter, on n’arrête pas leprogrès

** avis aux amateurs d’Oxes : alors quecertains y avaient pensé très fort, la réédition du premier album d’Oxes ne sefera sans doute jamais car le type qui s’occupait de Monitor records a perdules bandes master – on vous fera signe s’il les retrouve un jour

Report : John Makay et Papaye au Sonic - 20/01/2012

2012-01-24T00:05:00.015+01:00

C’est l’hiver, il fait froid, il pleut – faire du vélo par ce temps nécessite forcément un poncho de pluie, le top du top de la sexytude urbaine – mais le Sonic est toujours là et bien là : malgré des commentaires alarmistes tenus ici même à propos de l’avenir de la salle, on peut aujourd’hui affirmer que les pouvoirs publics ont depuis fait machine arrière, le Sonic n’a pour l’instant plus de tracasseries administratives sur le dos. Jusqu’à la prochaine fois. C’est important de le souligner car par ailleurs les choses vont très mal à Lyon – on pense très fort à Grrrnd Zero et à l’appel à soutien que le collectif lyonnais a lancé cette semaine…

Que les structures dédiées aux musiques et créations underground soient à ce point là mis à mal dans une grande ville telle que Lyon, une ville qui en même temps se targue d’être « une capitale européenne de la culture », est malheureusement symptomatique d’un appauvrissement généralisé de la pensée et de la volonté des élus et des décideurs politiques qui ne raisonnent qu’en termes de « grands évènements » (fête des lumières, festival tape-à-l’œil et hors de prix au milieu de ruines gallo-romaines, etc.) et d’infrastructures redondantes (même quand on aime les musiques classique, baroque ou l’art lyrique on peut se demander pourquoi il y a deux orchestres nationaux à Lyon).

La soirée organisé le vendredi 20 janvier au Sonic par l’excellent structure Active Disorder* est la preuve – s’il fallait encore en apporter une – que les musiques « différentes » et « exigeantes » ont pourtant leur place à Lyon : malgré la pluie le public a répondu présent et a pu (re)voir deux excellents groupes, John Makay (d’Amiens) et Papaye (de nulle part). Puis le concert s’est transformé en soirée grâce aux Too Girly DJs et à Mademoiselle Nicole. S’amuser intelligemment sans se vautrer dans la consommation bête et méchante ni la beaufitude lobotomisante est toujours une possibilité et un rempart contre la culture institutionnalisée et normative.

Premier groupe de la soirée : John Makay. Ils sont jeunes, ils sont beaux (malgré leurs origines picardes) et ils jouent du math rock. Mais John Makay est un cas à part parmi les groupes pratiquant le dialogue trigonométrique entre un guitariste et un batteur… rien à signaler du côté de ce dernier bien qu’il soit très impressionnant derrière sa batterie ; par contre le guitariste joue quasiment intégralement toutes ses parties en taping, avec pleins de doigts qui courent le long du manche et de ses six cordes. De la prouesse technique en veux-tu en voilà mais pas trop d’esbroufe : la musique de John Makay reste étonnamment vivante et fraîche et le fait que le guitariste n’ait que peu voire pas du tout eu recours au subterfuge de la loop station donne un côté très organique, absent de chez la plupart de groupe de math rock.

Si j’ai l’air de m’enthousiasmer comme ça c’est aussi parce que c’était la première fois que je voyais John Mackay en concert. Pourtant, avant de commencer à jouer, le batteur avait bien précisé que « c’était la troisième première fois » que le duo jouait à Lyon – j’avais donc raté les deux fois précédentes mais l’album Mon Amour Mi Amor, lui, avait longtemps ravi mes petites oreilles fragiles et délicates.
Tant que John Makay a joué des titres de cet album, tout s’est bien passé. Mais il n’avait pas échappé à l’attention des plus perspicaces qu’un synthétiseur était installé sur le côté de la scène. Celui-ci a servi sur les nouveaux titres que le groupe a joués ce soir, des titres malheureusement nettement moins convaincants que les plus anciens. Quelques tentatives d’explication : les synthétiseurs ça m’emmerde souvent terriblement et si de nos jours tout le monde essaie d’en foutre de partout, personne arrive réellement à ce que cela sonne correctement ; avec ce nouvel instrument John Makay perd un peu trop de sa spontanéité et de son énergie ; je déteste le changement ; je déteste la musique de filles. Qu’à cela ne tienne, peut-être les hésitations ressenties alors que le guitariste manipulait son nouvel instrument ne sont dues qu’à la nouveauté de la chose, peut-être le groupe fera-t-il machine arrière, peut-être que je m’y ferai un jour, à ces foutus synthétiseurs… (c’est pas sûr non plus).

Deuxième groupe de la soirée : Papaye. Beaucoup moins beaux que les deux John Makay – à l’exception du guitariste de gauche – les trois Papaye sont ce qui se fait de mieux en ce moment en matière de rock instrumental. La Chaleur, très court album du trio publié il y a tout juste une année chez Africantape débordait de promesses, promesses entrevues lors de la prestation du groupe pendant la première édition du festival Africantape**.

Pour cette deuxième fois avec Papaye il y a eu deux choses marquantes. Premièrement le guitariste de droite (celui qui porte des lunettes, joue avec les excellents Room 204 et s’occupe du label Kythibong) m’a semblé bien plus à l’aise, rééquilibrant le jeu entre les deux guitares et donnant un surcroit de saine énergie à la prestation de Papaye. Deuxièmement, le batteur – dont on avait apprécié le côté plus en retenue à l’Africantape, par contraste avec les torrents rythmiques dont il est coutumier lorsqu’il joue avec Pneu – a lui aussi libéré son jeu, a donné justement plus dans le Pneu et les dérapages sur deux roues. Je n’avais jamais réellement bien saisi les quelques allusions à Gorge Trio que certains exégètes éclairés et bienveillants avaient formulées au sujet de Papaye mais avec une prestation telle que celle que le groupe a donné en ce vendredi au Sonic, la parenté m’a semblé bien plus évidente.

Papaye a donc déployé une sacrée énergie et une belle flamboyance. Mais le groupe a aussi eu un peu de mal à réchauffer un public désespérément lyonnais, un public qui s’était pourtant montré bien plus prompt à manifester son enthousiasme lors du set de John Makay (il faut dire aussi que le duo n’avait pas arrêté de raconter des blagues détestables) mais un public qui finalement a daigné faire part de son contentement, allant jusqu’à réclamer un titre en rappel – rappel que Papaye n’a pas assuré, puisque le groupe a encore un répertoire succinct et qu’il n’avait pas envie de rejouer un titre… les gens fallait vous bouger quand c’était le moment.

Après les sets de John Makay et Papaye il y a donc eu une soirée, laquelle s’est généreusement éternisée jusqu’à 3 heures du matin. Au programme de la musique pour danser et tandis que certains ont préféré s’éclipser, d’autres ont sagement disserté musique et autres sujets tout aussi essentiels tandis que le jeune Khoury, nextcluser aviné, faisait péter le dance-floor ou que le préretraité Maquillage & Crustacés finissait tous les fonds de bouteilles. Une belle soirée.

* Active Disorder a d’ores et déjà annoncé son prochain concert : ce sera One Lick Less le 17 février, en coprod avec les Bigoût Boyz

** des bruits de couloirs incessants et insistants portent à croire que l’édition 2012 de ce festival est sur les rails et devrait bientôt être annoncée à la terre entière…

Report : Cult Of Occult et Carne à Buffet Froid - 19/01/2012

2012-01-23T00:00:00.021+01:00

Trêve hivernale, fêtes de fin d’année, crise financière, embouteillages sur le périphérique, accidents de voitures, fin du monde imminente, gastro-entérites et problèmes domestiques en tous genres – fallait pas fonder une famille ni avoir d’enfants – et voilà le résultat : le dernier concert auquel j’ai pu assister remonte déjà au 7 décembre… soit six semaines complètes et totales d’abstinence, de manque insupportable et d’attente fiévreuse avant de pouvoir retourner m’enfermer dans une cave humide et froide et en prendre plein la tête.

Mais presque miraculeusement (si je puis m’exprimer ainsi) le premier concert vraiment intéressant de ce mois de janvier fut celui réunissant Cult Of Occult et Carne à Buffet Froid. J’en ai frémi d’avance rien qu’en l’apprenant et surtout en écoutant les quatre titres que les Cult Of Occult ont eu la bonne idée de mettre en ligne sur internet et qui constitueront très bientôt – pour le mois de février si tout va bien – la première sortie officielle du groupe et qui plus est sur Throne records, s’il vous plait.

Et vu le nombre de personnes qui attendent devant devant Buffet Froid, je réalise que je ne dois pas être le seul à être sérieusement en manque de gros son qui fait mal. Je réalise aussi que les Cult Of Occult ont vraiment beaucoup d’amis venus les soutenir et que la cave va être bien remplie ce soir. Tant mieux. C’est après tout aujourd’hui le premier concert de ces jeunes gens et ils ont à juste titre l’air de susciter pas mal d’attentes, lesquelles ne seront pas déçues, loin de là. La cave est plongée dans la pénombre, on n’y voit vraiment pas grand-chose et quatre ombres encagoulées s’approchent enfin des instruments.

Le line-up du groupe est on ne peut plus basique (chant hurlé, guitare, basse et batterie) et le mur du fond de la cave est tapissé d’une rangée impressionnante d’amplis. Pourtant le son du groupe sera un rien différent de celui du futur disque – qui bloque lui quasiment systématiquement dans le rouge et ce à tous les niveaux, jusqu’à en être sursaturé de grésillements inhumains – pour tout concentrer sur une puissance sonore réellement démoniaque, inhumaine elle aussi. Les gorges se serrent, les estomacs se nouent, les intestins gargouillent violemment et certains dans le public ont cru risquer la descente d’organes tellement Cult Of Occult a joué avec une violence à faire trembler la voute et le sol de la cave de Buffet Froid.

On reconnait les compositions du EP – les titres I Hate You et Cult Of Occult sont définitivement du pur evil – mais (donc) on les trouve plus axés doom incandescent à combustion lente que sludge vibratoire plongé dans un bain d’acide nitrique. Un bon concert quoi qu’il en soit, qui a bien provoqué les effets escomptés – il fallait malgré tout être plutôt devant pour tout entendre et admirer du jeu de ce batteur impitoyable – et c’était également assez drôle de voir le bassiste lâcher son instrument de temps à autre pour siffler une bière, aller faire un tour puis revenir et se remettre à jouer.

Je pensais que Cult Of Occult allait jouer en second et Carne en premier mais il n’en fut rien. Le duo a lui-même prévenu avant de commencer et alors qu’il mettait du temps à régler quelques petits problèmes techniques : « on n’a pas du tout le même son que Cult Of Occult, vous allez être déçus ». Bonne ambiance et décapsulage de bières à coup de dents.

Malgré la difficulté (relative) de jouer en second, malgré la corde de guitare cassée après le deuxième titre, malgré la voix que l’on n’entendait pas toujours très bien et malgré l’ampli basse qui a lâché en fin de concert, les deux Carne ont délivré un bon set… J’étais vraiment content de les revoir enfin : j’ai toujours trouvé le moyen de rater le groupe à chaque fois ou presque qu’il a joué en 2011. Pourtant il se fait bien trop rare à mon goût et si j’ai bien compris cela ne va pas s’arranger question fréquence des concerts.
Alors content oui et surtout surpris de l’intensité accrue que Carne maitrise désormais, un vrai mélange de lourdeur et d’agressivité. Carne ose quelque chose que peu de groupes tentent réellement : jouer mid-tempo sur la longueur et pratiquer un travail de sape bien en soubassement sans ralentir et passer pour des doomsters de plus ni accélérer façon hardcoreux du dimanche. Réussir à allier à la fois le côté puissant et le côté lancinant de sa musique à ce rythme là, étrangement entre deux eaux et tenu constamment, c’est quelque chose.

Etat Des Lieux - un film de Yann Debailleux

2012-01-22T00:03:00.035+01:00

C’est dimanche et on s’emmerde. Alors on reste aulit et on regarde Etat Des Lieux, undocumentaire signée Yann Debailleux et se proposant de présenter les groupes etla « scène » indépendante qui sévit du côté de la France en cemoment. En ce moment ? Etat DesLieux se veut être un relevé des compteurs effectué à un instant donné(approximativement les prises de vue et interviews ont été effectuées en 2010)au sujet d’une situation précise, celle des groupes et musiciens qui s’activentdans le Do It Yourself – « démerde-toi tout seul avec tes potes ».

Des groupes et une situation que l’on connait unpeu par ici, on vous en parle assez souvent et au générique d’Etat Des Lieux on retrouve quelquesgroupes chouchous tels que Pord, Marvin, Papier Tigre, Le Singe Blanc,Chevreuil, Binaire, Pneu (etc.) et quelques organisateurs de concert commed’éminents représentants de Grrrnd Zeroet la coordinatrice/programmatrice du Clacson à Oullins. Cette dernière,travaillant au sein d’une structure « institutionnalisée » etrecourant – mais pas uniquement – à des subventions, explique à juste titre qu'une partie deson boulot c’est de ne pas programmer que des groupes établis et de faire jouerégalement des groupes ne bénéficiant d’aucune promotion, dont les disques nesont pas distribués en magasin et qui n’ont pas forcément un tourneur qui leurmonte clefs en main une tournée des S.M.A.C. de France et de Navarre ;elle précise que ces « petits » groupes font souvent aussi bien voiremieux que les groupes établis en matière de taux de remplissage de salles.

On parlait de « scène » un peu plus hautmais le terme est terriblement inapproprié. Il n’y a aucune unité de style et d’unitégéographique entre tous les groupes qui apparaissent dans Etat Des Lieux. Seul constante : le mode de fonctionnementc'est-à-dire le « on fait tout nous-mêmes ou presque et on est là pourjouer de la musique, pour donner des concerts devant des gens, faire desrencontres, voyager et rigoler ». Au risque d’enfoncer des portes ouvertes pourqui connait même de loin le sujet, EtatDes Lieux rappelle que l’essentiel c’est de ne pas perdre d’argent sur unetournée (lorsqu’on en gagne un peu c’est du bonus) et que les disques,« prétextes pour repartir sur les routes », sont financés par des« vrais » jobs pas toujours rigolo – mais qui a dit que travaillerétait drôle ? L’important c’est la diffusion de la musique et c’est aussipour cette raison que nombre de ces groupes mettent carrément en ligne leursenregistrements ou ne s’opposent pas au téléchargement – rendant absurde lalutte « anti-piratage » des majors, des gouvernants et d’Hadopi.

Le statut d’intermittent du spectacle ?Certains y pensent très fort et lorgnent dessus mais tous estiment que c’estsoit trop difficile soit impossible. Et ceux qui sont intermittents ne le sontpas grâce à leur groupe – je connais sur Lyon plusieurs musiciens(n’apparaissant pas dans Etat Des Lieux)qui sont intermittents parce qu’ils sont techniciens sur des gros concerts/spectaclesou parce qu’ils composent de la musique pour des compagnies de théâtre ou dedanse.

La phrase qui résume le mieux Etat Des Lieux est prononcée par les Binaire qui expliquent que« vivre de ta musique, tu oublies ». Tout de suite aprèsvient celle des Pneu qui parlent de « passion de la musique ». Plusqu’un simple constat, Etat Des Lieuxpeut ainsi apparaitre comme une profession de foi ou un manifeste. On reconnaitque le D.I.Y. est pour certains un choix logique et militant et que pourd’autres il s’agit de la seule alternative – donc l’alternative par défaut etconsentie – lorsqu’on veut faire de la musique en toute indépendance.

A l’image de son sujet, Etat Des Lieux bénéficie d’une réalisation D.I.Y. Le rendu généraldu film est plutôt lo-fi, plein de granulations et de noir et blanc sale alorsque les nombreux extraits de concerts font honneur aux groupes filmés. YannDebailleux qui a réalisé Etat Des Lieuxest lui-même guitariste au sein de NoShangsa. Dans les bonus on trouve un clip assez drôle de son groupeainsi qu’un court métrage nécrophile qu’il a coréalisé en 2006.

Etat DesLieux a été publié par LesDisques De Plomb, label que l’on suit de près et qui jusqu’ici nous avaithabitués à de très belles et très bonnes parutions de disques vinyle. DVD ouLP qu’importe, continuez comme ça les gars.

Joy As A Toy - Germanotta Youth / split

2012-01-21T00:03:00.010+01:00

J’adore m’esclaffer de rire, j’adore les bonnesblagues bien grasses, l’humour pompier des casernes du même nom, l’odeur despieds qui puent et des pets intempestifs, les blagues sexistes, les histoiresbelges, l’humour pipi-caca et j’aime même l’humour marseillais car oui je suisun vrai boute-en-train et… non, non, non. NON. En fait je suis aussi dépressifque rébarbatif et dès qu’un disque commence par une grosse blague, je le jettedirectement à la poubelle. Un peu de sérieux, quoi. Merde.

Sur ce split publié par Cheap Satanism recordsc’est JoyAs A Toy qui ouvre les hostilités. La première blague du groupe c’est sonnom mais je peux pardonner à ces trois jeunes gens car moi aussi je pratique lamasturbation. La deuxième blague c’est ProfondoRosso, une reprise de la musique du film du mêmenom réalisé au siècle dernier par Dario Argento (et au passage l’un de sesmeilleurs). Une musique signée Goblin – qui en a signé tant d’autres pourArgento – et que je n’ai jamais pu encadrer, malgré tout l’amour que je porte àce film du réalisateur italien. Et ce n’est pas la présence de PierreVervloesem (ex X-Legged Sally) qui va me faire changer d’avis. Ce qui me feraitchanger d’avis ce serait plutôt TheMonster, un titre original cette fois et non une reprise, un morceau où lescouches de synthétiseurs gluants laissent la place à des guitares presque postpunk et à un avant-rock un rien zappaesque c'est-à-dire qui essaie de fairerire le plus sérieusement du monde. Le problème de Zappa c’est qu’il était uneespèce de straight-edge avant l’heure. Je préfère l’alcool et la drogue etsurtout je préfère la musique qui ressemble à du vomi, un vomi consécutif à tropd’absorbation de ces mêmes substances. J’aime rire, je vous l’ai déjà dit.

La troisième blague concernant Joy As A Toy c’estque le groupe est pourtant bien supérieur à celui qui occupe la seconde partiede ce split, à savoir GermanottaYouth. Réglons tout de suite le cas de Massimo Pupillo (bassiste de Zu)puisqu’il fait partie du line-up de ce trio aux côtés d’Andrea Basilli(batterie) et d’un certain Reeks (synthétiseurs, samples et boite à rythmes).Ce n’est pas sa présence qui pourra relever le niveau d’un indus metal progtechnoïde sursaturé de rythmes synthétiques et de nappes de claviers… et dusynthé il y en a beaucoup trop pour que mon petit humour fragile – encore lui –puisse les supporter. Pour rendre la pareille à Joy As A toy, Germanotta Youths’est également fendu d’une reprise, celle du thème d’Halloween, le film de John Carpenter. En théorie une musiquebien supérieure à celle de Goblin (et composée par Carpenter lui-même) mais icirendue insupportable par les traitements sonores avec lesquels Germanotta Youthnous a déjà torturés sur ses propres compositions. Par pitié, arrêter lemassacre.

Ville de caniche(s)

2012-01-20T00:01:00.019+01:00

Suite des aventures de Grrrnd Zero… Je reproduis ici l’intégralité de la dernière newsletter du collectif lyonnais (du mercredi 18 janvier 2012) et vous incite à soutenir celui-ci de mille et une façons, à commencer par écrire une lettre de protestation au maire de la ville de Lyon – tous les tenants et aboutissants, comment et pourquoi et la façon de procéder pour écrire une telle lettre sont détaillés ci-après. Je ne vous souhaite pas une bonne lecture mais espère que ceci saura vous convaincre de l’urgence de la situation :

Nous envahissons vos boites mails car le lieu/collectif lyonnais Grrrnd Zero est sur le point d'être mis à la porte du bâtiment public qu'il occupait depuis 2005, sans perspective de relogement. Dans cette cité morne chaque jour plus soumise aux intérêts d'un urbanisme vitrine, la municipalité a de nouveau besoin qu'on lui sonne les cloches, afin de prendre acte de l'urgence de la situation. Aussi, nous sollicitons votre aide sous la forme d'une lettre de soutien...

Mais d'abord, Grrrnd Zero, c'est quoi ?

Grrrnd Zero est un collectif enthousiaste de gens curieux et désintéressés : pas de chef, que des bénévoles/activistes. Depuis 7 ans, l'ambition de Grrrnd Zero est d'aménager un espace autogéré dédié aux cultures underground / hors-normes / DIY / alternatives, exigeant et accessible.

Grrrnd Zero fédère une trentaine d'associations qui organisent, chaque saison, une centaine de concerts, expos et projections, attirant en moyenne plus de 12000 spectateurs par an.

Nous hébergeons également des locaux de répétition que se partagent plus de 40 groupes, des bureaux, des espaces de résidences, un atelier de sérigraphie, un labo photo, plusieurs labels, des collectifs de vidéastes...

Pour voir la liste complète des concerts organisés ces dernières années, cliquer ici. Pour contempler des vidéos de concerts filmés à Grrrnd Zero, cliquer là. Pour télécharger le dossier-bilan d'activité complet c'est ici.

Depuis notre arrivée dans nos locaux du quartier de Gerland il y a plus de 4 ans, nous avions toujours manifesté notre volonté de mettre le bâtiment aux normes de sécurité, ce a quoi les pouvoirs publics se sont toujours opposés, sans plus amener de solutions. Jusqu'au 20 juillet 2011, où une dédite est posée : nous devions quitter les lieux le 31 Octobre. Après quelques négociations avec la Ville et le Grand Lyon (la communauté de communes depuis peu "propriétaire" de nos murs), la date de départ a été reportée à la fin 2012, mais tout accueil de public nous est désormais interdit.

En attendant de trouver un nouveau lieu, la quasi-totalité de notre programmation a dû être annulée, le reste des concerts s'éclatant "hors les murs". Tout ce que la Ville nous a de son côté proposé, c'est une subvention de 9 000 euros afin de louer des salles de spectacles "classiques" ne répondant pas à nos principes de fonctionnement (tarifs plafonnés au bar, pas de fouille à l'entrée, etc...), et qui ne pourront de toute façon jamais accueillir la totalité de notre programmation.

Nous tenons coûte que coûte à maintenir l'ensemble de nos activités dans un même lieu, parce que c'est sa multiplicité qui fait aussi la force de notre projet, en créant les conditions du partage des espaces, de la rencontre des publics et de la diversité des formes proposées, autant de notions chères à nos politiques mais qui paradoxalement, lorsqu'elles sont incarnées au même endroit, ont tendance à les inquiéter.

Pour continuer à exister le projet Grrrnd Zero a besoin d'un lieu unique.

Dans ces eaux troubles, nous ne savons toujours pas s'il pourra se construire en collaboration avec la Ville ou devra prendre, comme à ses débuts, la forme d'un squat.

En choisissant d'axer essentiellement sa politique culturelle sur la mise en avant de quelques événements ponctuels, la Ville de Lyon tourne le dos à tout un tissu associatif local, qui se tient à distance de la culture marchande, de ses objectifs de rentabilité et de retour d'image, mais qui forme la composante essentielle du dynamisme culturel de la ville au quotidien.

Nous attendons de sa part qu'elle prenne conscience de la nécessité d'un lieu dédié à la myriade d'associations et collectifs qui compose le projet Grrrnd Zero, soit une part importante de la vie culturelle alternative / underground lyonnaise.

Mais elle risque de ne pas y arriver toute seule.

Ok, mais comment aider ?

Nous mettons en place différentes actions, notamment un appel à soutien sous forme de lettre adressée au maire de Lyon et à son adjoint à la culture, Gérard Collomb et Georges Képénékian. Si cela vous motive, nous chanterons vos louanges pour l'éternité.

Voilà la marche à suivre :

La forme de cette lettre est libre, quelques lignes expliquant le besoin d'un nouveau lieu dédié aux cultures alternatives à Lyon suffisent, mais les longues déclarations sont bienvenues. Si vous manquez de temps, n'hésitez pas à réutiliser des éléments de ce message. On peut aussi lire la compilation des lettres déjà envoyées pour vous en inspirer, les reprendre telles quelles en signant de votre nom, ou les détourner, par ici.

Ne pas oublier de préciser qui vous êtes, ce que vous faites, la structure dont vous faites partie....

Envoyez une lettre physique à : Gérard Collomb - Mairie de LYON - 1, place de la Comédie - 69205 Lyon cedex 01.

Ou bien écrivez un mail à gerard.collomb[at]mairie-lyon[point]fr, georges.kepenekian[at]mairie-lyon[point]fr (en incluant Grrrnd Zero quelque part dans le sujet du mail, grrrndzero[at]gmail[point]com).

En plus d'inonder de bon sens le courrier du maire, ces lettres seront également compilées en accompagnement de notre bilan d'activité. Merci donc de nous transmettre une copie de ces mails ou lettres :

grrrndzero[at]gmail[point]com

Collectif Grrrnd Zero // 40 rue du Pré-Gaudry // 69007 LYON

Cult Of Occult / self titled

2012-01-19T00:04:00.014+01:00

Cult OfOccult : un groupe dont je ne sais absolument rien mais alors làvraiment rien du tout si ce n’est l’exquise souffrance et la douleur profondeque m’a apportées l’écoute des quatre titres que le groupe a publiés il y atout juste une année sous la forme d’un monstrueux EP sans titre. Et ces quatretitres sont largement suffisants. Suffisants ? Ah, non : je devraisplutôt dire que dans le genre ils sont carrément essentiels, aussi imparablesque maléfiques, violents et glauques, vicieux et noirs. Quatre titres dont onpense qu’ils remettent les pendules de la confrérie sludge/doom à l’heured’hiver pour un bon petit moment.

Du doom on retrouve ici la longueur des titres (àune exception près toutes les compositions font entre huit et dix minutes), lesrythmes ralentis et pachydermiques, la volonté de tout écraser et les riffsmonolithiques et maniaques qui tournent en boucle jusqu’à épuisement. Du sludgeCult Of Occult a repris ce son ultra crade, grésillant, presque impossible àencaisser, un son qui laisse supposer qu’au moment de l’enregistrement tous lespotards devaient être bloqués dans le rouge, que les oreilles saignaient et queles boites crâniennes bouillonnaient. Un vrai carnage, de la viande éclatée, dela chair puante et corrompue, des os brisés, du sang sur tous les murs, desesprits malfaisants pris d’une folie sans retour, une mort cruelle et lentepour tout le monde et fatalement aucun survivant.

L’oppression et l’ultraviolence musicales sontdeux choses terriblement difficiles à retranscrire sans tomber dans la pause etle grotesque tout comme il y a trèscertainement plus d’une façon de concentrer avec autant de brio haine etsouffrance mais les Cult Of Occult sont bien des champions en la matière et ilsfont preuve d’une cruauté malsaine comme rarement entendue. Une musique aussi vicieusementmaléfique, cela ne se refuse pas.

On en profite aussi pour faire une annonce concertpuisque Cult Of Occult jouera à Lyon ce jeudi 19 janvier dans la cave suintantede Buffet Froid en compagnie de Carne (enfin deretour !). Cult Of Occult annonce également deux dates à Paris pour débutmars : le 1^er aux Combustibles et le 2 à la Cantine deBelleville.

Talk Normal - Thurston Moore / split

2012-01-18T00:06:00.003+01:00

Il y a des évidences voire des vérités absolues quel’on ne devrait pas avoir à préciser mais disons-le quand-même : si ons’est intéressé à ce 7’, si on l’a écouté et si on le chronique maintenant cen’est certainement pas grâce à la présence sur l’une de ses faces de troistitres signés Thurston Moore. On l’aimait bien ce type, on lui est mêmetoujours reconnaissant d’avoir enregistré avec Sonic Youth quelques uns desdisques les plus importants des 80’s américaines – de Confusion Is Sex en 1983 à DaydreamNation en 1988 – mais les problèmes ont commencé lorsque le guitaristenew-yorkais s’est transformé en ce grand échalas à casquette brandissant sacollection de disques et sa bassiste de femme comme preuve irréfutable de sonbon goût, de son savoir-faire et de son autorité sur le petit monde desartistes underground qui dirigent le monde.

La face de ce split single estampillée ThurstonMoore c’est ainsi du remplissage avec trois « titres » heureusementtrès courts et objectivement enregistrés par le monsieur à temps perdu,directement au lever tout en se grattant les couilles ou peut être entre deuxsiestes digestives. Le résultat est tellement consternant que l’on admire labienveillance et le courage de FastWepons qui a publié une telle merde à 500 exemplaires. Mais il faut croireque cela s’est révélé payant : le label annonce que le disque estsold-out. Pourvu que personne n’ait un jour l’idée de se lancer dans uneseconde édition de cette chose abominable – en cette période de crise, inutilede gaspiller le plastic.

Car ce n’est pas avec la face Talk Normal que cela s’arrangevraiment. Les amoureux de l’excellent album Sugarland seront déçus. Ceux quidécouvriront Talk Normal avec l’écoute de ce Dime Gold risquent bien de plus jamais s’intéresser au duo àl’avenir. Le titre en question n’est pas mauvais mais il déçoit avec ses nappesbruitistes vaporeuses, son absence de rythmes et sa voix narrative enregistréeau travers d’un hygiaphone des PTT. Si DimeGold avait été collé sur un LP entre deux brûlots post no wave dont TalkNormal a le secret, on y aurait sûrement vu que du feu. Là, on trouve çaforcément léger par rapport au potentiel du groupe.

Generation Of Vipers / Howl And Filth

2012-01-17T00:08:00.006+01:00

Difficile de trouver beaucoup d’informations surGeneration Of Vipers, si ce n’est celles consistant à dire que ce Howl And Filth est le troisièmeenregistrement* longue durée de ce trio du Tennessee ou que dans le line-up dugroupe on retrouve un membre des affreux U.S. Christmas (Travis Kammeyer, ici àla basse) et un membre des encore plus abominables A Storm Of Light (le batteurB.J. Graves). Quant au guitariste/chanteur Josh ‘Asa’ Holt, il hante également lescouloirs désespérants de U.S. Christmas. Enfin, dernière précision, Howl And Filth a été enregistré par KurtBallou au God City Studios et masterisé par l’omniprésent et hyper spécialiste desgros sons burnées et ventrus Nick Zampiello – deux garanties donc pour un son aussiénorme que conquérant.

Voilà, il n’y a plus qu’à jeter un coup d’œil surl’artwork de la mort qui tue de Howl AndFilth et le décor est pour ainsi dit planté. Generation Of Vipers est un autreexemple de ces nombreux groupes américains qui veulent tout détruire sur leurpassage comme un bon vieux rouleau compresseur se prenant pour un panzer batifolantdans les plaines polonaises, quelque part entre hard core ralenti et noisemétallisée. Generation Of Vipers est même un énième groupe qui doit beaucoup dechoses à Neurosis – avec quelques relents valeureux d’Unsane comme sur ladernière partie de Ritual ou l’intromalsaine à souhait de Slow Burn.

Tout ceci n’empêche absolument pas Howl And Filth d’être un sacré bonalbum : puissant, racé, monstrueux et démoniaque. Pour une fois onadmettra que la prise de son hormonée de l’ami Kurt Ballou a pu servir àquelque chose pour rendre le hard core metallisé de Generation Of Vipers encoreplus mordant et encore plus impressionnant (surtout au niveau du son de labatterie) mais on n’oublie pas non plus que Josh Holt et Travis Kammeyer sont allésaprès l’enregistrement mettre en boite des pistes supplémentaires, tous seulsdans leur coin et dans un tout autre studio que God City, sans l’aide depersonne.

Derrière le déluge et les coups de massue on ne trouvepas beaucoup de finesse (c’est le moins que l’on puisse dire) mais des détails,des mises en œuvre et autres graduations qui, en plus de rendre le son de cedisque impressionnant de puissance ET de méchanceté, lui offrent surtout unequalité exceptionnelle, disons une profondeur – on ne va quand même pasemployer le terme de chaleur – qui manque à 98 % des productions du genre. Seulgros bémol, les quelques passages atmosphériques (comme au milieu de Slowburn, le violon de All Of This Is Mine ou l’intro de The Misery Coil) qui tendraient à tropancrer Generation Of Vipers dans un post hard core synonyme de platitude. Onpardonne au groupe et on peut comprendre aussi que ses membres puissent éprouverle besoin de lever le pied parce que le reste du temps Generation Of Vipersdémontre avec Howl And Filth que legroupe possède un sacré tempérament de tueur.

* sur la page bandcamp de Generation Of Vipers onpeut également écouter les deux autres albums du groupe : Grace publié en 2005 et Dead Circle datant de 2007 – parcontre aucune trace d’un 12’ et d’un split que le groupe aurait égalementpubliés

Kangding Ray / Or

2012-01-16T00:01:00.005+01:00

On n’a jamais très bien suivi les aventures de DavidLetellier AKA Kangding Ray, unfrançais installé depuis belle lurette à Berlin et parait-il architecte deformation. On s’en fout un peu beaucoup que le monsieur soitarchitecte dans la vraie vie ? Peut être pas tant que ça, à l’écoute de Or, déjà son troisième album et letroisième également en compagnie du label Raster-Noton.Annoncé par Pruitt Igoe, un EP vinylepublié fin 2010, Or va encore plusloin dans la direction d’une musique électronique enveloppante, trèstravaillée, étayée de toutes parts et faisant la part belle à des habillagesqui n’ont rien à voir avec les cache-sexes habituels.

Kangding Ray a toujours plutôt dénoté avecl’ensemble du catalogue Raster-Noton. Avec Orcela ne s’arrange absolument pas, on pourrait imaginer Kangding Ray plutôt surun label tel que Hymen records, Ad Noiseam ou même – pourquoi pas ? – AntZen, avec cet équilibre parfait entre froideur digitale et musicalité, rythmescomplexifiés et fluidité des compositions, machines omniprésentes et partieschantées. Car oui, il y a des parties chantées sur Or, et pas qu’une seule : cela va des vocaux éthérés d’un Athem aux véritables paroles d’un Pruitt Igoe. Et au passageintéressons-nous d’un peu plus près à ce titre aux ambiances très inquiétantes :Pruitt Igoe fait référence à une citéurbaine érigée dans les années 50 à Saint-Louis (Missouri) et sciemment coupéeen deux car les lois ségrégationnistes avaient encore cours à ce moment là auxEtats Unis. D’un côté les blancs et de l’autre les noirs. Pruitt Igoe a fini complètement démoli au milieu des années 70,après avoir coûté une fortune, échec patent d’une politique du logement « social »et d’un urbanisme pourtant salué à l’époque de la construction de la cité commedes plus novateurs*.

La politique et le débat d’idées ne sont donc pasabsents de Or alors que d’ordinairevoilà des préoccupations secondaires dans le monde plutôt onaniste etrecroquevillé des musiques électroniques actuelles. On en vient à se demandersi le titre même du disque désigne la richesse (comme le laisse supposé ladorure envahissante du livret) ou l’altérité (« ou », en rapport égalementavec le ségrégationnisme du projet PruittIgoe). Peut être bien les deux, ce qui sous-entendrait une vision trèscritique du monde dominé par l’accumulation de richesses et la segmentation/répressiondes sociétés – l’une se nourrissante de l’autre –, une vision que je ne peux hélasque partager.

Mais je m’égare très certainement parce que lereste du disque semble bien moins sujet aux considérations philosophiques,idéologiques et politiques – ou peut-être que je n’ai pas su retrouver lesbonnes références mais des titres tels que Mojave,Coracoïd Process, En Amaryllis Jour ou La Belle sont avant toute chose empruntsd’une réelle poésie, non ? Et de la poésie il s’en échappe de ce disque àchacune des secondes qui s’écoulent. Elle est parfois très inquiétante, trèssombre, mais elle est irrésistible. Et surtout, plus on découvre Or, plus on se persuade d’écouter ànouveau et enfin quelque chose de vraiment frais en matière de musiquesélectroniques. Voici le meilleur disque du genre pour l’année 2011. Le plussubtil aussi. Et l’un des plus beaux.

* pour plus d’informations, je vous renvoiedirectement à la lecturede ce texte du sociologue Thomas Watkin – non ne me remerciez surtout pas

Comme à la télé : Black Sabbath live à l'Olympia [20 décembre 1970]

2012-01-15T00:06:00.024+01:00

Et bien, et bien… cette semaine nous a encore valu son lot de grosses poilades avec l’annonce des reformations d’At The Drive-in ou de Refused – paraît-il que des groupes essentiels.

Donc voilà, ami lecteur, il n’y a que deux solutions : soit tu es trop jeune, donc tu n’as jamais vu ces groupes et donc tu veux absolument les voir, maintenant, parce que mieux vaut tard que jamais et puis comme ça tu pourras toujours dire que tu y étais, enfin ; soit tu as déjà vu ces groupes en concert il y a très très longtemps et c’est donc que tu es déjà trop vieux (après tu fais ce que tu veux, aller te secouer la nouille et les souvenirs devant tes idoles du siècle dernier ou bien faire ton snob comme moi en refusant d’y aller parce que c’était mieux avant).

Ci-dessous la vidéo intégrale d’un concert donné en décembre 1970 par Black Sabbath. Un groupe précurseur puisqu’il s’est séparé un sacré nombre de fois et s’est donc reformé tout aussi souvent, sous des line-ups variables et même avec des chanteurs différents – dans le genre mauvaise foi on a rarement fait mieux que ces anglais de Birmingham. Il n’empêche que ce concert représente Black Sabbath à son meilleur, à l’époque des deux premiers albums (les seuls qu’il faut avoir absolument) et dans sa formation originelle. Admirez comment Ozzy chante mal mais a l’air plutôt timbré, admirez les riffs de Tony Iommi, admirez le jeu démentiel de Bill Ward derrière sa batterie et regrettez que l’on n’entende pas davantage la basse de Geezer Butler :

Ce line-up avait annoncé sa reformation le 11 novembre 2011 (hahaha) et répétait en vue d’une nouvelle tournée et même d’un nouvel album. Une opération rendue possible par la mort de Ronnie James Dio et la dissolution de Heaven And Hell – le petit nom donné à Black Sabbath depuis la reformation du groupe avec Dio en 2006, surtout un nom donné pour ne pas froisser Ozzy Osbourne, sa manageuse de femme et leur armée d’avocats sanguinaires.
Depuis l’annonce du cancer et de l’hospitalisation de Iiommi, cette énième reformation semble elle aussi en suspens. Et c’est une très bonne nouvelle. Désolé Tom mais je préfère regarder encore une fois ce concert de 1970 plutôt que de te savoir à nouveau sur une scène avec ton club de grabataires sous prozac.

Is it the end, my friend ?
Satan's coming 'round the bend
People running 'cause they're scared
The people better go and beware
No, no, please, no

Rappelons à toutes fins utiles que la nostalgie est un business comme les autres et que c’est même pour certains les dernières cartouches qu’il leur reste à tirer pour se faire encore un peu de fric avant la fin du monde.

Rappelons enfin qu’il y a plein de groupes, ici, maintenant, de partout et même d’ailleurs, des groupes qui viennent de naître, qui viennent de sortir un disque ou qui aimeraient en sortir un, des groupes qui veulent donner des concerts et qui veulent qu’on aille les voir jouer.

Oren Ambarchi - Robbie Avenaim / Dream Request

2012-01-13T00:01:00.020+01:00

Les australiens Oren Ambarchi et Robbie Avenaim à nouveau réunis. Lesdeux musiciens ont débuté ensemble au sein de Phlegm – une petite poignéed’enregistrements dont un incroyable album Liveavec sa fausse pochette censurée anti bootleggers et ses 18 plages d’à peu prèstout et surtout bien n’importe quoi (car Phlegm était un trio extrêmementbruitiste) – mais ensuite ils n’ont enregistré ensemble que de manière trèssporadique, genre un seul et excellent album sur Tzadik et deux collaborationsavec Keith Rowe sur Grob records.

Grâce au LP intitulé Dream Request le label anglais Bo'Weavil nous offre la précieuse opportunité deretrouver les deux musiciens enregistrés lors d’un concert donné en octobre2009 à Tel Aviv. Deux faces d’une prestation intense et excessive, qui étonneratrès certainement celles et ceux qui ne connaissent que les enregistrementsd’Oren Ambarchi en solo pour Touch records mais pas ceux qui ont déjà pu jeterune oreille, même distraite, sur les disques de Phlegm.

Relativisons : on n’est pas ici tout à fait dans les mêmes extrêmes d’unecacophonie jubilatoire et d'un happening bruitiste comme au temps du trio maisplutôt sur le terrain miné d’une longue improvisation dynamique s’étalant avec unlarge éventail de registres, du free en passant par la noise. Autrement dit Dream Request est un sacré bordel maisun bordel intense qui laisse entrevoir l’osmose fulgurante entre les deuxmusiciens et aboutit à un stade certes archétypal mais plutôt rare de parfaiteentente entre deux personnes en train d’improviser ensemble.

Et une fois que l’on a intégré l'idée que c’est bien OrenAmbarchi qui joue ainsi de la guitare, loin des nappes grésillantes etenvoutantes dans lesquelles il est passé maître, on se focalise surtoutsur le jeu délirant, chaotique mais très coloré de Robbie Avenaim. Le batteurn’arrête pas un seul instant, insufflant un courant permanant à la musique duduo, avec un jeu sur les cymbales très présent, mais s’appliquant/s’impliquantmalgré tout sur toutes les composantes de sa batterie. Plus on écoute lavolubilité destructrice de Robbie Avenaim et plus on se dit que si un jour legrand Weasel Walter lui-même décidait d’enregistrer un disque de duos/duels debatteries, Avenaim serait le premier voire même le seul prétendant à pouvoirdécemment relever le défi sans craindre le ridicule ou l’humiliation. Tiens, jeme prends même à en rêver.

DreamRequest a été publié uniquement en vinyle et à 350 exemplaires numérotés (il y a un tampon sur la pochette intérieure servant à protéger le disque). Pour lescurieux Bo’Weavil propose des extraits de chacune des deux faces dudisque : par ici etpar là.Mais comme ce ne sont que des extraits, il est difficile voire impossible de sefaire une idée fiable de l’intensité au long court de ce beau moment.

Sightings / Future Accidents

2012-01-12T00:00:00.005+01:00

En matière de concerts, l’une des surprises del’année 2011 fut sans contestation possible celuiqu’a donné Sightings à la toute fin du mois d’octobre au Sonic : aprèsavoir vu un certain nombre de fois le trio de Brooklyn en live, j’en étaisarrivé à la triste mais inévitable conclusion que Sightings était un bienmeilleur groupe de studio que de scène et là, tout à coup, presque un miracle,enfin un concert qui se tenait debout de la part de Sightings, voire même unconcert habité et vraiment méchant.

D’un autre côté, on pourrait également objecterque Sightingssur disque ce n’est pas non plus toujours ça, que certains des enregistrementsdu groupe sont vraiment très durs à encaisser/supporter – par exemplel’avant-dernier album, City Of Straw,surtout si on le compare à son prédécesseur, Through The Panama, qui est sans doute ce que Sightings aenregistré de plus abordable. Tout ça pour dire que si ce concert n’avait paseu lieu et, surtout, s’il ne s’était pas aussi bien passé, je n’aurais jamaisjeté plus d’une oreille et demie sur FutureAccidents, le dernier enregistrement en date du trio. En fait, je l’avaisécouté ce disque, mais très vaguement, un peu avant le concert, puis j’avaisdécidé de l’oublier, purement et simplement. Maintenant, bonne surprise du concertoblige, je comprends beaucoup mieux où Sightings veut en venir avec sa musiqueet ses enregistrements les plus rudes, y compris les premiers disques oul’album en collaboration avec Tom Smith de TLASILA, et même le City of Straw déjà mentionné ci-dessus.

Future Accidentsn’est pas à proprement parlé un véritable album bien qu’il soit gravé uniquementsur un 12’ et qu’il soit d’une longueur plus que décente avec ses 39minutes : la première face comporte trois (longs) titres alors que laseconde est entièrement occupée par un PublicRemains destiné à nous faire passer un très mauvais quart d’heure. Bien quece titre soit sur la face B du disque, on va commencer par parler de celui-ci,en essayant de ne pas lui régler son compte trop rapidement. OK : 20minutes chrono d’expérimentations plus ou moins bruitistes ça ne vous fait peutêtre pas très envie, surtout venant de Sightings, mais Public Remains est un titre passionnant, plus grésillant quedissonant, plus atmosphérique (ahem) que bruyant, rempli de grincements et decrissements – on imagine à son écoute être prisonnier de la respirationmonstrueuse d’un être mi-organique mi-mécanique (tu connais H.R. Giger ?),une respiration entravée mais impétueuse. Il y a quelque chose de captivantdans ce Public Remains et certainsjours on irait même jusqu’à parler de beauté malade.

Les trois titres de la première face de Future Accidents sont du Sightingsbeaucoup plus conventionnel, entendez par là que le trio guitare/basse/batterieet voix y est formellement présent et que l’on peut entendre quelque chose deplus classiquement (re ahem) construit… enfin, cela reste du Sightingsc'est-à-dire une musique qui n’est même pas du noise rock, on se rapproche plusde l’esthétique d’un Throbbing Gristle (c’est particulièrement vrai sur tout ledébut de To The World) mélangée àcelle de Missing Foundation, autre groupe bruitiste et originaire de New-Yorklui aussi, considéré par beaucoup comme quasi mythique. Mais comme avecSightings c’est toujours l’abstraction qui finit par primer, les sons sedéforment, se mélangent, se contaminent entre eux et on aboutit – ce qui n’estplus une surprise – à un autre monstre déviant, mutant et malade qui nousemprisonne/empoisonne également, un autre monstre et parent pas très éloigné decelui qui sur Public Remains nousavait déjà bien malmené. Avec FutureAccidents Sightings se révèle de plus en plus passionnant et… oui, onattend le prochain album impatiemment et on espère de même revoir le groupe unjour en concert.

FutureAccidents n’existe (pour l’instant) qu’en vinyle et a été publié par Our Mouth records, le label des petitsgars de Mouthus.

Gay Witch Abortion with Junko Mizuno

2012-01-11T00:00:00.012+01:00

Nous sommes au 21^ème siècle. Et au 21^ème siècle, tout est désormais possible. Une preuve ? Tom Hazelmeyer et son label Amphetamine Reptile records qui, après avoir permis à des groupes tels que Cows, Janitor Joe, Helmet, God Bullies, Hammerhead, Guzzard, Today Is The Day ou Tar* d’exploser au cours des années 1990 et de changer la face de ce pauvre monde à jamais, et bien Tom Hazelmeyer et Amphetamine Reptile donnent désormais dans la création hautement artistique. L’oncle Tom ne semble avoir réactivé son label il y a quelques années que pour vendre vraiment très cher des disques tirés à vraiment très peu d’exemplaires – quelques exceptions tout de même comme l’excellent Journey To The End Of The Knife des désormais fort regrettés Heroine Sheiks de Shannon Selberg.

Une autre chose que Hazelmeyer semble beaucoup aimer faire, c’est les bouquins. Eventuellement des bouquins avec un disque. C’est exactement le cas de celui-ci, qui réunit Gay Witch Abortion et Junko Mizuno. Un livre d’illustrations tiré à 200 exemplaires**, numérotés et signés de la main de l’auteure (Junko Mizuno – pas Gay Witch Abortion et c’est bien dommage : on aurait pu espérer un poil de cul en guise de bonus). Un livre rempli de lolitas gothopouffes qui s’enfilent des poulpes et autres calamars par tous les trous, le tout dessiné avec une précision très infantile du trait et une débauche de couleurs à faire vomir un fan de Georges Remi en pleine redescente d’acide après un film de Steven Spielberg.

Mais on s’en fout, on est là pour parler musique. Et de la musique il y en a, donc : un CD de Gay Witch Abortion en version trio c'est-à-dire incluant Tom Hazelmeyer au chant et à la basse et pas très bien caché sous son alias de Haze XXL. On se rappelle de ce 10 pouces punk as fuck dont le trio nous avait gratifiés en 2010. On en espérait au moins autant avec ce nouveau disque, malgré quelques doutes bien légitimes par rapport à l’utilité d’une telle entreprise – car quelle musique oser enregistrer pour coller avec des images aussi arty/kawaii et imprimées dans un joli petit livre collector ?

Ils l’ont fait, malgré tout, donc on écoute. Un seul titre figure sur ce CD mais on devrait plutôt parler d’une seule plage puisque celle-ci semble divisée en plusieurs tranches, comme autant de mouvements (aucun tracklisting est disponible nulle part mais ce titre s’intitulerait The Snake Behind The Eyes). Oublions tout de suite la crasse qui s’étalait sur ce 10 pouces déjà évoqué tout comme celle de l’album (enregistré à deux) de Gay Witch Abortion : nos trois compères, en s’enfermant dans un studio, ont visiblement fait très attention à ce qu’ils faisaient. Quelle curieuse méthode que de se mettre la pression et de se faire des idées au lieu d’enregistrer comme d’habitude – c'est-à-dire comme des porcs – une musique sale, vicieuse, violente et méchante…

Pour la fureur made in AmRep on repassera donc. Mais pour la gloire et la postérité, on va essayer de faire un petit effort : OK, ces vingt minutes et quelques n’arrivent pas vraiment à contenir 10 % de tout le vice de tous les enregistrements 90’s du label mais le résultat n’est pas totalement inintéressant non plus. On découvre en premier lieu un hybride atmosphérique et new wave sous champis rapidement perturbé par quelques rayures noise rock couplées à un glacis synthétique (encore de la new wave ou je ne sais quoi), un chant qui évite bave et postillons pour se concentrer sur l’acidité et une certaine aptitude à torcher de la joliesse rebelle comme on déroule tout un rouleau de papier cul dans l’escalier (auparavant, on aurait au contraire pu espérer obtenir quelques traces de doigts merdeux étalées sur les murs des chiottes après s’être essuyé les fesses). Je ne sais pas à qui cette musique un peu trop propre sur elle pourrait plaire exactement mais elle existe et elle n’a finalement rien de déshonorant. Elle est juste un peu triste… On s’amuse quand même beaucoup plus dès que le stupre transpire de toutes parts or là on peut bien le chercher, on n’en trouve guère dans cette succession de passages ralentis façon Chrome*** opiacé et de passages accélérés façon Chrome*** sous méthamphètamines. Car les plans d’éternisent plus que nécessaire, reviennent à la charge et à chaque fois que l’on entend quelque chose de pas désagréable et de plutôt bien mené, il est systématiquement foutu en l’air parce que Gay Witch Abortion le fait tourner jusqu’à l’épuisement complet – en gros ce long titre multi-parties de 25 minutes est composé à 80 % de remplissage. Prenez uniquement les parties lentes pour les condenser en un truc rampant/glauque de 5 ou 6 minutes, ensuite prenez uniquement les parties turbofuzzées pour en extraire un boutoir de 2 ou 3 minutes et vous obtenez ce qui aurait pu constituer les deux faces d’un excellent single de noise psychédélique et rétrograde. Dommage.

* on s’en fout si j’en oublie, tu n’as qu’à compléter cette liste toi-même

** cherche bien : des petits malins ont balancé dans les abîmes d’internet des scans de l’intégralité de ce bouquin couplés aux mp3 du disque qui l’accompagne

*** oui, il s’agit bien à chaque fois du même Chrome et, non, ce n’est donc pas une erreur

Ultra Panda / self titled

2012-01-10T00:03:00.007+01:00

Ultra Panda est un trio réunissant un ancien chanteur de Bananas At The Audience et actuel No Drum No Delay, un bassiste issu de Free For All et un batteur de Free For All lui aussi, mais également de Weeping Mind Of Silence. Ajoutez un peu de bidouilles et quelques zigouigouis et vous obtiendrez un bon groupe qui manie à armes égales dynamisme et mélodies. Ultra Panda ne propose ni plus ni moins qu’une version actualisée de ce bon vieux punk rock, celui qui pétarade façon bubble-gum et se soucie de toutes évidences de la forme que peuvent prendre ses chansons pop et donc des chemins harmoniques qu’elles empruntent par là même.

Les mélodies, c’est le chant qui les assurent en tout premier lieu, un chant distinct, dynamique, posé bien qu’étrangement juvénile et tenant le haut du pavé. On connaissait déjà les capacités et les idées du monsieur avec les regrettés Bananas At The Audience, au sein d’Ultra Panda il fait preuve de plus de sobriété et d’une haute précision qui sait attirer l’attention. Il en fait même beaucoup – mais jamais trop – et tire le groupe dans le bon sens. Rendez-vous, avec cette façon de placer le chant, de lui donner un rôle central sur fond tapissé d’ultra-basse, ferait même penser à du Ned’s Atomic Dustbin primitif.

Tout ceci n’est par contre rendu possible que grâce à la section rythmique qui derrière le chant besogne sans répit et défouraille sec sur tout ce qui bouge. Le rythme général des six titres constituant ce premier enregistrement sans titre est tout simplement proprement infernal car ces deux types, bassiste comme batteur, sont des vrais forçats et – en plus d’une énergie colossale et communicative – ils arrivent en guise de bonus non négligeable à déployer un petit arrière-groove qui donne tout son piquant et toute son astuce à l’ensemble.

La musique d’Ultra Panda repose donc sur une équation on ne peut plus simple : énergie colossale, mélodie moulée à la louche et efficacité jamais putassière. La seule chose que l’on est en droit de se demander, puisque ce mini album ne nous en laisse pas l’occasion, c’est : que ce passerait-il si d’aventure Ultra Panda ralentissait considérablement le rythme ? L’alchimie deviendrait-elle automatiquement bancale et le groupe finirait-il par se casser la gueule ? Oui, j’avoue que cela m’intrigue, tout comme le fait de savoir si Ultra Panda supporterait ou non la longueur d’un véritable album. Quant à savoir pourquoi l’artwork du disque ne montre aucun panda mais au contraire quelques bouquetins, cerfs et autres bêtes à cornes, voilà un mystère que je ne veux pas non plus élucider.

Ce premier enregistrement d’Ultra Panda est disponible en vinyle 12’ : Les Disques Du Hangar 221 et Chanmax records en sont les heureux producteurs associés. Quelques extraits du disque sont en outre écoutables sur la page Soundcloud du groupe.

Funk Police / Hot We Are Funk We Play

2012-01-09T00:08:00.013+01:00

Funk Police est un titre du troisième album de The Feeling Of Love, Dissolve Me. Funk Police c’est aussi et surtout le nom d’un groupe avec le chanteur/guitariste de ces mêmes Feeling Of Love, Guillaume Marietta – on n’est jamais aussi bien servi que par soi-même. Dans Funk Police on trouve aussi un Scorpion Violente et un troisième larron qui aurait joué avec les insurpassables Dust Breeders. Hot We Are Funk We Play est le premier album de ce trio de choc publié par l’excellent label italien Avant! en novembre 2011.

Funk Police et Hot We Are Funk We Play : le nom du groupe comme du disque annoncent clairement la couleur – tout ici dégueule d’un sens du groove assez jouissif, suffisamment élastique pour dodeliner de la tête et suffisamment robotique pour gigoter comme une planche à repasser – et donc personne ne pourra être trompé sur la nature profonde des dix compositions de cet album. Mais on ose également espérer que les fanatiques de garages sixties ne s’y tromperont pas non plus car, s’ils peuvent se sentir attirés par la filiation entre Funk Police et The Feeling Of Love, ils devront se rendre à l’évidence qu’il n’y a pas tant de points communs que cela entre les deux groupes.

Commençons donc par ce qui pourrait rallier les grincheux et les intégristes à la cause Funk Police. Pas grande chose en fait – hahaha. Mais on n’y perd pas au change, mille fois non. Le son de guitare peut rester grésillant et crade (en bon français on appelle donc ça « garage ») mais globalement et logiquement son phrasé est surtout funky. Les percussions sont omniprésentes, polyrythmiques même (il y a aussi de la boite à rythmes comme sur You Always Win) et la basse drive le tout, souvent de manière très évidente bien que toujours minimaliste (Sugar), des fois de façon fort amusante comme la ligne de basse très onctueuse mais un rien éléphantesque d’Immigrant Pekin Mambo Love Song, l’un des rares titres vraiment lents de Hot We Are Funk We Play et sorte de Public Image Ltd coconuts. Parfois la crasse reprend ses droits ici, Red Blood Black Boots qui ouvre la deuxième face en étant le parfait exemple. Le très court et virulent Why Do I Always Have To Live In The Same Fucking Song est lui entre les deux, se partageant entre rage funky et fureur garage, et représente bien l’hybridation réussie de cet album.

Reste à évoquer le cas du chant, blindé dans sa reverb, plein de morgue et de hauteur, avec une bonne pointe d’arrogance, un peu comme si le préposé au micro avait précisément inventé la méthode pour transformer les paillettes d’or des cols de chemises pelle-à-tarte en rails de coke.

Hot We Are Funk We Play pourra ainsi évoquer chez certains les Contorsions du jeune James Chance (c’était il y a très longtemps et, oui je l’avoue, c’est une référence un peu facile) avec cette façon de dévoyer/pourrir une musique que l’on aime et à laquelle on voudrait rendre hommage en tentant de la jouer avec les moyens du bord – le funk évidemment. Or, bien qu’en empruntant beaucoup, Funk Police s’en éloigne aussi (hormis sur quelques titres très évidents tel Back Inside You) sans pour autant s'en moquer ou déprécier son « modèle ». Disons que l’orthodoxie funky n’est pas ce qui intéresse Funk Police, l’important c’est le résultat, et c’est aussi pour cela que l’on apprécie la réussite de Hot We Are Funk We Play, pour cet amour indéfectible pour la machine à sexe métamorphosée en torrents de crasse et de sueur, un amour transfiguré. Ah oui, un dernier point : il semblerait que Sorry Angel ne soit pas une reprise de cette ignoble chanson de Serge Gainsbourg – on l’a échappé belle.

Hot We Are Funk We Play est en écoute intégrale sur la page Bandcamp de Avant! records. Ce disque n’a été édité qu’en vinyle et à 350 exemplaires seulement…

Top Of The Dope 2011 - La mémoire qui flanche

2012-01-08T00:02:00.006+01:00

Si il y a des gens ici qui lisent Noise mag (entre autres) et qui s’intéressent aux classements de fin d’année, ils auront peut être lu celui de ce journal*, compilé à partir de toutes les appréciations de tous les collaborateurs de Noise, dont ma petite personne, bien évidemment – voilà encore un des effets indésirables du pacte démocratique.

Plus que jamais s’adonner au vice du classement et des hit-parades n’est qu’un petit plaisir éphémère et égoïste, une façon assez vulgaire de tenter de retenir un peu notre mémoire en surchauffe.

Alors soyons vulgaires, égoïstes et inconstants. Ci-dessous le Top Of The Dope 2011 sans faille ni hésitation que le Haut Comité Rédactionnel de 666rpm a établi en son âme et conscience et surtout à l’unanimité des participants, avant d’en fournir une copie contresignée au big boss de Noise :

PSYCHIC PARAMOUNT – II

THE SKULL DEFEKTS – Peer Amid

PORD – Valparaiso

HAWKS – Rub

ALUK TODOLO & DER BLUTHARSCH – A collaboration

HEADWAR – Hôpital Torture Punition IV

CONGER! CONGER! – At The Corner Of The World

ZËRO – Hungry Dogs (In The Backyard)

STUNTMAN – The Target Parade

REVOK – Grief Is My New Moniker

Et maintenant la liste de quelques uns des autres disques que l’on a également aimés par ici en 2011**, certes à des degrés divers – la lecture de cette liste reste totalement facultative bien qu’aujourd’hui ce soit dimanche et que le commun des mortels s’emmerde et n’a sans doute pas grand-chose de mieux à faire de son temps :

Big’n – Dying Breed et Spare The Horses, Berline 0.33 – Flying Above Scarecrows et Planned Obsolescence, Einsturzende Neubauten – Strategies Against Architecture 2001 - 2011, Tormenta – La Ligne Âpre, Neige Morte – self titled ainsi que le split avec The Austrasian Goat, Papaye – La Chaleur, Otto – self titled, Ultralyd – Inertiadrome, Schoolbusdriver – Nursery Rhymes For Old Men, Total Fucking Destruction – Hater, Gods And Queens – Untitled III, One Foot Dancer – The Dead Note Theory, Electric Wizzard – Black Masses, The Washingtonians – Severed Heads, Poino – Moan Loose, x25x – Distortion Of Life, Pneu – Highway To Health, Ned – Bon Sauvage, Pa Tri Cia – self titled, The Austrasian Goat – Stains Of Resignation, La Race – self titled, Desicobra – Live A Bombay, K-Branding – Alliance, Zeus! – self titled, One Lick Less – & We Could Be Quiet, The Feeling Of Love – Dissolve Me, Scorn – Yozza, Ultracoït – The Sperm EP, Myself – Haro!, ÖfÖ Am – The Beast Within, Ahleuchatistas – Location Location, Kandinsky – MCHN, Honey For Petzi – General Thoughts And Tastes, White Suns – Waking In The Reservoir, Kourgane – Corps De Chasse, Hey Colossus – RRR, Opéra Mort – Des Machines Dans Les Yeux, Denizen – Whispering Wild Stories, American Heritage – Sedentary, Ed Wood Jr – Silence, Trunks – On The Roof, Headwax – self titled, FAT32 – self titled, Sky:Lark! – self titled, Kiruna – Kalayaan, Soixante Etages – Repli-K 07, Mesa Of The Lost Women – I Remember How Free We Were, Tom Bodlin – Palais Des Enfants, Winter Family – Red Sugar, Les Louise Mitchels – Trop Bon Trop Con, NLF3 – Beast Me, Nitkowski – Stay In The Home You Love, Tarwater – Inside The Ships, Welldone Dumboyz – Filthy Gift, Sofy Major - Membrane – split, Brutal Truth – End Time, Micro_Penis – Tolvek, Satanized – Technical Virginity, Møller Plesset – Hartree-Fock Method, Doomsday Student – A Jumper's Handbook, Full Blast & Friends – Sketches And Ballads, Shield Your Eyes – Volume 4, Alva Noto – Univrs, Ceremony – Covers EP, MoHa! – Meiningslaust Oppgulp, Sightings – Future Accidents, This Quiet Army – Resurgence, Leviathan – True Traitor, True Whore, Kangding Ray – Or, Robert Lippok – Redsupertructure, Seiji Myrayama & Stéphane Rives – Axiom For The Duration, 400 Blows – Sickness & Health, Eleh – Floating Frequencies / Intuitive Synthesis, Chris Watson – El Tran Fantasma, Noisear – Subvert The Dominant Paradigm, Rotten Sound – Cursed, Altar Of Plagues – Mammal, Autechre – EPs 1991 - 2002, The Jesus Lizard – Club, Thee Oh Sees – Carrion Crawler/The Dream EP, Generation Of Vipers – Howl And Filth, The Ames Room – Bird Dies…***

Vous êtes encore là ? C’est bien. Pourtant les listes c’est chiant. Et si votre album préféré de votre groupe fétiche ne figure pas dans cette liste, sachez que ce n’est pas très grave non plus. Je m’en remettrai et vous aussi.

* le numéro 8 de (new) Noise mag devrait être en kiosque à la fin de la semaine prochaine.

** oui, je sais : certains de ces disques datent en fait de la fin de l’année 2010…

*** la plupart des disques ci-dessus ont déjà été chroniqués sur 666rpm et les autres le seront éventuellement dans un futur plus ou moins proche

Thee Oh Sees / Carrion Crawler - The Dream

2012-01-06T00:07:00.013+01:00

L’histoire continue : après avoir publié un Castlemania plutôt en demi-teinte au printemps 2011, Thee Oh Sees ont remis ça dès le mois de novembre de la même année avec un « EP » de dix titres intitulé Carrion Crawler / The Dream, toujours sur le label de prédilection du groupe, In The Red. Le constat est très simple et sans appel : autant John Dwyer et Thee Oh Sees peuvent se révéler extrêmement irritants dès qu’ils se mettent à minauder et à chichiter (Castlemania donc), autant le groupe est toujours capable à l’occasion de retrouver ses bons vieux réflexes suintants garage punk. C’est exactement le cas de Carrion Crawler / The Dream qui en fait a tout de l’album, avec ses 40 minutes de (presque) sauvagerie sixties et sa collection impeccable/implacable de tubes psychédéliques et hystériques.

Entendons-nous bien : Thee Oh Sees sont vraiment très loin d’être le meilleur groupe du monde – et d’ailleurs, qu’est-ce que cela signifie « le meilleur groupe du monde » ? – mais voilà l’un des rares groupes capables de pomper ouvertement et sans vergogne dans un passé musical ultra référencé sans pour cela avoir besoin de faire appel à la nostalgie rance ou donner dans le revival frelaté et postmoderne. Ecouter Carrion Crawler / The Dream de Thee Oh Sees c’est à la fois comme si vous étiez en plein dans ces années sixties garage et psychédélique américaines (on parle bien des années 60 du 20^ème siècle et on rappelle à toutes fins utiles que désormais nous sommes ancrés dans le 21^ème) et en même temps c'est comme si vous n’y étiez pas non plus, ou alors vous seriez en train de découvrir un groupe d’époque mais sonnant encore mieux que tous ceux de l’époque en question, un groupe dont vous n’aviez jamais entendu parler jusqu’à maintenant.

Hormis un puissant instrumental (Chem-Farmer) et une excellente pochade quasi instrumentale (Wrong Idea), Carrion Crawler / The Dream comporte huit autres titres, chantés, balancés frénétiquement avec une rage juvénile et, semble-t-il, non feinte. John Dwyer chante toujours sur l’écrasante majorité des titres mais donne plus de liberté de paroles à Mademoiselle Brigid Dawson et surtout, même si sa voix est toujours reconnaissable entre mille, il ne s’adonne que très raisonnablement à son horrible péché mignon, le chant nasillard à outrances – on note par contre que dans leur ensemble les voix sont toujours aussi judicieusement plongées dans la reverb et on s’en réjouit. Mais ce qui frappe réellement le plus à l’écoute de Carrion Crawler / The Dream ce sont les deux tiers de titres rapides, appuyés par des lignes de basse d’une fluidité et d’une efficacité maniaques – on compte seulement deux ou trois compositions ralenties mais elles sont très loin de démériter, véritablement tubesques elles aussi, à commencer par la première d’entre elles, Carrion Crawler.

Dernier point fort du disque et non des moindres, ces solos de guitare qui entrelardent de partout, dans tous les sens, à chaque instant. Carrion Crawler / The Dream en déborde, ils colorent les deux faces du disque d’une folie jubilatoire que jusqu’ici on n’avait guère entendue à un tel niveau chez Thee Oh Sees. Une folie et un plaisir qui font définitivement toute la différence et on ne se remet que difficilement de tant d’entrain et d’aisance. Carrion Crawler / The Dream défile avec une intransigeance et une impétuosité vivifiante pour s’imposer comme l’un des tout meilleurs disques de John Dwyer avec Thee Oh Sees.

Alva Noto / Univrs

2012-01-05T00:01:00.007+01:00

Univrs est quelque chose comme le huitième album solo d’Alva Noto à ce jour – on ne compte donc pas les multiples collaborations du musicien d’origine est-allemande ni tous les disques qu’il a enregistrés sous différents alias ou sous son vrai nom, Carstein Nicolai – et surtout Univrs est une excellente surprise. Le patron de Raster-Noton a de la ressource. Mieux que ça : Carsten Nicolai/Alva Noto s’impose définitivement comme le seul maitre à bord de ce courant aride et hyper cérébral au sein des musiques électroniques, courant difficile à nommer et qu’il a largement contribué à faire émerger il y a plus de dix ans dans le sillage du japonais Ryoji Ikeda. Mais aujourd’hui Ryoji Ikeda se concentre tout autant sur les sons que sur les images et ses derniers travaux, plus que jamais, ne semblent plus pouvoir se passer d’un accompagnement visuel à la démesure de sa musique segmentée et matricielle.

Alva Noto gagne au contraire et une nouvelle fois le pari difficile du home listening. Excellente compilation de musiques plutôt ambient (mais pas que) conçues pour des installations sonores ou autres évènements publiée en 2010 sur le label américain Line, For 2 se singularisait déjà par un étonnant confort d’écoute et une homogénéité grandissante malgré la diversité des matériaux collectés. Alors, lorsqu’un véritable album comme Univrs, pensé et enregistré en tant que tel, débarque enfin, plus de deux ans après Xerox Vol 2, on ne peut qu’acquiescer devant la science des séquences (alors qu’Alva Noto n’utilise pas de séquenceurs à proprement parler), des rythmes et des sons du musicien. Car Alva Noto s’est littéralement surpassé ici, tout en essayant de faire avancer les choses.

Bien sûr on connait à l’avance tous les ingrédients mis en œuvre et ajustés sur Univrs. Ces sons froids, ces fréquences grésillantes, ces constructions algorythmées, ces cliquetis accidentels, ces échos radar, ces ondes polaires… même le poète sonore Anne-James Chaton est à nouveau de la partie pour un Uni Acronym sur lequel il déclame de sa voix la plus neutre et robotique possible des acronymes de trois lettres, les énumérant absurdement en suivant l’ordre alphabétique et procédant par glissement, changeant une ou deux lettres sur trois à chaque fois et jouant ainsi avec la phonétique des sons comme il sait si bien le faire.

Univrs pourrait ainsi être le simple successeur en mode copier/coller de Unitxt, publié en 2008. Comme Unitxt, Univrs est avant une histoire de rythmes et de séquences hachées. Or Univrs, bien que gardant tout le côté froid de la musique d’Alva Noto, est un disque bien plus accessible. On osera même parler d’un disque presque dansant – la danse fracturée des blocs de glace, bien sûr – car les rythmes y sont toujours plus présents, très appuyés, formant des structures très évidentes et non plus des parois abruptes et infranchissables. Les compositions sont presque uniquement à base de rythmiques omniprésentes et implacables mais certaines jouent en parallèle bien que discrètement sur la profondeur des sons (Uni C, Uni Rc – à la limite de la techno minimale et avec la participation d’un certain Martin L. Gore –, le génial et tout aussi minimal Uni Dia, Uni Mode, Uni Syc ou Uni Pro), ce qui accentue encore plus le côté home listening et pénétrant du disque. Car Univrs a cette capacité à tout envahir, englober même tout ce qui nous entoure et provoquer des sensations enivrantes, posant comme unique repère central l’équilibre spatial entre rythmes et sons, les deux œuvrant pour une symbiose digitale et dans un même mouvement entre simplicité et complexité, immédiateté cinétique et exigence froide. Une magnifique architecture sonore, entre lumières filtrées et charpentes translucides.

Morse / self titled

2012-01-04T00:02:00.007+01:00

Enregistrés en 2010, les cinq titres de cette première démo de Morse ont été publiés seulement à l’été 2011 par le label Head records, à l’occasion de la participation du groupe au Yell Fest – c’était la première édition de ce festival, dotée d’une sacrée affiche réunissant quelques uns des groupes appartenant à la crème locale du hard core/metal et de la noise, jugez plutôt : Burne, Denizen, Membrane, Morse, Pal, Pord, Quartier Rouge, Sofy Major, Verdun et Xnoybis… Une première édition à laquelle le vieux reporter offshore et fatigué de 666rpm n’a malheureusement pas pu assister – on ne fait pas toujours ce que l’on veut dans la vie – mais rendez-vous est pris pour la prochaine.

Trêve de regrets éternels, attardons-nous plutôt sur cette première démo qui est donc miraculeusement parvenue jusqu’à nos oreilles. Cinq titres, douze minutes, les montpelliérains ne font pas semblant et ne s’encombrent ni d’artifices ni de sophistication : le hard core de Morse va directement là où il faut aller, simplement et avec une efficacité redoutable, avec une rage qui ne laisse ni indifférent ni sceptique (à moins d’être un lecteur de Tsugi ou de Télérama). C’est à peine si quelques ralentissements pointent le bout de leur nez mais lorsqu’ils le font, comme sur Discontinous Circumpolar Distribution, c’est l’équarrissage à petit feu assuré. Ces quatre petits gars ont du mordant, voire même plus, car ils ne perdent par leur temps à (se) raconter des conneries et à faire les beaux.

Si on estime autant le travail du guitariste que celui du couple basse/batterie, on reconnait surtout que c’est le chanteur de Morse (un ancien Breathe Your Dirt) qui monopolise toutes les attentions : ce type est pire qu’un barbare ou un sauvage, c’est un véritable tueur sans pitié. L’entendre hurler est un vrai bonheur pour les sens. Et lorsqu’une deuxième voix se fait entendre sur le final de You’re Already Dead, c’est encore mieux… Cette deuxième voix c’est celle du bassiste, plus connu pour avoir tenu pendant de longues années le micro au sein des défunts Spinning Heads – on comprend alors mieux pourquoi l’association de ces deux chants nous électrise ainsi.

Avoir raté Morse au Yell Fest est une chose, mais sachez que le groupe, avant d’envisager l’enregistrement d’un premier véritable album, fera une tournée au mois de février prochain en compagnie de Verdun et passera donc sûrement pas trop loin de chez vous : pour les lyonnais ce sera le 18 février au bar des Capucins. On en reparlera bien sûr en temps voulu, avec beaucoup plus d’infos.

Le Dead Project / Keep On Living

2012-01-03T00:04:00.010+01:00

Allez, encore un retardataire : cet album du Dead Project date d’avant l’été 2011 et depuis on y est revenu plusieurs fois, toujours avec un certain plaisir car Keep On Living est un disque plein d’énergie, plein de vie et respecte le quota nécessaire et suffisant de trouvailles par composition. Encore une fois, l’idée n’est pas tant d’avoir inventé le feu que de savoir s’en servir correctement.

Nos Prométhées du jour viennent de Paris et ils ont décidé de se débrouiller vraiment tout seuls : leur album est une production D.I.Y avec juste l’aide des copains de Dingleberry records… Keep On Living sonne vraiment bien, le groupe a mis le paquet pour l’enregistrement (live et en prise directe et vraiment ça tue) et s’est payé les services d’Alan Douches pour le mastering : voilà un disque qui sonne bien comme il le faut et le hard core métallisé et chaotique du Dead Project ne s’avère que plus massif et efficace.

On apprécie tout particulièrement le début du disque avec ce Rotten Words (sans doute le meilleur titre de l’album, à égalité avec le furieux The Sound As The Wind Blows ?) et qui vous accroche immédiatement. Le Dead Project c’est un mélange de sophistication et de bourrinage bien répartis et bien placés, le groupe fouille toujours un peu plus profondément dans la bonne direction pour rendre sa musique plus accrocheuse et toujours plus vive. Built To Spill arrive immédiatement après et cette guitare jouée au bottleneck est une vraie surprise, ce titre possède une couleur particulière par rapport au neuf autres de l’album, couleur qui ne sera donc pas répétée ailleurs comme un vulgaire gimmick. Mais cela permet de comprendre un peu comment fonctionnent les guitares dans Le Dead Project : il y a de nombreux passages où elles marchent main dans la main, droit au but, direct dans la tête mais il y a aussi ces nombreux plans où l’une d’entre elles se met à tricoter dans son coin, jouant avec une certain perversité – dommage peut être que ce côté plus alambiqué n’ait pas été mis plus en avant dans le mix… mais cela permet pendant ce temps là de se focaliser davantage sur les lignes de basse de malade qui parcourent tout l’album – un mal pour un bien, donc.

Le Dead Project a essayé également de varier les voix : il y a un chant principal très bien en place, il y a deux autres chants secondaires qui l’épaulent, et on trouve aussi quelques parties où l’agressivité des voix est un peu mise en sourdine, où l’aiguille des vumètres quitte le rouge, oui appelons ça un côté plus « mélodieux » voire trop sérieusement emphatique. Certains pourraient déplorer cette diversification du chant, cette volonté de le rendre parfois plus acceptable pour le commun des oreilles – tout est relatif bien sûr –, pensant que cela va à l’encontre d’une musique au contraire constamment tendue et/ou en position de tir à boulets rouges. Il est vrai que des voix systématiquement écorchées et ne tentant pas de jouer parfois dans le registre chœurs de hooligans auraient pu convaincre encore plus (mais, cela n’empêche pas un titre tel que In And Out d’être particulièrement réussi, loin de là).

On se rend parfaitement compte que ce jeu sur la complémentarité/diversification vocale est l’une des principales marques de fabrique de la musique du Dead Project et on a fini par s’y soumettre, malgré le côté parfois systématique des alternances – peut être aurait-il tout simplement fallu, à la différence des guitares, mettre celles-ci un peu plus en retrait dans le mix ? Mais qu’importe : quand un groupe est capable de composer des brûlots tels que Keep On Living, dernier titre tellurique de l’album, on n’en attend désormais plus qu’une seule chose, qu’il aille encore plus loin dans ce sens la prochaine fois, tout en étant persuadé qu’il apprendra à utiliser et à maîtriser toujours plus ce difficile travail à base de trois chants différents.

Le Dead Project a publié son album uniquement en vinyle rouge. Il n’y a pas d’édition CD. Par contre Keep On Living est en écoute intégrale et même en téléchargement libre sur la page bandcamp du groupe. Vous y trouverez aussi la liste des principaux labels ou distros auprès de qui le disque est disponible dans sa version pour de vrai et en dur.

Alkalys / A Pack Of Lies

2012-01-02T00:05:00.036+01:00

Nous y voilà donc pour de vrai en 2012. Il va s’en dire que nombre de disques publiés pendant l’année 2011 n’ont pas encore été chroniqués ici – manque de temps, paresse, procrastination, pots de vin insuffisants ou mépris intolérable sont les principales raisons de tous ces manquements – mais il n’est jamais trop tard. Oui, il n’est jamais trop tard pour parler d’un disque et d’un groupe dont on pense qu’ils en valent la peine. C’est donc Alkalys qui va avoir droit aux honneurs de la première chronique (de rattrapage) de l’année.

Pourquoi ? Alkalys est un groupe que l’on pourrait qualifier de « post hard core » – je ne pense pas que ces jeunes gens s’en cachent particulièrement. On aurait plutôt pu choisir de vous parler ici du 75^ème groupe de ce prétendu revival noise rock qui nous trique comme lorsqu’on était gamins, on aurait pu préférer la nouvelle sensation black expérimental de la mort ou la quatrième génération de descendants des groupes de drone doom mais, non, on a opté pour un groupe originaire de Haute Normandie et qui fait, donc et très précisément, du post hard core. A cela il y a au moins trois raisons : premièrement, malgré d’incessantes railleries à propos de ce genre fut un temps largement surévalué, on aime bien ça, le post hard core, à condition que la qualité soit présente… Ce qui nous amène à la deuxième raison : avec A Pack Of Lies, la qualité est précisément au rendez-vous. Enfin, troisièmement : c’est si bon de se faire l’avocat du diable lorsque le premier pitre venu est capable de vous descendre un disque avec la seule bonne raison de détester le genre dans lequel le groupe officie – oui c’est, avouons-le, un exercice dans lequel le comité Rédactionnel & Propagande de 666rpm excelle également à l’occasion, non sans une certaine complaisance, d’ailleurs.

Donc, si tu n’aimes pas ce genre qu'il est de bon ton de détester, ami lecteur et ennemi patenté du mauvais goût, ce n’est pas la peine de lire ce qui va suivre à propos d’Alkalys et de son troisième album, A Pack Of Lies. Si au contraire tu n’as aucun a priori rétrograde et invalidant, et bien rien ne t’empêche d’aller écouter par toi-même. On aura alors compris que l’originalité n’est pas donc la principale vertu d’Alkalys mais son absence n’est pas non plus le principal défaut d’un disque qui se place aisément dans les tranches supérieures du sandwich d’amour post hard core.

Puisqu’on nous réclame toujours à corps et à cris quelques éléments de comparaison, on citera volontiers à propos de la musique d’Alkalys celle des norvégiens de Cult Of Luna*, surtout dans cette façon très massive de s’imposer sans avoir recours à trop de lyrisme et d’alterner nombre de passages atmosphériques éloignés de toute mièvrerie (qui est le principal défaut de trop de groupes du genre, à commencer par Isis sur ses albums post Oceanic). Alkalys nous épargne également toute tentative de chant clair et on les en remercie chaleureusement : les cris gutturaux** qui au contraire parsèment avec parcimonie les cinq compositions d’A Pack Of Lies arrivent toujours au bon moment, n’en rajoutent jamais trop et sont toujours au service d’une musique lourdement rampante et étagée avec un certain talent. On apprécie également énormément la trompette qui rehausse Inferno Black Cloud d’un parfum inhabituel.

Alkalys n’est donc pas le groupe qui va révolutionner votre façon d’appréhender la musique : tout ce passe au contraire au niveau de ressenti, du dynamisme sombre et de l’énergie inexorable déployés par un groupe au caractère convaincu et qui sait également se donner les moyens d’être convaincant. A Pack Of Lies est en outre emballé dans un très beau digipak (avec poster) et a été publié par Basement Apes Industries. Du même groupe on ne peut également que vous conseiller le deuxième album, Choeur Delys, ne serait-ce que pour ce Main Courante, un titre vraiment magnifique avec des sonorités dont on finit par ne pas savoir s’il s’agit d’une guitare en mode éplorée ou de l’intervention d’un violon électrique.

* et non, je fais exprès de ne pas citer Neurosis, lesquels viennent d’ailleurs d’annoncer qu’ils étaient de retour en studio avec Steve Albini pour enregistrer un nouvel album
** trois invités se partagent le chant : la formation initiale d’A1lkalys consiste en un trio guitare/basse/batterie et de fait sa musique est majoritairement instrumentale

C'est 2012 et on s'emmerde

2012-01-01T00:00:00.001+01:00

Et oui, déjà une nouvelle année qui s’achève et une autre qui commence mais on est toujours là, vivants, agonisants ou fatalistes – je ne sais pas.

666rpm repart également (mais en chevrotant) pour une nouvelle tournée générale de chroniques, de reports et de photos floues… On va se borner à parler uniquement musique mais avouez qu’elle ne fait pas bien envie, cette nouvelle année 2012… C’est pour cela que l’on a mis juste au dessus cette formidable affiche signée Seb Radix, une affiche que le monsieur a imaginé en guise de soutien à la cause des petites salles de concert lyonnaises qui en bavent sacrément en ce moment. Tout est là, vous n’avez que lire*.

A demain. On vous promet du très lourd pour ~~bien~~ ~~mal~~ ~~et merde~~ commencer cette nouvelle année.

* ici, là et puis le début de ça.

Pop.1280 / The Grid EP

2011-12-31T00:04:00.003+01:00

Allez, pour en finir rapidement avec cette formidable année 2011, parlons un peu d’un disque paru à l’automne 2010 – on n’est plus à une contradiction près – sur un label qui a réussi à faire beaucoup parler de lui en publiant des disques décevants (The Men), dispensables (Slug Guts) ou bien même des disques dont on a carrément rien à faire ici (Zola Jesus), j’ai nommé Sacred Bones records.

Le disque en question est le Grid EP de Pop.1280 et si j’en parle maintenant c’est pour trois raisons essentielles : premièrement ce maxi de six titres me donne presque envie de remuer mon popotin ce qui, les années passant et les kilos n’aidant pas, relèverait presque de l’exploit ; deuxièmement, en dépit de son côté vas-y comme je te pousse, The Grid EP se révèle être un bon petit disque, certes plus récréatif et divertissant qu’attachant ; troisièmement et conséquence logique de tout ça, Pop.1280 et The Grid EP donnent enfin un semblant d’intérêt au catalogue tristounet de Sacred Bones, il était temps.

Mais commençons par le début et le début c’est ce titre inaugural qui ouvre magistralement la première face, la machine à recourber les bananes Step Into The Grid, son rythme martelé mais dansant (quand on est un robot normalement constitué comme tout le monde), sa guitare post punk qui fait un tout petit peu mal aux oreilles, sa ligne de synthé presque inoubliable qui donne envie d’emballer autre chose que des moules marinières en papillotes et son chant à mi chemin entre l’arrogance fatiguée d’un ébouriffé en fin de ligne de coke et la morgue un brin mordante du crooner qui aimerait bien aller se coucher. Ce chant c’est le principal problème de Pop.1280 : il est efficace mais à la longue il endort un peu, car trop systématique, comme sur Redtube, titre pénible et un rien plombant mais fort heureusement seule exception du disque.

Même dans ses moments les moins bons Pop.1280 ferait passer un groupe comme Frustration pour ce qu’il est réellement, c'est à dire un groupe de tacherons en tenue de travail et The Grid EP, en débit donc de quelques baisses de régime, ne fait pas que lancer quelques promesses en l’air pour attendre qu’elles retombent au sol comme des gros paquets de merde : Pop.1280 pourrait bien être ce que l’on appelle un groupe prometteur, pouvant générer un certain succès d’estime chez les hipsters de l’underground avant que les ayatollahs du bon goût sans saveur ne reprennent le dossier.

Depuis ce disque Pop.1280 a publié un single chez Blind Prophet records, deux titres encore meilleurs que les six de The Grid EP réunis, surtout la face B, dotée d’un Dead Hand très menaçant et presque sale. Il ne faudra pas attendre très longtemps pour savoir si Pop.1280 continuera dans cette veine plus dangereuse ou au contraire ira encore plus loin que Step Into The Grid dans le frenetic dancing : on peut dores et déjà écouter sur internet Bodies In The Dune, un titre de The Horror, le premier album longue durée que Pop.1280 s’apprête à publier en janvier 2012, toujours sur Sacred Bones. Le suspens est insoutenable.

Oxbow – The Luxury Of Empire

2011-12-30T00:07:00.078+01:00

Lorsque j’ai enfin failli parler aux membres d’Oxbow cela a été de manière totalement fortuite et de toute façon cela n’aurait pas été pour leur dire grand-chose. Le groupe tournait pour An Evil Heat qui venait tout juste de paraitre chez Neurot recordings. La date lyonnaise avait lieu au Gourbi, un squat détruit depuis bien longtemps pour laisser la place à un magnifique immeuble d’affaires. J’attendais après la première partie – il s’agissait de Ned qui remplaçait au pied levé The Blues Butcher Club (première version) parce que le guitariste de ces derniers avait eu la bonne idée de se casser un bras – et j’étais vraiment très impatient de revoir Oxbow sur une scène pour déjà la troisième fois. J’ai vu de l’autre côté de la rue cette bande de gamins en train de faire les cons avec mon vélo : je les ai poursuivis, rattrapés, l’un d’eux criait à un autre « c’est le mec du vélo, il va te casser la tête » mais je l’ai choppé facilement, ai expliqué que j’en avais rien à foutre du reste, ils se sont barrés sans comprendre et je suis retourné en direction du Gourbi plutôt content de m’en être sorti de cette façon là. Tout Oxbow était dehors en train de prendre le soleil, ils m’avaient bien regardé, assis devant leur tourvan noir, comme à un spectacle. Lorsque je suis passé devant eux ils étaient tout sourires, Eugene Robinson a commencé à me demander quelque chose, je n’ai rien compris, j’étais encore énervé, il a répété, j’avais l’air d’un con avec mon vélo alors je suis allé le plus vite possible le planquer dans un coin du squat pour que tout cela ne recommence pas. Ce jour là Oxbow a donné l’un des deux meilleurs concerts que j’ai jamais vus du groupe. J’étais littéralement heureux.

La seconde fois c’était au Sonic, pour la tournée suivant la parution de The Narcotic Story, à l’été 2007. J’étais arrivé terriblement en avance, tellement en avance que Niko Wenner se détendait sur le pont de la péniche en gratouillant sa guitare acoustique. Il répondait aux bonjours de tous ceux qui passaient devant lui. A l’intérieur il n’y avait encore personne, les portes n’étaient même pas censées être déjà ouvertes et Eugene Robinson installait consciencieusement le marchandising du groupe. Je me suis alors précipité vers lui, ai tout de suite acheté un exemplaire de The Narcotic Story en baragouinant avec une grosse boule coincée au travers de la gorge que je l’écoutais en streaming sur le site d’Hydra Head depuis déjà plusieurs semaines et que je l’aimais beaucoup. En guise de réponse j’ai eu droit à un immense sourire blindé de dents blanches et carnassières et Eugene Robinson, oui le chanteur d’Oxbow, a commencé à vouloir bavarder avec moi – comme d’habitude je n’ai rien compris et j’ai tout fait pour fuir, rapidement, le plus loin possible de lui. Ce jour là Oxbow a donné l’un des deux moins bons concerts que j’ai jamais vus du groupe. J’étais un peu déçu mais toujours heureux.

Et donc, lorsque le DVD d'Oxbow – The Luxury Of Empire est arrivé dans les locaux de la rédaction de 666rpm, je n’ai pas attendu pour le visionner. Je l’ai fait tout de suite, terriblement impatient, presque affamé.

Pourtant je n’ai pas vraiment changé d’avis à propos de la plupart des DVD musicaux. Les reportages complaisants racontant aux fans d’un groupe comment est né celui-ci, comment il a gravi un par un les échelons du succès – ce qui est très éloigné de la réalité d’Oxbow –, comment il est forcément devenu le groupe le plus important de tous les temps et comment ces mêmes fans sont très exactement en train de se faire arnaquer pour découvrir une histoire qu’ils connaissent pourtant par cœur, (oui mais cette fois-ci la « découverte » se fera en 5.1) ? Je déteste ça. Encore plus que les DVD qui retracent des concerts – les rares exceptions concernent les groupes en activité alors que j’étais à peine né ou en âge d’être passionné par autre chose que la musique.

Oxbow – The Luxury Of Empire est la parfaite antithèse de ce genre de bouillasse marketing et est très nettement supérieur au commun des DVD avec son très beau reportage signé Mariexxme, un tour diary plus anecdotique par le propre sonorisateur d’Oxbow en bonus ainsi que l’intégralité du concert donné par Oxbow en novembre 2009 à La Maroquinerie de Paris, à nouveau filmé par Mariexxme.
Plus que tout, Oxbow – The Luxury Of Empire (on désignera désormais ainsi le seul reportage principal du DVD) remplace toute forme de complicité baveuse, arrangée et marketée par quelque chose de bien plus noble et de bien plus distingué et qui se passe de commentaires acerbes : on est complètement dans le registre justifié et assumé de l’admiration profonde et de la fascination. Sans aucun doute parce que, voilà, Oxbow est réellement un groupe à part et que ce DVD n’est pas là pour prouver quoi que ce soit mais bien pour nous faire partager quelque chose de différent.

Il y a tant de choses que je ne sais donc pas, que je n’ai jamais osé demander au groupe après un concert, alors que d’autres y allaient et que les musiciens – pourtant épuisés – acquiesçaient à toutes les sollicitations, Eugène Robinson en tête. The Luxury Of Empire y répond très partiellement et la réussite de ce documentaire provient essentiellement de sa sobriété : interviews plongées dans la pénombre, on n’entend jamais les questions de l’intervieweur, seulement les réponses des membres d’Oxbow, pas d’effets numériques à la con ni de son méga surgonflé, montage simple et jamais racoleur. Une sobriété et un calme qui claquent violemment avec les extraits de concerts et le groupe en action, sur scène, en pleine ascension émotionnelle.

Le reportage de Mariexxme possède ainsi l’immense qualité de pallier à la frustration que les peine-à-jouir dans mon genre peuvent éprouver par manque de proximité avec un groupe que pourtant ils admirent. Oxbow fascine, attire et, en même temps, Oxbow fait toujours peur. Mais, et c’est très important, The Luxury Of Empire distille aussi suffisamment d’ombres, de mystères, de propos obscurs – on n'y comprend strictement rien à cette leçon de symbolisme appuyée par l’exemple des nombreux tatouages d’Eugene Robinson –, de pudeur et de retenue de la part des musiciens du groupe pour que le moteur à fascination (encore elle), mu par ce simple tour de manivelle, reparte pour une nouvelle période indéterminée.
Le documentaire est en outre (très bien) sous-titré en français et les interviews confirment aisément deux autres choses : premièrement les gens d’Oxbow sont selon les moments disponibles, avenants, malades, fatigués, tendus, sympathiques, déplaisants, en colère ou insatiables mais ils ne sont jamais indifférents ; deuxièmement ils ont une idée très supérieure de leur musique – ce n’est pas de la prétention mal placée, ils expliquent seulement (surtout Niko Wenner) que ce à quoi ils veulent aboutir, ce qu’ils ont toujours voulu faire, est quelque chose de très difficile, de très exigent et de très ambitieux, qu’ils y arrivent peut être à peine aujourd’hui (les interview datent de 2009).

Still Before, le journal de tournée que Manuel Liebskind a filmé à l’aide de son téléphone portable, a le mérite d’apporter quelques détails du quotidien, toujours avec beaucoup d’humour, souvent de façon impromptue – comme ce passage où on découvre Marie qui explique aux quatre Oxbow qu’elle veut faire un documentaire sur eux, comment elle voit les choses, ce qu’elle propose au groupe, les regrets à propos de l’épisode du concert lyonnais avec sa sono terriblement déficiente et ses sleepings jugés inappropriés (cet épisode se finira à l’hôtel) ou les retrouvailles sur une aire d’autoroute entre Oxbow et Lydia Lunch alors en tournée avec Big Sexy Noise. Quant au concert d’Oxbow à la Maroquinerie, il ne fait que confirmer une seule chose, déjà mentionnée un peu plus haut : Oxbow est bien un groupe terriblement à part et définitivement différent.

Le DVD Oxbow – The Luxury Of Empire est disponible sur le site de Mariexxme.

MoHa! / Meiningslaust Oppgulp

2011-12-29T00:03:00.010+01:00

Cet automne MoHa! a publié Meiningslaust Oppgulp, comme d’habitude sur le label Rune Grammofon. Meiningslaust Oppgulp est une excellente compilation de singles et de raretés des norvégiens. Le cauchemar absolu des petits malins qui s’amusent à collectionner absolument tout d’un groupe. Le bonheur pour les autres, ceux qui n’en ont ni les moyens ni forcément l’envie.

Très exactement Meiningslaust Oppgulp regroupe les disques suivants : les deux titres du 7’ Jeff Carey’s MoHa! publié en 2008 par Rune Grammofon, la face MoHa! du split partagé avec Tape That et publié en mai 2009 par Gaffer records, les deux titres d’un vinyle aussi rare (50 exemplaires) que singulier (pressé sous la forme d’un carré de 20 centimètres) et publié en novembre 2009 par le label hollandais Drop Of Blood records, les deux titres du single Kriiskav Valgus paru chez Le Petit Mignon en septembre 2010 et, enfin, les trois titres enchainés du 7’ split avec Horacio Pollard et publié en septembre 2011, à nouveau par Gaffer records. Il ne manque en fait que le single Rock/OFF comprenant des titres enregistrés avec Pål Jackman ou John Hegre de Jazkamer et publié en 2006 par Humbug records mais sans doute ces trois titres ont-ils été omis ici parce qu’il s’agissait avant tout de collaborations.

Une compilation de singles possède donc forcément un côté frustrant mais la liste établie ci-dessus devrait suffire à convaincre que MoHa! ne se fout pas de la gueule du monde avec Meiningslaust Oppgulp. Tout simplement parce que l’ensemble de ces « raretés » représente ce que le groupe a enregistré de mieux ces quatre dernières années, en particulier le génial Kriiskav Valgus – dont le titre Naajlos Ljom ouvre cette compilation comme s’il s’agissait d’un outrage aux bonnes mœurs – ainsi que l’ensemble des morceaux déjà publiés par Gaffer records : très loin devant tous les autres on place aisément Eg Blei Sogen Av Ein Atterganger (le titre du 10’ avec Tape That), un armageddon jusqu’au-boutiste qui se révèle aisément le plus monstrueux et le meilleur du lot avec son incessant ballet de cassures, de silences et de déflagrations, va-et-vient continuel qui semble ne jamais vouloir en finir. On se rapproche précisément là et au plus près de la folie de MoHa! en concert, à la façon qu’a le duo d’insuffler terreur sonique et chaos bruitiste avec une aisance qui confine à la cruauté froide (ce qui est assez troublant vu les têtes d’ange que peuvent se taper les deux musiciens du groupe). Si le côté machine à broyer industrielle et scalpel multidirectionnel de MoHa! vous rebute, évitez donc ce Blei Sogen Av Ein Atterganger ; si au contraire toute cette violence musicale vous fascine et vous électrise, l’acquisition de cette compilation est largement plus que nécessaire, d’autant que tout le reste – sans aucune exception – est d’un excellent niveau. MoHa! a toujours pris grand soin lors de la conception de ses différents singles et, assez paradoxalement, alors que les albums du duo peuvent finir par lasser sur toute leur longueur, Meiningslaust Oppgulp est une compilation nettement plus digeste et passionnante que les dits albums, alors qu’elle dure presque plus longtemps – seule exception, peut être : l’album Norwegianism en 2007, un disque qui pour l’instant reste le chef-d’œuvre incontesté et incontestable de MoHa!.

Coliseum / Parasites

2011-12-28T00:07:00.005+01:00

Coliseum reste sur Temporary Residence pour la parution d’un Parasites EP dont on n’attend strictement rien d’extraordinaire. Soyons clair, l’album précédent, le miteux House With A Curse, avait tellement donné à rire (à ses dépens bien sûr) que l’idée d’un nouveau disque de Coliseum ne nous effleurait même pas plus que ça.

Il y a des choses qui ne changent pas beaucoup avec le groupe de Louisville, entre autres la voix de stentor enroué de Ryan Patterson – ancien National Acrobat – et une certaine propension à appuyer sur l’accélérateur et à foncer dans le tas. On pense même pouvoir reconnaitre une sorte de tête de mort (l’imagerie préférée du groupe) dans ce ver gluant qui s’étale visqueusement sur la pochette d’un orange et d’un vert fashy comme les rollers que mes parents m’avaient offerts pour mes 10 ans, à ma période disco.

Mais qu’en est-il des velléités de Coliseum à adoucir sa musique jusqu’à singer les pires travers des groupes américains œuvrant dans le punk burné poppy voire emo ? Parasites a été enregistré par J Robbins (de Jawbox et Burning Air Lines et désormais dans Office Of Future Plans) et ça, ça ne présage vraiment rien de bon. Premier point : malgré ses huit titres, Parasites est bien un EP, puisqu’il ne dépasse même pas la vingtaine de minutes. Deuxièmement : Coliseum a retrouvé tout son mordant, surtout sur les quatre titres de la deuxième face du disque, titres qui pétaradent sec. Troisièmement : le trio a bien enregistré et analysé les erreurs d’un passé récent et, puisqu’il veut continuer à rendre sa musique de plus en plus mélodique et conviviale, il le fait désormais avec infiniment plus de classe et de discernement. Le résultat ce sont des titres comme l’irrésistible Waiting (Too Late), un véritable hymne post hardcore – post hardcore dans le sens de la fin des 80’s/début des 90’s, pas le truc ralenti des années 2000 –, ou comme l’enchainement imparable constitué par The Fiery Eye/Ghost Of God. Des titres qui n’ont rien à envier aux maîtres du genre, de Jawbox justement à Rites Of Spring. On n’en revient même pas d’une telle réussite, headbanging soutenu d’un sourire crétin garanti.

C’est tellement bon de se réconcilier avec le groupe qu’on finit même par apprécier davantage la première face de cet EP – très clairement chargée des nouvelles orientations prouto-emo de Coliseum – à la seconde, presque systématiquement symptomatique du Coliseum d’antan, celui du EP Goddamage ou de l’album No Salvation. Seul Give Up And Drive fait la jonction entre les deux pôles d’attraction du groupe et clôt magnifiquement Parasites, en fin de programme. Désormais Coliseum semble bien avoir trouvé et conforté sa nouvelle place avec cet enregistrement plus que bien mené, finalement il ne faudra considérer son prédécesseur House With A Curse que comme un bête disque de transition.

Ceremony / Covers EP

2011-12-27T00:08:00.011+01:00

Il y a un mystère Ceremony… Rohnert Park – du nom du bled d’où sont originaires ces jeunes gens et le titre de l’album que le groupe a publié en 2010 – oscille entre hard core criard/anarcho-punk et slacker pop ou même power pop façon Dinosaur Jr et ce sans aucune transition. Mais qu’est ce que c’est que ce groupe ? Qu’est ce que c’est que ces mecs ? Le pire – si on peut s’exprimer ainsi – c’est que voilà un mélange détonnant qui fonctionne parfaitement et on ne pourrait pas imaginer ce disque sans ces deux aspects pourtant diamétralement opposés. C’est ça le mystère Ceremony – bien plus que le côté très éclectique du groupe –, cette faculté à savoir transformer en identité propre, pertinente et presque logique ce qui aurait pu passer que comme une incongruité sans lendemain, voire une lubie à oublier vite fait bien fait, et d’y être parvenu sans avoir recours aux subterfuges de je ne sais quelle fusion à la va-comme-je-te-pousse pour connards bariolés.

Tentons donc de dissiper ce passionnant mystère, ce qui pousse Ceremony à enchainer un Moving Principle virulent avec un The Doldrums (Friendly City) en mode Pavement et, pour ce faire, aidons-nous de ce Covers EP publié cette année par Bridge Nine, comme la plupart des autres enregistrements du groupe*. Pour une fois, je vais être honnête : on n’y arrivera pas. On n’arrivera pas à déterminer le pourquoi du comment du parce que, même si on avait bon espoir avec ce bien nommé disque de reprises. Cela ne sert à rien. Les gens Ceremony se moquent complètement de nous, ne veulent rien nous dire mais continuent de nous avoir avec leurs drôles de disques. Et ils aiment ça. A tel point que le groupe en rajoute une bonne couche : Covers EP ne comprend fort logiquement que des reprises – six au total – mais, comme cela ne semblait pas suffire, les petits gars de Ceremony ont imaginé une pochette sur mesure, un inventaire de tous les groupes qu’ils ont déjà où qu’ils aimeraient un jour reprendre. Ça commence par Devo, ça se termine par Tommy Dorsey (qui ça ?) et au milieu de cette liste il y a des dizaines (centaines ?) de noms… on en trouve quelques uns de complètement effarants tels que Happy Mondays ou Erasure, on y trouve également des choses que l’on aime bien ici mais qui n’ont aucun rapport avec le reste (Big Black, Cro-Mags ou My Bloody Valentine) et enfin il y a des noms qui semblent avoir un peu plus de rapport avec le côté punk de Ceremony (Crass, Rudimentary Peni et Youth Of Today).

Voilà. Sur Covers EP Ceremony reprend superbement Urban Waste, les Pixies, Crisis, Eddie A The Subtitles, Vile et Wire. Le choix du titre de Wire est un peu convenu (puisqu’il s’agit de Pink Flag), par contre on s’émeut à chaque fois de cette splendide version du Holocaust de Crisis – le groupe ultra marxiste de Douglas Pierce et de Tony Wakeford avant qu’ils ne fondent un Death In June jouant lui sans vergogne avec l’imagerie nazie. C’est tout ce que l’on vous dira de ce disque. Ah non : Covers EP est un 12’ monoface en vinyle transparent et sa face muette est sérigraphiée d’un dessin représentant des roses en salade. Une preuve supplémentaire du côté arty (mais pas chiant) d’un groupe vraiment hors du commun.

* toutefois fois le prochain, un single annoncé pour le mois de janvier 2012, sera publié par Matador records – un album devrait suivre au printemps

Aids Wolf / Ma Vie Banale Avant-garde

2011-12-26T00:07:00.007+01:00

On s’était plus ou moins réconciliés avec Aids Wolf. Ce n’est pas que l’on était réellement fâchés mais les deux précédents disques du groupe, les EP Dustin' Off The Sphynx et surtout March To The Sea, avaient à la fois l’avantage certain d’une durée assez courte et celui d’un niveau pas trop trop dégueulasse, pour un groupe de suiveurs pétomanes, question pompage d’Arab On Radar. Jusqu’ici Aids Wolf remplissait tant bien que mal le trou béant laissé par les maîtres de Providence – sauf que, maintenant, il va falloir composer avec Doomsday Student, le nouveau super-groupe des anciens Arab On Radar… Le EP, le single, le truc qui dure moins de sept minutes chrono par face c’est donc ce qui convenait le mieux à Aids Wolf et le groupe ne prenait ainsi pas le risque de perdre son peu de spontanéité et ne risquait pas non plus de trop ennuyer ou agacer l’auditeur (quoique…). Jamais on ne vous conseillera ici d’écouter les vieux albums d’Aids Wolf, à moins de vraiment vouloir faire chier votre entourage ou de les saucissonner – les disques, pas les personnes de votre entourage – avec une machine à mp3 et de n’en garder que la substantifique moelle, c'est-à-dire jamais beaucoup plus de deux ou trois titres par galette.

C’est donc avec un effarement certain que l’on a appris qu’Aids Wolf publiait en octobre 2011 un double LP sur le label Lovepump United. Non mais quelle idée… Ma Vie Banale Avant-garde est un vrai double album, c'est-à-dire qu’il dure largement plus d’une heure. Ce disque est-il donc le cauchemar et l’horreur annoncée ? Oui, pas loin. Mais pas tout à fait. Et d’abord, il convient de faire un rectificatif : on a dans de précédentes chroniques à propos d’Aids Wolf beaucoup fait référence à Melt Banana et on se demande aujourd’hui un peu pourquoi – parce que c’est aussi une fille qui y chante façon furie ? Il est évident que plus Aids Wolf enchaine les disques et plus ceux-ci sont chaotiques, bordéliques et de moins en moins axés sur ne serait-ce qu’un semblant de mélodie (même hystérique) ou de construction – exit donc la référence au groupe de Yasuko Onuki et Agata. Question amour de la musique, Aids Wolf aurait pu faire illusion dans le passé mais ce qui intéresse plus que jamais le désormais trio* c’est l’explosion finale, le grand soir du n’importe quoi et le chaos no wave/noise le plus complet. On devrait être contents ? D’une certaine façon, et paradoxalement, oui. Dans un mauvais jour comme celui-ci (ou comme celui-là : les mauvais jours, ce n’est pas ce qui manque en ce moment, alors fais ton choix camarade), la mixture d’Aids Wolf est un formidable évacuateur de merde.

Que cela ne dure pas, on peut s’en douter, et c’est pour cela que les quatre faces de Ma Vie Banale Avant-garde finissent en supplice. Aids Wolf marque le pas, s’enlise et a choisi pour son nouveau disque d’alterner titres à peu près lisibles et bouillasses expérimentales que l’on imagine très largement improvisées. Une construction très binaire de Ma Vie Banale Avant-garde qui ne fait qu’en accentuer les ficelles comme les faiblesses. Et pourtant… ce ne sont pas forcément les titres les plus évidents que l’on préfère ici, les « impros » à bordel tirant souvent leur épingle du jeu. Contradiction ? Ambivalence ? Oui tout à fait. Avec Ma Vie Banale Avant-garde Aids Wolf a en quelque sorte réussi un drôle de petit exploit : le disque rebute, sa longueur et ses facilités agacent mais on y revient, pas tous les jours ni très souvent, mais on y revient. On ne parlera pas non plus de fascination mais d’une certaine addiction. Aids Wolf est un groupe que l’on peut finir par aimer et, surtout, c’est un groupe dont on découvre qu’on aime le détester… Ma Vie Banale Avant-garde se referme comme un piège, éreintant, et on l’accepte. Jusqu’à la prochaine fois.

* on confirme que Aids Wolf ne sont plus que trois : le groupe a perdu un guitariste, celui qui reste joue avec un double système d’amplis

René Binamé / The Leipzig Band Battle Session

2011-12-25T00:01:00.024+01:00

C’est dimanche et on s’emmerde. C’est dimanche et en plus… en plus vous avez vu quel jour on est exactement ? Oui, c’est Noël. Alors 666rpm va faire un suprême effort pour conjurer le mauvais sort et tenter d’amuser les enfants et les petits vieux : cela fait plusieurs mois que nos services Loisirs Faciles & Indécence Partagée ont reçu un exemplaire en vrai et en dur du LP de René Binamé, un LP intitulé The Leipzig Band Battle Session. Ici, on se demandait sérieusement ce que l’on allait bien pouvoir faire et surtout dire d’un tel disque. Quoi ? Vous ne connaissez pas René Binamé ? Moi non plus, enfin pas vraiment… disons que durant les longues années pendant lesquelles j’ai été plus ou moins obligé de côtoyer des post-alternos cynophiles et amateurs de chansonnettes, j’ai tout fait pour éviter le sujet.

Mais comme je ne suis absolument pas contre les tests en laboratoire sur des animaux vivants, j’ai décidé de faire écouter The Leipzig Band Battle Session à ma progéniture, sans la prévenir de quoi que ce soit, bien évidemment. Ce disque sera mon disque de Noël pour toute la famille ou ne sera pas. Mais avant une précision importante : The Leipzig Band Battle Session est constitué uniquement de reprises, suite à un pari/concert où le groupe s’était vu imposer une playlist de/pour débiles. Voilà qui pourrait être amusant. Un rapide coup d’œil sur les titres enregistrés par René Binamé en studio une fois la grosse poilade du concert terminée ne m’apprend pourtant pas grand-chose, heureusement qu’après la mention des titres repris a été rajoutée celle des groupes ou chanteur qui les avaient originellement interprétés : Donna Summer, Gloria Gaynor, Elton John, Samantha Fox… que du très (très) lourd.

Curieusement le disque est divisé en deux : la première face comporte surtout les titres les plus rapides et la seconde les titres les plus lents voire mélancoliques. Diantre ! A mon sens René Binamé se plante complètement sur cette face B car il est impossible d’être à la fois vraiment drôle et aussi sérieux – et puis quelle idée de reprendre Princess Of The Dawn d’Accept alors qu’il y a tant d’autres hymnes incommensurablement bouseux chez ces teutons retardés ? Et même plus, pourquoi ne pas avoir carrément repris du Judas Priest ou – encore mieux – du Mötley Crüe (je rappelle qu’aujourd’hui c’est dimanche et qu’en plus c’est Noël) ? On passe également sur Enola Gay, fausse bonne idée par excellence. En début de face A, Could It Be Magic ratisse quelques suffrages et en fermant les yeux on y verrait presque une ramonade. Je survivrai* et I’m Still Standing (mouhaha hahaha, j’avais complètement oublié ce clip de merde, vive les années 80) suivent à peu près le même chemin mais pas La nuit de ce cher Adamo ni Quand Revient La Nuit de qui-vous-savez. A croire que le mot « nuit » ça ne fait pas très fêtes de fin d’année.

[…]

Bon, maintenant, il faut que je dise enfin toute la vérité : je n’ai jamais eu aucun penchant pour les dindes. Et même, je n’ai jamais eu aucun humour. Je remercie évidemment le label de m’avoir envoyé The Leipzig Band Battle Session en même temps que l’album In Case Of Fire Break Glass de Two Pin Din, mais franchement ce n’était pas la peine.

Mais parce qu’aujourd’hui c’est dimanche et qu’on s’emmerde, parce qu’aujourd’hui c’est aussi nowel et que c’est encore pire, pour mettre un peu de baume au cœur de toutes celles et tous ceux qui soutiennent René Binamé depuis des années contre l’avis négatif du premier crétin venu doté d’un ordinateur, d’une connexion internet et qui en plus se prend pour un critique d’art, pour contrebalancer cet avis éminemment défavorable et pour égayer provisoirement l’avenir de millions de familles qui arrivent encore à se tenir chaud entre elles au sein d’un douillet foyer en attendant les effets du chômage de longue durée, de la banqueroute alimentaire ou de la fin du monde, je laisse la parole à ma plus jeune collaboratrice au sein de l’équipe rédactionnelle de 666rpm, spécialiste depuis un peu plus de six ans de la vraie vie en rose : « René Binamé c’est très mauvais mais c’est aussi super rigolo ». OK. Sans rancune.

* mais pas trop longtemps, hein…

Aidan Baker / Lost In The Rat Maze

2011-12-24T00:05:00.015+01:00

Lost In The Rat Maze, publié par le label Consouling Sounds, est peut être bien le 67^ème enregistrement officiel d’Aidan Baker en moins de cinq années. Au niveau quantitatif, tout va donc pour le mieux : le canadien continue d’abreuver ses nombreux fans d’incessantes parutions de disques enregistrés en solo et à la chaîne. Cela fait des mois (des années ?) que l’on ne sait plus où donner de la tête et ici, on a un peu renoncé à tout vouloir écouter – à défaut de tout chroniquer – de la production pléthorique du monsieur. L’équation redite + lassitude + allez voir ailleurs si j’y suis a fini par gagner. De temps à autre on jette pourtant une oreille sur un nouveau disque, une nouvelle réédition ou une énième collaboration mais on ne le fait que par pure politesse envers un passé plutôt glorieux et pas si ancien que cela, ce n’est même pas la curiosité qui nous pousse à agir ainsi. Misère. Au passage, vous aurez sûrement aussi remarqué que Nadja – le jadis splendide groupe d’Aidan Baker et de Leah Buckareff – tourne désormais plus ou moins au ralenti : contrairement à Aidan Baker en solo, le duo a en effet sensiblement levé le pied question enregistrements, a passé le plus clair de deux dernières années à ne publier que des collaborations et il prend doucement le chemin d’un oubli ému mais fatal.

Ce n’est pas avec Lost In The Rat Maze que l’on va pouvoir se rattraper. Tout Aidan Baker y est ou presque et cette nouvelle fois est encore une fois de trop. Piano fantôme, chant de Droopy imitant sous l’eau les cris de détresse d’une meute de baleine dépressives, flutiaux désespérants, batterie ultra minimale (tenue par le propre frère d’Aidan Baker, Richard, ils jouent également ensemble au sein de Arc), guitare étirée à la loop station, pop tellement minimaliste qu’elle en devient inexistante, shoegaze du pauvre, ambient de l’ennui, drone sans vibration… la liste de tout ce qu’Aidan Baker a à nous proposer est aussi longue que fastidieuse, accablante que sans saveur. Le musicien a su parfois nous étonner*, se servir de ces mêmes éléments pour en sortir quelque chose d’intéressant or Lost In The Rat Maze ne débouche sur rien si ce n’est sur la certitude qu’on ne réécoutera pas un disque d’Aidan Baker de sitôt. Où alors il faudrait un miracle.

* et cela peut encore lui arriver, comme sur ce Green Figures tout récemment évoqué et publié par l’excellent label Basses Fréquences – d’une manière générale on pense pouvoir affirmer que sur tous les disques d’Aidan Baker publiés par Basses Fréquences, il n’y en a strictement aucun à jeter

Shield Your Eyes / Volume 4

2011-12-23T00:07:00.009+01:00

Avec une belle constance, Shield Your Eyes publie Volume 4, le quatrième album studio du trio en 4 ans. On reconnait que Volume 4 n’est pas un choix de titre qui brille par son originalité mais, honnêtement, il s’agit bien là du seul petit défaut que l’on pourrait trouver à ce disque. Stef Ketteringham – chanteur/guitariste rouquin et survolté – avait annoncé à qui voulait bien l’entendre que ce nouvel album serait de loin le meilleur de toute la discographie de son groupe. Un peu de fanfaronnade cela n’a jamais fait de mal à personne, surtout lorsque ce qui est initialement annoncé se révèle vrai sur toute la ligne : Volume 4 est bien le meilleur disque de Shield Your Eyes en ce sens qu’il est le plus complet, le mieux écrit, le plus diversifié, le mieux enregistré et sûrement aussi le plus inspiré.

On avait pu regretter avec les disques précédents du trio un petit manque à l’écoute du résultat – Shield Your Eyes, malgré des efforts évidents, étant toujours meilleur en concert que sur disque. Volume 4 permet au groupe d’obtenir enfin un résultat satisfaisant. Est-ce parce que le bassiste Nick Bavin est toujours à son poste alors que tous ses prédécesseurs n’y avaient jamais fait long feu ? Est-ce parce que les londoniens sont allés s’isoler pendant une dizaine de jours à la fin de l’hiver 2011 au Norfolk Hotel, sur l’île de Jersey, pour l’enregistrement du disque ? Capté en prise directe et en live dans la grande salle du restaurant de cet hôtel, Volume 4 sonne miraculeusement bien* : on y retrouve toute l’intensité de Shield Your Eyes en concert et on touche également au plus près les subtilités et les finesses de sa musique.

Celle-ci n’a pas beaucoup évolué depuis Theme From Kindness, le troisième album du groupe, mais Volume 4 en accentue encore davantage les particularités et les raffinements. Et ceux-ci sont plus que nombreux. On avait l’habitude de connaître Shield Your Eyes sous un angle parfois très noise rock avec des compositions débridées emmenées par la voix éraillée et le jeu tordu de Stef Ketteringham à la guitare ainsi que par le jeu proprement hallucinant du batteur Henri Grimes, toujours entre puissance de frappe et équations différentielles. On retrouve cet aspect à la fois très frontal et biscornu sur nombre de titres de Volume 4 (l’inaugural Larkspur, Tryna Lean A Ladder Up Against The Wind et Brno), aspect soutenu par des lignes de basse qui s’entendent et donnent plus de groove à l’ensemble. Mais on note nombre de titres plus lents, plus posés, toujours dotés de mélodies tordues, parfois proches d’un blues émotif (Drill Your Heavy Heart et Until I Find A Natural Way), d’autres fois faisant plus que flirter avec une certaine élégance pop (You Merit High Hopes a même un côté emo-punk certain**).

Phénomène qui s’amplifie également de plus en plus chez Shield Your Eyes : les titres acoustiques. Et on n’aurait jamais cru que ceux-ci puissent autant élever la musique du groupe en direction du sublime, à l’image du vraiment très beau Glad, alors que Crowd joue plus la carte de l’intimé rassurante. Dernier titre du disque, Schutze Deiner Augen est quasiment un vrai blues – chant et guitare uniquement –, un blues à la fois fort reconnaissable et en même temps dévoyé par cette façon très spéciale qu’ont le chant et la guitare de partir en vrille, de se contorsionner et de retomber débout sur leurs pattes, tels deux félins facétieux. Shield Your Eyes a définitivement gagné ses galons avec ce magnifique Volume 4.

C’est Function records – le même label que Nitkowski – qui a publié ce disque et comme pour le Stay In The Home You Love de leurs petits camarades, le Volume 4 de Shield Your Eyes est un combo LP + CD agrémenté d’un superbe livret de 16 pages avec moult belles photos de l’enregistrement dans cet hôtel de l’île de Jersey.

* ajoutez à cela un mastering signé James Plotkin et vous aurez tout compris

** je ne sais toujours pas si c’est une référence voulue ou pas mais Shield Your Eyes est à l’origine une chanson de Jawbreaker (premier titre de l’album Bivouac, en 1992)

Biosphere / N-Plants

2011-12-22T00:05:00.022+01:00

Sans compter les disques de remixes/réinterprétations ou les bandes originales de films, N-Plants est le neuvième enregistrement de Geir Jenssen sous l’alias de Biosphere. C’est malheureusement aussi le plus décevant de tous.
On peut être totalement insensible à l’esthétique molle de cette musique électronique œuvrant principalement – mais pas que – dans le domaine de l’ambient et ne s’interdisant aucune référence au monde de l’eau froide, des icebergs et des cercles polaires sans oublier quelques relents écolos bon teint voire même new-age. Mais on peut également reconnaitre à Geir Jenssen/Biosphere un sens très poussé dans cette esthétique sonore qu’il a principalement créée – on pourrait parler aussi de Thomas Koner mais si les influences des deux hommes peuvent être assez similaires, les résultats obtenus sont vraiment très différents.

Il n’est donc pas très étonnant que Biosphere ait atterri chez Touch, label spécialisé en musiques électroniques expérimentales mais pas trop, du moins pas suffisamment pour faire peur ou même déranger. En matière de techno intelligente, d’electro à bulles, de vaporisations glacées, de trips sous LSD au pays de Nanouk l’Esquimau ou de déambulation au milieu de forêts sombres et humides, on préfèrera finalement quelqu’un comme Wolfgang Voigt/Gas et ce pour deux raisons essentielles et indiscutables : premièrement la musique de Gas n’a jamais eu aucun scrupule à donner envie de danser à l’auditeur ; deuxièmement Biosphère finit par tourner rapidement en rond et s’auto-contempler – objection votre honneur : l’auto-contemplation et l’enfermement ombilical sont les deux caractéristiques essentielles des musiques électroniques dites évoluées. Oui, bon… si on veut, objection retenue. Mais on n’enlèvera pas de l’esprit de l’accusation que Biosphere est ce que l’on appelle poliment un second couteau, un second couteau avec un petit talent et que l’on aime certes retrouver au fil d’albums éparpillés sur déjà 20 années.

N-Plants a une thématique assez différente dans la discographie de Biosphere. « N » comme « nuclear » et « plants » comme ces végétaux ou algues parasites et friands de radioactivité qui poussent à proximité des centrales nucléaires : Geir Jenssen s’est ainsi interrogé au sujet des nombreux sites qui au Japon bordent les côtes, à la merci des raz-de-marée ou qui sont situés sur des zones à activité sismique intense. Le truc c’est que ces questions, notre homme se les est posé avant le séisme du 17 mars 2011 et la destruction de Fukushima, jouant en quelque sorte les cassandres, prédisant un avenir sombre et catastrophique. L’album a été achevé en février 2011 et c’est pour cette raison que l’on épargnera relativement N-Plants, pour cette lucidité. Mais celle-ci n’a rien à voir avec le fait de faire de la musique. Et dans le cas d’un titre tel que Monju-1 – à peine plus évolué qu’un tube interplanétaire de Deep Forrest – la pilule reste difficile à avaler. Sur N-Plants Biosphere fait en effet trop souvent preuve d’une incroyable légèreté musicale, se laissant rattraper par la joliesse de chouettes petites mélopées interprétées avec des sons de synthétiseur à la limite de l’affreux. La musique d’ascenseur n’est pas très loin, un ascenseur peut-être plein de bonnes intentions mais un ascenseur quand même. Plus dure sera la chute.

Full Blast & Friends / Sketches And Ballads

2011-12-21T00:09:00.006+01:00

On avait laissé Full Blast – c'est-à-dire le trio composé de Peter Brötzmann, Marino Pliakas et Michael Wertmüller – sur deux albums studio : un premier disque sans titre remettant d’actualité le free jazz 60’s/70’s le plus débridé tout en lui insufflant une bonne dose de blasts et un deuxième, Black Hole, malheureusement moins bon car souffrant d’une production et d’une qualité d’enregistrement trop lisses pour rendre réellement justice à la furie initiale du trio. Full Blast est revenu en force en 2010 grâce à Crumbling Brain, un LP publié par Okka Disk et enregistré en concert. Crumbling Brain possède également cette autre particularité d’accueillir des invités – de fait cet album a été publié sous le nom de Full Blast & Friends – dont quelques noms prestigieux, on se souvient notamment du solo de guitare électrique complètement dément que Keiji Haino a placé sur Pull Up ! Pull Up ! Terrain ! Terrain !

Avec Sketches And Ballads – publié par Trost records – Full Blast est à nouveau de retour avec des invités et à nouveau pour un enregistrement en concert. Les friends du jour se nomment en l’occurrence Ken Vandermark au baryton et à la clarinette, Thomas Heberer à la trompette et Dirk Rothbrust aux percussions. Si on connait très bien le premier, on peut préciser que le deuxième joue avec l’ICP et que le troisième joue ou a joué sur nombre d’enregistrements de musique contemporaine (des compositions d’Helmut Lachenmann par exemple).

La principale nouveauté de Sketches And Ballads se situe pourtant ailleurs : cet enregistrement comporte une composition unique signée du seul Mickael Wertmüller. Et cela s’entend. Sketches And Ballads démarre en effet sur une courte intro/pilonnage à la batterie, Wertmüller y démontre toute sa capacité à enchainer les explosions, roulements de caisse claire et de toms, et il maîtrise toujours aussi parfaitement la technique de la double pédale, comme au bon vieux temps d’Alboth!. Il en profite ainsi pour en mettre un peu de partout dès que l’occasion lui en est donnée. C’est ce qui rend Sketches And Ballads aussi binaire, alternance de moments furieux drivés par une batterie de malade et passages très calmes et quasiment inévitables pendant lesquels presque chaque musicien place son solo – celui de Thomas Heberer à la trompette à la 18^ème minute est vraiment magnifique.

L’exposition des différents « thèmes » révèle en début de disque un travail assez fin en matière de composition et d’arrangements, avec des dialogues intéressants entre les musiciens, mais cela ne dure pas vraiment : les passages collectifs prennent le dessus, virent régulièrement à la démence, plusieurs solistes en même temps, dans la droite lignée de ce que Brotzmann a quasiment toujours fait ou du Global Unity Orchestra d’Alexander Von Schlippenbach. L’effort de composition est donc rattrapé par le free, le free est boosté par le jeu de Wertmüller et en conséquence on obtient une pièce de 36 minutes entre sophistication appuyée et sauvagerie débridée.

Black Cobra / Invernal

2011-12-20T00:03:00.016+01:00

Black Cobra n’est pas à proprement parlé un groupe de poètes mais on va finir par le regretter. Invernal est le quatrième album du duo – le deuxième pour Southern Lord – et a été enregistré et mixé par Kurt « je casse tout ce que je touche » Ballou, le guitariste/sorcier/producteur de Converge. Il n’y a pas que la laideur proverbiale de ses artworks qui soit une constante chez Black Cobra : d’album en album le groupe n’a en effet que peu voire même pas du tout évolué. Pour parler d’un disque du duo il faut donc se replier sur deux facteurs… premièrement l’estimation subjective du degré d’excellence des compositions ; deuxièmement la qualité même de l’enregistrement et de la production.

Ainsi Chronomega, troisième album et prédécesseur direct d’Invernal, en avait déçu plus d’un à cause de la présence aux manettes de Billy Anderson, lequel avait été accusé d’avoir par trop policé le son du groupe. Rappelons que sur le génial Bestial (2006) et le légèrement en dessous Feather And Stone (2007) c’est un parfait inconnu, Dan Escauriza, qui avait fait office d’ingénieur du son et donné une coloration résolument crade au hard core métallisé de Black Cobra. Malgré toute la propreté induite par le travail de Bill Anderson sur Chronomega, on avait fini par s’y faire et peut être Invernal suivra-t-il le même chemin dans nos cœurs assoiffés de violence gratuite et de sang frais. Mais ça va être dur. Parce que si ce cher Billy avait eu la main un peu lourde question ripolinage sonore, que dire du travail de Kurt Ballou ? Sur Invernal il s’en faut de peu pour que l’on soit d’emblée complètement dégoûté par ce son testostéroné et glacé comme un marron dans le cul d’une dinde de noël – oh oui fais-moi mal mon chéri mais pas trop quand même.
Reste donc le niveau des compositions… celui-ci n’est ni mieux ni pire que celui des albums précédents de Black Cobra mais sans doute que la lassitude n’incite pas à tendre l’oreille plus que ça. Ce qui n’incite pas non plus c’est l’absence d’un ou deux vrais titres lents, lourds et dégueulasses (« sludge » comme ils disent chez les jeunes) comme il y en avait sur Bestial et Feather And Stone et domaine dans lequel Black Cobra excellait pourtant. Il n'y a plus qu’à se farcir un chapelet de bourinades à l’image de cet Avalanche dont les relents thrash ne sont même pas drôles. Heureusement que pendant toute cette débauche d’énergie génératrice de lassitude on peut tout de même admirer la technique du batteur Rafael Martinez et compter les roulements de grosse caisse, wow. Seule exception au milieu de cette surenchère trop bien ordonnée : Abyss, un titre instrumental qui ferait pleurer ma mère.

Enfin il y a un dernier point à aborder : qu’est-il donc arrivé au chant du guitariste Jason Landrian ? Il a toujours mal chanté c’est vrai mais au moins il savait brailler comme un porc et c’est tout ce que l’on peut demander au chanteur d’un groupe tel que Black Cobra. Sur Invernal on n’ose pas croire que l’ami Kurt et sa production maléfique soient les seuls responsables d’un chant aussi plat, convenu, parfois doté d’une reverb totalement merdique et tristement agressive. Véritablement, s’il y a un élément qui fera tomber Invernal dans les oubliettes encore plus vite c’est bien ce chant pas loin d’être calamiteux et qui gâche tout ce qui aurait pu être sauvé par ailleurs.

Doomsday Student / A Jumper's Handbook

2011-12-19T00:01:00.022+01:00

« I have been the guitarist for Arab on Radar for over 12 years. I have devoted my life to making this music. Last year we called it quits due to infighting. The music was insane and so were the people making it. DOOMSDAY STUDENT is a new band created by all of AOR just replacing me. It comes as a slap in the face to me personally to have this fraudulent band playing in the likeness of AOR. This is unjust and should be called out. » - Mr. Clinical Depression. Ce petit texte balancé sur internet en septembre 2011 n’est absolument pas inventé : c’est Jeff Schneider, guitariste d’Arab On Radar, qui parlait ainsi. En résumé on peut expliquer qu’Arab On Radar, reformé comme tant d’autres groupes, n’a pas supporté d’avoir oublié pourquoi il s’était séparé une première fois. La tournée 2010 a capoté au bout de quelques dates seulement, Jeff Schneider a endossé le rôle du connard et les trois autres en ont profité pour monter un nouveau groupe du nom de Doomsday Student, avec un nouveau guitariste en remplacement de Jeff – allez, faut pas pleurer.

Anchor Brain, le label du chanteur Eric Paul, s’amuse à mener les fans d’Arab On Radar en bateau (« You know who these men are. They have been other men. Who they were before does not matter. »*) mais heureusement l’insert de ce A Jumper’s Handbook précise le nom du guitariste nouveau venu : un certain Paul Vieira. On le connait parce qu’il est également le guitariste des Chinese Stars, aux côtés d’Eric Paul et du batteur Craig Kureck – les anciens Arab On Radar ne sont donc pas allés chercher très loin pour remplacer ce salaud de Jeff Schneider. Un instant on a failli imaginer que par jeu le groupe avait lui-même monté cette histoire de toutes pièces, qu’il faisait semblant d’avoir viré Jeff Schneider : c’eût été la blague de l’année, voire de cette dernière décennie consacrée à la reformation et au retour aux affaires de groupes presque inconnus (sauf d’une poignée de fans inconditionnels) comme celui de vieilles gloires ayant passé suffisamment de temps à l’hospice ou à taffer dans des boulots merdiques pour avoir fait oublier leur nullité et leur ringardise initiales.

Si on donne toutes ses précisions c’est pour une seule et unique raison : en écoutant A Jumper’s Handbook ce n’est pas Doomsday Student que l’on entend mais Arab On Radar. Si on préfère : les deux groupes et leurs musiques sont en tout points identiques. C’est la première bonne nouvelle de cette histoire et de ce disque. On peut, onze années après le dernier album d’Arab On Radar, Yahweh Or The Highway, écouter à nouveau un nouvel enregistrement studio du groupe. Doomsday Student c’est la même batterie minimaliste et martelante, les mêmes guitares qui vous transpercent les tympans, le même chant qui raconte les mêmes histoires d’urine et de menstruation, le même minimalisme noise, l’ultime désossage du rock’n’roll et la même frénésie, le tout catapulté en dix titres repartis sur deux faces d’un 12’ qui tourne en 45 rpm. C’est un peu le roi est mort, vive le roi. Et onze années c’est amplement suffisant, donc, pour que l’on ait envie de réécouter cette musique, même enregistrée sous un autre nom de groupe, sans avoir à se plaindre de ses redites – et même si elle n’a pas bougé d’un pouce.

En conclusion, la seconde et dernière bonne nouvelle portée par A Jumper’s Handbook et Doomsday Student pourrait être celle-ci : il est donc possible en cette décennie merdique de business musical rétro-actif qu’un groupe qui se reforme ne puisse pas tenir ses engagements et finisse copieusement par se foutre sur la gueule. Il y a un côté rassurant dans le fait de penser il n’y a pas sur Terre que des musiciens technocrates abrutis et nécessiteux, qu’il y a aussi des merdeux inconstants et suicidaires. Que les Doomsday Student jouent précisément une musique identique à celle d’Arab On Radar est à la fois un immense plaisir et une façon de gâcher ce même plaisir en y instillant le doute car mis à part pour humilier Jeff Schneider, je ne vois pas d’autre intérêt dans cette opération d'auto métamorphose à l'identique. Reste que A Jumper’s Handbook est un petit chef-d’œuvre du genre, si j’écrivais dans un vrai journal dont l’une des méthodes d’appréciation serait de noter les disques, je mettrais 10/10 à celui-ci. Sans hésitation.

* une autre phrase du même goût et à la même signification est également gravée sur chacune des faces de ce 12’ vinyle, au cas où on n’aurait pas très bien compris la subtilité de la conversion d’Arab On Radar en Doomsday Student

Picore / Assyrian Vertigo

2011-12-18T00:07:00.009+01:00

C’est dimanche et on s’emmerde. Alors on écoute Assyrian Vertigo, le troisième album (double) de PICORE… Ah ! j’en vois déjà qui se trémoussent de bonheur rien qu’à l’évocation de ce nom mais je vais me faire un plaisir de les refroidir immédiatement : ce Picore là n’a strictement rien à voir avec le groupe espagnol homonyme mais est lui d’origine tout ce qu’il y a de plus lyonnaise. Il navigue même au sein de la nébuleuse Jarring Effects. Alors ne partez pas, le groupe dont on va vous parler ici et maintenant mérite amplement toute votre attention.

Après un long silence – L’Helium Du Peuple, le deuxième album de Picore, datant déjà de 2006 – le groupe est de retour avec une formation quelque peu remaniée (un batteur/percussionniste en plus) et des idées à revendre. Picore peut en effet se vanter d’une particularité bien à lui : son line-up est assez inhabituel puisqu’il comprend de la guitare, des machines, des voix, des percussions, des instruments à vents (trompette, clarinette)… mais chaque musicien/intervenant au sein de Picore ne se contente pas d’un instrument de prédilection, tout le monde ici s’essaie à un moment ou à un autre à d’autres expériences. Rien n’est fixé, rien n’est formaté, tout reste à faire. Ainsi la musique du groupe devient forcément étrangère à tout référencement ou plus exactement les références se bousculent dans notre tête à l’écoute d’Assyrian Vertigo : il y a de l’indus chez Picore, du hip-hop, de la noise, du post rock, du post punk, de l’électro et sûrement beaucoup d’autres choses.

Avec sa conception très cinématographique, on a même failli écrire cinétique tellement on se sent ici embarqués dans une suite sans fin de mouvements irrésistibles, Assyrian Vertigo est à l’image du groupe qui l’a conçu : riche, varié, étonnant, détonnant, perturbant, inclassable et tout bonnement haletant. Loin d’être un enregistrement unidimensionnel, ce double album n’en finit pas de ravir et de réactiver quelques vieux souvenirs tout en ayant à la fois l’élégance et le talent de ne pas se reposer dessus – certaines parties peuvent faire penser au Bästard de Radiant, Discharged, Crossed-Off, d’autres évoquent irrémédiablement Hint (désormais compagnons de label de Picore depuis qu’ils se sont plus ou moins reformés) et on pense également à tout ce « courant » multiforme qui vers la deuxième moitié des années 90 alliait abrasivité issue de l’indus ou même parfois de la noise avec la répétitivité entêtante d’une musique électronique lourde puisant son venin dans quelques racines dub (cf les compilations Electric Ladyland sur le label Mille Plateaux avec Techno Animal, DJ Spooky, Ice, etc).

Assyrian Vertigo évite toutefois la confrontation systématique et privilégie largement la déambulation, les couloirs secrets, défonce les portes murées et les tours d’ivoire et charcle sévèrement à l’occasion. Il est surtout très inhabituel ces jours-ci de pouvoir enfin écouter un groupe et une musique œuvrant dans l’atmosphérique plombé qui ne fasse pas directement référence aux musiques expérimentales des années 60 et 70. Je dirais même qu’en plus de reposer, cela fait grandement du bien.

Le deuxième disque d’Assyrian Vertigo est un remix complet de l’album : il y a autant d’intervenant qu’il y a de titres. Exercice en général plutôt casse-gueule, cette version remaniée du disque s’en sort plus que pas mal, il faut préciser aussi que le générique comprend quelques grands noms et quelques seconds couteaux de qualité. Evidemment certains n’ont pas pu s’empêcher de faire un peu n’importe quoi (comme Aucan qui fait juste du Aucan c'est-à-dire de l’électro très bas de gamme).

Assyrian Vertigo a été publié en double CD et, depuis peu, en double vinyle par Jarring Effects. Pour les fétichistes on conseillera évidemment le double LP parce qu’il est fatalement très beau et qu’en plus il ne comporte pas les remix (sauf si vous vous servez du coupon mp3 qui va avec…).

Aidan Baker - Kevin Micka / Green Figures

2011-12-17T00:08:00.005+01:00

Il y a tellement longtemps – une année entière ? – que 666rpm n’a pas parlé d’Aidan Baker ou de Nadja, alors qu’il arrivait qu’une chronique mensuelle soit systématiquement consacrée à l’un ou l’autre, que c’est presque comme si on avait laissé passer toute une éternité… Voici quelques uns des disques que le canadien a pourtant publiés (tout seul ou en groupe) depuis plus d’un an et dont notre service Technique de Propagande & Mauvaise Foi Revendiquée n’a même pas osé parler, ne fut-ce que de très loin : Nadja – Autopergamene (Essence Music), Nadja – Sky Burial (Latitudes), Aidan Baker – Songs Of Flowers & Skin (Beta-Lactam Ring records) ou Aidan Baker – Lost In The Rat Maze (Consouling Sound)… Un retard qui ne sera très certainement jamais rattrapé mais tant pis*.

Préférons donc parler de l’actualité d’Aidan Baker puisque celui-ci vient de publier en compagnie de Kevin Micka – beaucoup plus connu sous son alias d’Animal Hospital – et grâce au label Basses Fréquences un album intitulé Green Figures regroupant différents enregistrements en concert. Le 11 novembre 2009 les deux musiciens se trouvaient ainsi à Montréal et Kevin Micka, assurant la première partie d’Aidan Baker, s’est donc joint à ce dernier à la batterie afin d’interpréter quelques chansons du répertoire de canadien : Chainsaw et Machina tirées de l’album Green & Cold alors que l'on peut retrouver Figures dans une version différente sur l’album Blue Figures. Trois titres et une quarantaine de minutes, c'est-à-dire largement assez pour goûter à la pop shoegaze d’Aidan Baker sans s’assoupir.

Car contrairement à l’album Green & Cold qui souffre un peu de ses longueurs instrumentales, Green Figures, pourtant composé aux deux tiers du même matériel, ne laisse pas à la lassitude ou à l’ennui le temps de s’installer. Les motifs répétés à l’envie, les échos lointains comme dans un brouillard cotonneux, les rythmes systématiquement ralentis et en pointillés, le chant monotone et neurasthénique d’Aidan Baker… tous ces éléments, connus et symptomatiques du musicien, s’imbriquent parfaitement les uns dans les autres pour un disque étonnant calme, reposant et contemplatif. Seule la fin de Machina, doucement chargée par une guitare saturée, provoque quelques tremblements et soubresauts mais ceux-ci, après tant de calme et de linéarité, se révèlent être une conclusion bienfaisante à un disque absolument parfait pour la contemplation comme la rêverie.

* Lost In The Rat Maze, publié en février 2011, devrait quand même faire l’objet d’une prochaine chronique…

Danisco (For Beauty) / IV

2011-12-16T00:03:00.020+01:00

Danisco (For Beauty) ? Connais pas. Mais quelque chose me dit que je vais en bouffer de ce Danisco là, et qui plus est pendant un certain temps. On récapitule : Danisco (For Beauty) est un duo palois mais instrumental à base de basse (Sébastien Lavigne) et de batterie (Alexis Toussaint). Oubliez les références à Sabot, NoMeansNo*, surtout qu’il y a de la guitare et aussi du chant chez les canadiens, et écoutez-moi donc ce bon gras-gras qui remonte à la surface des deux faces de ce LP agrémenté d’une tête de bœuf fraîchement découpée dans un abattoir homologué anti-abattage rituel – c’est vrai que tuer des bêtes « proprement », c'est-à-dire en se donnant une bonne conscience de prédateurs carnivores, c’est beaucoup mieux… la prochaine fois que vous croiserez une génisse ou un bœuf demandez-lui donc pourquoi, endormissement ou pas, il devient complètement fou et mort de trouille à l’approche de n’importe quel abattoir/laboratoire high-tech, rien qu’en sentant l’odeur de la mort et du sang répandu des collègues déjà passés à la moulinette à viande**.

Mais je m’égare et revenons-en à nos moutons. Lesquels ressemblent donc plus à des bovidés qu’autre chose, par exemple du bon gros taureau couillu et doté d’un large cou. Chez Danisco (For Beauty), tout est dans l’épaisseur, l’amplitude du tour de taille et la puissance du torse mais pas question ici de démonstration testostéronée au machisme conquérant ou de branlette de nerf de bœuf. A l’écoute de ce IV on choppe rapidement une bonne chair de poule car ce qui intéresse nos deux maquignons ce n’est pas de manier le couteau ou le hachoir à viande comme un cuisinier coréen en pleine ébullition mais de conjuguer puissance, souplesse, nervosité, gras – gras double, évidemment –, densité, vrombissements et un peu d’arithmétique. Tiens, et si on appelait la musique de Danisco (For Beauty) du sludge trigonométrique ? OK : l’idée est très mauvaise mais elle a le mérite d’affirmer que ce groupe est fait d’une viande qui se passe de tout étiquetage.

On n’aurait jamais osé croire qu’un tel mélange – le premier qui parle de farce je le passe direct au fer rouge – soit possible et le résultat, cinq titres plus un « remix » très réussi qui affolent le troupeau, fait preuve d’une originalité certaine. Contrairement à nombre de formations instrumentales et plus ou moins mathématiques, Danisco (For Beauty) est un groupe totalement non-arty, franc, direct, qui est à la fois capable d’une haute précision désinvolte et d’une lourdeur mastoc peu commune. Allez donc faire un petit tour du côté d’A Tant Rêver Du Roi, le label qui a permis à ce disque d’exister*** et payez-vous une bonne ~~tranche~~ séance collective d’équarrissage.

* tiens, au fait, vous vous rappelez de la pochette de Wrong ?

** comme je n’ai pas envie de passer pour un militant végétarien, je précise un tout petit peu : quelles que soient les conditions dans lesquelles sont abattus les beefsteaks, entrecôtes, blancs de poulet, saucisson, boudins et autres bonbons à la gélatine qui atterrissent dans votre assiette, c’est forcément dégueulasse, c’est forcément plein de sang, plein de barbaque qu’on écartèle et reprocher à certains le luxe ancestral de saigner les animaux n’est que de l’hypocrisie très mal placée et – restons poli – une énième résurgence de cet hygiénisme occidental qui fleure bon le racisme ordinaire à peine déguisé en politiquement correct

*** et qui fêtera au Printemps prochain son dixième anniversaire

Akosh S. & Gildas Etevenard / Erem

2011-12-15T00:01:00.003+01:00

Des nouvelles d’Akosh S. – Szelevényi Ákos de son vrai nom –, on n’en a jamais beaucoup… Mis sous les feux des projecteurs grâce aux bons offices de l’ex-chanteur d’un groupe de rock bordelais mais de renommée internationalement française, le saxophoniste hongrois s’est fait plus discret depuis qu’il a été viré comme tout le monde ou presque de Barclay/Universal – label pour lequel il a gravé sous son propre nom ou sous celui de Akosh S. Unit un nombre impressionnant de disques studio et live entre 1998 et 2004… Plus discret certes mais presque aussi productif et privilégiant surtout ces dernières années enregistrements en solo et autres duos : deux disques en compagnie de la superbe et magique Joëlle Léandre, un autre avec le lutin eriKm chez Ronda records et des enregistrements avec Gildas Etevenard, batteur, percussionniste, trompettiste et bricoleur et son état. A l’heure actuelle ce ne sont donc pas les projets et collaborations qui manquent au saxophoniste.

Publié en ce début d’automne 2011 par le lieu associatif marseillais La Mesón, Erem est le deuxième enregistrement officiel du duo Akosh S./ Gildas Etevenard après le double CD Nem Kellett Volna. Les deux hommes jouent ensemble depuis presque une dizaine d’année et le second avait d’ailleurs intégré le groupe du premier en remplacement de l’inoxydable batteur Philippe Foch – on peut l’entendre sur l’album Nap Mint Nap paru en 2004. Si jusqu’ici vous aimiez et ne connaissiez que les enregistrements furieux, multipolaires et collectifs du Akosh S. Unit, vous ne vous sentirez pas dépaysés pour autant : il y a fort logiquement moins d’élans « fire music » sur Erem mais le parfum général y est toujours aussi entêtant et diversifié, mélange de lyrisme à fleur de peau, de musiques originaires d’Europe de l’Est, de free jazz, de psalmodies quasi tibétaines (avec tintements de clochettes et vibrations de gongs en prime) et de balades dans les airs au milieu d’ombres bienveillantes.

Le duo Akosh S./Gildas Etevenard multiplie les instruments – ténor, clarinette, voix, harmonium, gongs et cloches pour le premier ; batterie, gardon hongrois (une sorte de viole, que l’on peut entendre sur Havak Sara par exemple), gongs et percussions pour le second – et multiplie d’autant les échanges et donc les atmosphères. Il y a un fort côté mystique dans le jazz ethnique des deux musiciens or il ne faut absolument pas voir là une quelconque prétention mais, à l’inverse, une humilité et une générosité qui font réellement du bien. Donc il n’y a rien de sacré ou – pire – de sacralisé chez le duo, Erem c’est même souvent tout le contraire, comme une longue et lente déambulation – les 20 minutes que dure Tudat – avec en prime quelques éclats vif-argent (Hivat, Akad et Táj) qui rappellent le tumulte du monde. Dans ses moments là le son du saxophone ténor d’Akosh S. est toujours aussi magnifique et s’accommode plus que bien du difficile exercice du duo free – il faut dire aussi qu’il y a du répondant avec un percussionniste aussi imaginatif et diversifié que Gildas Etevenard.

Møller Plesset / Hartree-Fock Method

2011-12-14T00:09:00.010+01:00

Hartree-Fock Method marque le grand retour de Møller Plesset. Qui ça ? Et bien Møller Plesset, quoi… 2002 : un premier album, Rather Drunk Than Quantum, publié avec l’aide des copains sur un label du nom de K-Fuel records ; 2005 : un deuxième album, The Perturbation Theory, publié cette fois-ci par Perte & Fracas. Autant dire qu’à moins d’être breton, d’être client de la libraire Alphagraph à Rennes ou de faire partie d’un tout petit groupe d’initiés, Møller Plesset était le secret le mieux gardé du début de ce XXI^ème siècle. Tellement bien gardé que ce nom ne dit souvent pas grand-chose aux passionnés de guitares tressées en dentelle de fils barbelés et de noise rock un brin déviant, une chouille arty et avec une petite dose d’hystérie renfrognée en plus s’il vous plait, merci. Dans le meilleur des cas, si on tente de parler du groupe à un amateur éclairé dont on pense à l’avance qu’il ne pourra que déjà être de la partie, c’est tout juste si on récolte un « oui je connais de nom mais je n’ai jamais vraiment écouté » un petit peu gêné aux entournures. Sachez qu’il n’est pas trop tard pour vous rattraper, les deux premiers albums de Møller Plesset sont toujours disponibles, parce qu’évidemment il ne s’en est pas vraiment vendu des tonnes, à peu près autant d’exemplaires que le groupe a effectué de tournées triomphales en Europe du nord depuis 10 ans – ceci expliquant sûrement cela.

Ou alors on se tourne vers ce Hartree-Fock Method, donc, un EP de quatre titres sorti sans crier gare ou presque en ce mois d’octobre 2011, cette fois-ci chez In My Bed. Il n’est pas très différent des deux albums, ce nouvel enregistrement. Il a juste l’avantage d’être le plus récent, de débouler après une période de silence assourdissant de la part du groupe, de remettre en mémoire une musique unique, donc de faire espérer qu’il y a encore de la fraîcheur chez Møller Plesset, que ces quatre garçons bougent encore, même un peu. Par contre, si on ne connait pas du tout le groupe – ce qui, on l’aura bien compris, ne constituera en aucun cas un exploit insurmontable –, on aura gagné le privilège d’une belle découverte. Elle n’est pas facile la musique de Møller Plesset, malgré (ou à cause de) ses apparences faussement simples. Il faut s’accrocher, ça sent le cerveau qui fume, mais si on parvient à rentrer dedans, à dompter cette paire de guitares cascadeuses, si on apprivoise les deux chants aussi étonnamment spéciaux l’un que l’autre, et bien on comprendra enfin et on partagera ce sentiment de profonde injustice et d’incompréhension : pourquoi donc les Møller Plesset n’ont-ils pas recueilli un peu plus que ces quelques honneurs dispersés ?

Court et sec, le bien nommé Shorty débute la première face du disque et ravive instantanément la flamme d’antan. Oui, le groupe a pris de la bouteille, il est assurément moins direct ou moins violent qu’auparavant, mais il sait toujours allier cette impétuosité de travers avec la nécessité de faire monter la pression, toujours un peu plus, jusqu’à la frustration. Suit I Hear qui donne avant tout à écouter et apprécier le duel par ricochets des deux guitares, jamais outrageusement saturées (et ça fait vraiment du bien) mais toujours d’une aridité imparable et toujours également cette tension qui monte, qui monte, et le chant dans l’anti lyrisme le plus total mais pourtant tellement expressif (et judicieusement doublé à l’occasion par la seconde voix dans un registre presque féminin). Liar pourrait carrément flirter avec le post rock cher à Slint, comme dans une sorte d’état flottant, avant les enrouements de la voix et autres grondements feulés puis le retour des chœurs aigus alors que les guitares en profitent une nouvelle fois pour repartir de traviole – en quelque sorte slint vient de copuler avec US Maple et le résultat est absolument brillant. Reste Love Affair In Chemnitz, presque enjoué, mais les compositions de Møller Plesset ne dépendent pas de schémas préexistants, elles ne font même pas forcément appel à des structures cycliques et ce dernier titre de déraper, plus doucement, en laissant entrevoir pour la première fois du disque un lyrisme presque plaintif.

Les deux premiers albums de Møller Plesset étaient de superbes objets, même pour des CDs. L’artwork de Hartree-Fock Method a de nouveau été confié à EM mais cette fois-ci, c’est encore mieux : Hartree-Fock Method est un vinyle de 10’, sa pochette se déplie en un magnifique poster tout de noirs et de gris et retenu autour du disque par un obi façon japonais. Cet EP, tiré à trois cents exemplaires numérotés, est vendu par In My Bed au prix de 10 euros port compris, soit une misère pour un disque pareil.

Satanized / Technical Virginity

2011-12-13T00:06:00.007+01:00

Bon allez… maintenant nous voilà légèrement réchauffés et mis dans de bonnes dispositions vis à vis de Skingraft après l’écoute du dernier (demi) album de Pre et soudain Satanized débarque sur la platine. Satanized est un groupe de Philadelphie (on s’en fout) qui a déjà publié un premier album pas trop mal en 2007 sur Badmaster records suivi en 2009 d’un split avec Aids Wolf (ces deux disques sont toujours disponibles auprès du label). Comme ces jeunes gens ont bien autre chose à faire et qu’il n’y a pas que la musique dans la vie, Technical Virginity, le deuxième album de Satanized, a été publié seulement en ce début d’automne et sur Skingraft, donc.

D’habitude on s’en foutrait un peu du nom du label, on ne le citerait avec lien internet à l’appui que pour indiquer là où on peut se procurer ce Technical Virginity… seulement voilà, on a tellement perdu l’habitude d’entendre un disque aussi bon et fou en provenance directe de Skingraft – alors que du temps de sa splendeur le label de Chicago n’était pas loin de faire mouche à chaque fois – que l’on en rajoute une (dernière) couche : Technical Virginity est au choix le disque qui réconciliera certains avec cette auguste maison ou qui incitera les autres à lâcher un peu de pognon pour permettre à Mark Fischer de financer un peu plus durablement sa retraite.

Après avoir dit tout ça, c’est un peu comme si on avait vendu la mèche… Oui Satanized est un sacré bon groupe de frappadingues et oui Technical Virginity possède ce parfum puant que l’on pensait un peu perdu à jamais et qui mélange à la fois les effluves les plus rudes de la noise, de la foutraquerie, de la déviance, du chaos et de la méchanceté musicale. Méchanceté ? Finalement il s’agit bien du terme approprié : les groupes qui font du barouf comme ils changent la monture plastique de leurs lunettes ou le côté de la mèche de cheveux gélifiés qui leur tombe devant les yeux ce n’est pas ce qui manque (ceux qui se foutent à poil parce qu’ils ont plus de tatouages que de talent aussi) mais des groupes alliant violence malsaine, vindicte assassine, précision chirurgicale et sens aigu de la torture il n’y en a pas beaucoup.

Car même si les quatre Satanized font tout ça pour uniquement s’amuser, ils ne font pas rire pour autant. Au petit jeu du parfait psychopathe on peut même se demander qui est le plus fort : ce chanteur tordu qui balance aussi quelques bidouilles avec une platine à disques ? ce guitariste qui vous découpe la cervelle en petits carrés et les emballe dans la peau douce de vos fesses pour en faire des sushis ? ce bassiste qui manie aussi bien le hachoir à viande que son collègue guitariste mais préfère s’attaquer d’abord aux pieds et vous grignoter jusqu’en haut ? ce batteur semble-t-il complètement inconscient du mal incontrôlable qu’il insuffle à chaque fois qu’il tape sur sa batterie ? On ne sait pas.

Mais on sait que Technical Virginity est de ces disques qui vous colle au crane, vous accroche et je vous lâche pas, réussissant en un tour de main assez court (huit titres, une demi-heure) à faire la jonction entre la technicité d’un Dazzling Killmen et la folie d’un Flying Luttenbachers – prenons des groupes Skingraft comme références, tant qu’on y est. Maintenant, doit-on vraiment se rendormir et ne se réveiller que dans dix ans, lorsque les gens de Skingraft auront dégoté un autre groupe de la même trempe que Satanized ?

Report : moTTo et Neige Morte au Sonic - 07/12/2011

2011-12-12T00:01:00.028+01:00

Tiens, je vais vous parler un petit peu du Sonic – oui, ça faisait longtemps… Je résume et je vais faire court mais les pouvoirs publics se sont récemment aperçus, alors que la salle a quand même fêté son cinquième anniversaire au mois d’avril dernier, que le Sonic n’entrait pas dans les petites cases normatives fixées par les administrations françaises et/ou européennes ou, plus exactement, que le Sonic n’était pas du tout rangé au bon endroit. Quelque chose comme « ah mais non ça ne va vraiment pas, pour nous vous étiez uniquement un bar à tapas alors qu’en fait vous êtes un méga complexe/salle de concerts/boite de nuit/sauna/club cocktails/lieu de rencontres, etc. Pour un peu cette méprise serait uniquement de la faute de la petite équipe gérant le lieu alors qu’elle n’est évidemment due qu’à l’inconsistance – pour ne pas dire incompétence – des autorités concernées.

La conséquence directe de cette requalification c’est que le Sonic doit tout revoir au niveau des autorisations et des normes de sécurité. Précisément la visite du cabinet d’experts visant à déterminer les nouvelles normes auxquelles doit impérativement se plier la salle a eu lieu le mercredi 7 décembre. Et le verdict est tombé, complètement hallucinant : après mesure au centimètre près des accès qui mènent à la péniche abritant le Sonic et des accès intérieurs (passerelles, portes, largeur du bar, etc) la salle devrait voir sa jauge être considérablement révisée à la baisse, passant de 180 personnes à l’heure actuelle à… 75 personnes seulement. Oui, vous avez bien lu. Le Sonic ne pourra donc plus organiser de soirées (le nerf de la guerre), devra accueillir que des concerts de soixante-quinze personnes maximum (la guerre des nerds) et donc finira fatalement par fermer ses portes à court terme, faute de « rentabilité », on entend par là pouvoir accueillir suffisamment de monde pour espérer en vivre ne serait-ce qu’un tout petit peu.

J’apprends cette nouvelle en arrivant au Sonic, pour le concert du jour. Bien sûr rien n’est encore fait mais la menace est bien là, précise. Stupeur, profond dégoût, colère, haine. Bientôt à Lyon, pour assister à certains types de concerts et d’évènements, il ne restera que deux ou trois caves de bistrots, quelques arrière-boutiques de pizzerias, les squats délogés tous les trois mois et puis… et puis c’est tout. Ou presque. On attend toujours des bonnes nouvelles du Clacson et d’autres, tout aussi bonnes on l’espère, de Grrrnd Zero. Mais là, vraiment, je commence à ne plus y croire.

Je n’ai donc plus du tout vraiment envie d’assister au concert pour lequel je me suis déplacé ce soir. Et moTTo va en faire les frais. moTTo c’est un duo basse/batterie instrumental constituant également la section rythmique de Das Simple. Ça joue extrêmement technique, le bassiste est une vraie brute, balance plein de parties en taping et dialogue constamment avec le batteur, yeux dans les yeux, main dans la main, et pied au plancher (oui, quoi d’autre ?). Si j’admire un temps tout ce déballage de fureur calculée, je finis par regretter que moTTo ne me rentre pas plus dans le lard, ne me donne pas envie de crier ou de trépigner comme un jeune imbécile. Alors je fais mon vieux con, insensible et dédaigneux, je sors dehors pour fumer quelques cigarettes à la chaîne et établir un constat d’huissier en rapport avec un pari entre jeunes gens de mauvaise éduction et lié à une très hypothétique qualification de l’Olympique Lyonnais en ligue des champions au détriment du Dinamo de Zagreb.

Le groupe jouant ensuite n’est autre que Neige Morte qui fête ce soir la parution d’un split partagé avec The Austrasian Goat devant une petite poignée d’admirateurs et d’amis (plus quelques métalleux en bonne et due forme me semble-t-il). D’entrée – puisqu’il se lance tout seul dans une longue intro bruyante et déchirante – on apprécie le son bien plus abrasif qu’auparavant du guitariste : certains trouveront pourtant qu’il manquait à la fois de graves et d’aigus mais cela ne l’empêchait pas d’avoir un côté sale presque plus noise – dans le sens de noise rock, cette musique de vieux très appréciée pendant les années 90 – et franchement plus agressif et ample (finalement). On constate également que le batteur est désormais bien intégré au groupe, il s’entend bien mieux avec le guitariste et se montre complètement à l’aise, ce qui lui permet ainsi de déployer des trésors de puissance et d’efficacité (double pédale inside), ce qui n’étonnera pas toutes celles et tous ceux qui connaissent son autre groupe, Burne (tiens, encore un duo basse/batterie, tendance je te rentre dedans, à la différence de moTTo).

Résultat le concert de ce soir me semblera nettement plus frontal et dense que tous les précédents auxquels j’ai pu assister, à tel point que j’aurais même cette impression que Neige Morte a rallongé son set alors que l’on m’affirmera après coup qu’il n’en était rien. Un set pendant lequel le groupe oscille entre pétarades à la limite du crust et moment de pur chaos – c’est là qu’on s’aperçoit que la complicité entre le guitariste et le batteur est vraiment essentielle – pour un festival de déflagrations dangereuses et un vrai bain de haine musicale. Cette haine c’est surtout le chanteur qui la crache et il est vraiment ce soir au top de sa forme et de la tyrannie vocale. Il hurle comme un damné, fracasse son pied de micro, on s’attend à ce qu’il s’éclate par terre, pris de violentes convulsions, et qu’il arrache la carotide d’une personne du public à grands coups de dents mais tout ce passe bien, ce n’est que de la musique, comme une centrifugeuse qui vous colle contre les murs ou un souffle de puissance destructrice qui vous assaille. Une énorme sensation.

Kiss Me In The Shadow Of A Doubt

2011-12-11T00:09:00.007+01:00

C’est dimanche et on s’emmerde. Les supermarchés et les magasins des centre-villes sont pourtant restés ouverts toute la journée parce que bientôt il va falloir fêter ça comme il se doit – tiens, d’ailleurs, cette année Noël tombera un dimanche.

On s’emmerde alors on regarde l’intégralité du dernier concert de Sonic Youth. Quand on dit « dernier concert » on en trop sait rien mais c’est ce que l’on souhaite. Le groupe s’était engagé sur quelques dates en Amérique du Sud avant que l’annonce de la séparation Kim Gordon/Thurston Moore ne soit faite. Voilà donc l’enregistrement vidéo du dernier d’entre eux, en trois parties. On apprécie la set-list qui comprend nombre de vieilleries (Sonic Youth c’était vraiment mieux avant) et on laissera aux spécialistes le plaisir de comparer ces ultimes versions live avec les précédentes.

Première partie :

Deuxième partie :

Troisième et dernière partie :

Micro_Penis / Tolvek

2011-12-10T00:02:00.003+01:00

Un groupe qui s’appelle Micro_Penis, ça rassure tout de suite. Et puis Pinback c’était déjà pris. Tolvek est le deuxième album de ce groupe de Mulhouse et composé d’un Sun Plexus 2/L’Autopsie A révélé Que La Mort Etait Due A L’Autopsie, d’un Myself et de deux autres types qui ont très certainement eux aussi joué dans des groupes tous plus intéressants les uns que les autres mais on s’en fout. Techniquement, Tolvek documente les années 2009/2010 d’activité du Micro_Penis alors que son prédécesseur sans titre mais déjà très remarqué s’occupait lui des années 2006 à 2008. On a ainsi toujours un enregistrement de retard avec ce groupe mais, là aussi, on s’en fout complètement.

Tolvek – malgré une attaque moins radicale que sur le premier LP car il n’y a pas de Ouvrez !!!! ici – poursuit le voyage de Micro_Penis dans les territoires insondables du grand n’importe quoi et de l’absurdité absconse. Tolvek, il parait que ce n’est pas de la musique mais ça s’écoute pourtant plus que bien et même mieux que ça. Et quand on vous dit « grand n’importe quoi », c’est tout à fait ça, dans le sens littéral du terme : dégueulis d’handicapés mentaux, bruits de doigts coupés à la fraiseuse dans un atelier protégé de la Cotorep occupé un dimanche après-midi par des adolescents finis à l’urine, bruits corporels divers (mais beaucoup de pets quand même), bruitages indéchiffrables, manipulations sonores sans les mains, tuyauteries débouchées à l’aspirateur, excréments acousmatiques, râles orgasmiques de trisomiques, grognements d’on ne sait pas trop qui ou même quoi, trompe-l’œil de borgne, pieds au cul-de-jatte, art primaire/art brut, aucun second degré (donc) et éjaculations faciales tendance lutte contre l’acné étalées sur deux faces d’un LP tiré 300 fois par le label Doubtful Sounds.

Tolvek, il parait aussi que ça signifie quelque chose comme « crétin » en patois alsacien. Le disque est fourni avec une vaginette c'est-à-dire un truc tout mou moulé dans un plastique bizarre et au contact/touché indéfinissable mais ressemblant peut-être à une feuille de choux arrachée d’un kit cuisine/marchande de légumes pour enfants préprogrammés dès la naissance. Au contraire, l’avenir chez Micro_Penis ça n’existe pas et Tolvek est un monument régressif et éternellement moqueur. Alors non, ce n’est peut-être pas de la musique mais on s’en fout, toujours.

HTRK / Work (Work, Work)

2011-12-09T00:07:00.011+01:00

Allez, on se le fait ce troisième album d’HTRK ? Annoncé par un très bon 12’ avant-coureur, Eat Yr Heart b/w Sweetheart, le troisième et nouvel album d’HTRK s’intitule Work (Work, Work) et est disponible depuis le début du mois d’Octobre chez Blastfirst Petite et Ghostly International. Après bien des écoutes répétées et attentives, on a malheureusement fini par admettre que l’on aurait pu/du se contenter du maxi éclaireur en lieu et place d’un album qui n’arrive pas à convaincre totalement. Il faut dire aussi qu’il faut se fader une espèce d’intro assez ignominieuse (Ice Eyes Eis, constellé de samples de porno en allemand) et d’un deuxième titre très faible, Slo Slo, lorgnant du côté du trip-hop le plus synthétique possible et se terminant par un fade-out absolument ridicule. L’excellent et vampirique Eat Yr Heart arrive enfin en troisième position et c’est tant mieux, sauf que ce titre là, on le connait déjà, et pour cause.

Que se passe-t-il donc avec Work (Work, Work) ? On apprécie pourtant la quasi disparition des guitares noisy, shoegaze ou cold – même si parfois on les regrette un tout petit peu – au profit de sons de synthétiseurs d’un 80’s comme ce ne devrait plus être permis. On admet alors que seuls les vieux schnocks un brin nostalgiques et les jeunes péteux qui redécouvrent le monde des corbeaux en se coiffant en pétard avec une jolie mèche devant les yeux sont les seuls à pouvoir être sensibles à cette esthétique d’un autre âge et qui apparait ainsi terriblement daté. Comme je fais partie de la catégorie « vieux schnock » précitée et que j’aime ça, j’accepte les conditions esthétiques et draconiennes d’un disque qui ne peut même plus avoir d’âge tellement il semble anachronique.

Arrivé à ce niveau de perception, on s’intéresse alors aux compositions en elles-mêmes. Et là, c’est la pure catastrophe. Bendin’ est au mieux un nouvel exercice trip-hop, Skinny est plombé par une guitare (?) sonnant comme une pétarade de Gremlins en pleine indigestion, Synthetik est un peu trop longuet, Poison ne nous épargne pas des effets sonores dignes d’un Eric Serra sous prozac (dommage car le reste est plutôt bien) mais la fin du disque relève le niveau grâce au tiercé gagnant composé de Work That Body, Love Triangle – pourtant très guimauve new-wave – et Body Double. Cela n’empêche pas cette désagréable impression d’écouter une musique qui tient avant tout de l’ectoplasme de s’imposer toujours plus au fil des écoutes, comme une imitation ratée d’un truc déjà pas génial à l’origine.

Aux dernières nouvelles les deux membres survivants d’HTRK sont toujours à Berlin, revisitent un folklore qui n’existait déjà plus lorsqu’ils sont nés – ah! il ne faut pas regarder très longtemps les photos, vidéos et extraits de concert relatifs à Work (Work, Work) pour ne pas éclater de rire devant tant d’apprêt prétentieux et de ringardise pour hipsters en mode bloc de glace – et développent des thématiques autour de la jeunesse volée et de la frustration qui ressemblent plus qu’autre chose à des postures de petits bourgeois qui essayent de s’emmerder sec quoi qu’il arrive. Finalement, seul le suicide du bassiste Sean Stewart semble coller avec l’atmosphère en caoutchouc extrudé à froid de Work (Work, Work) mais on n’y croit plus, devant tant de dévotion kitsch, et – qui plus est – cela ne nous regarde pas. Les espoirs placés dans Eat Yr Heart b/w Sweetheart sont donc largement mis à mal – et on pensait les membres de HTRK bien plus sensés que ça. Ils ne sont donc que prétentieux.

Sofy Major - Membrane / split

2011-12-08T00:02:00.009+01:00

Parlons un peu de ce magnifique split partagé entre Sofy Major et Membrane et que les deux groupes ont largement fêté le 12 novembre dernier lors d’une release party bien sauvage – musicalement parlant – au Raymond Bar de Clermont Ferrand. Quand on dit magnifique on parle déjà de l’objet en lui-même : un vinyle à la fois transparent et blanc* de 12’ dans une pochette à l’artwork noir et blanc sobre mais réussi. Un CD accompagne le vinyle (sûrement pour alimenter le mange-disques de la voiture), il y a un insert avec les paroles, les détails techniques** et le verso de la pochette est troué au format des ronds centraux du disque, ce qui permet de laisser apparaître celui de son choix, comme à l’époque des bon vieux 78 tours de grand-papa.

Sofy Major propose quatre titres et démarre avec un Ruin It All à l’intro énormissime – rythme lent et lourd à la batterie noyé dans une reverb industrielle, ligne de basse tellurique et chant de goliath en polymétal mimétique –, intro qui laisse entrevoir un très grand moment. On pense tout de suite à Unsane, celui des deux premiers albums, à une époque où les new-yorkais savaient réellement composer des titres très lourds et très malsains et il y a bien longtemps que l’on n’avait pas été pris de tels frissons. Or Sofy Major n’est pas un groupe à mettre tous ses œufs dans le même panier et l’arrivée de la guitare puis d’un peu de chant clair apporte rapidement une coloration différente, disons plus stoner, qui fait lentement dévier Ruin It All jusqu’à ce tourbillon lyrique pendant lequel la voix vire à l’incantation sur fond de guitares hallucinées. Je reprendrais bien une goulée de cette excellente gnôle pour me remettre de tant d’émotions. La suite n’a peut être pas le même niveau d’excellence mais est tout aussi bonne, à commencer par un Doomsayer & Friends et un Some More Pills absolument furieux ainsi qu’un Once Was A Warrior où la lourdeur rythmique refait son apparition. Sofy Major est tout simplement l’un des tout meilleurs groupes de hard core noise de ce côté-ci de la planète.

D’apparence plus classique, les trois titres de la face Membrane, terriblement efficaces, sont très loin de passer inaperçus après le déluge Sofy Major. Le trio a cet avantage de pouvoir varier les chants (le guitariste comme le bassiste donnent de la voix) et propose une noise extrêmement lourde – avec une basse qui racle et rabote en même temps – et jouée sur des tempos ralentis induisant une tension voire une attente permanante… et on attend quoi ? La claque qui se trouve à chaque fin de titre et qui vous envoie au tapis. Davantage que les deux autres titres, Small Fires tient toutes ses promesses et plus encore, élevant ce split album au rang des réussites définitives de l’année.

* un vinyle qui selon les mauvaises langues ressemble au pire à un œuf de poule albinos tombé de la porte d’un frigo ouverte un peu trop brutalement et au mieux à une flaque de sperme abandonnée sur la moquette d’un Sofitel par un brillant esprit politique parait-il expert en matière d'économie et d’action monétaire

** dont les labels qui se sont cotisés pour publier ce disque et auprès desquels vous pouvez bien évidemment vous le procurer : Basement Apes Industries, Bigoût records, Impure Musik et Ocinatas Industries

Report : Oxen Coax, Nitkowski et Silent Front au Sonic - 30/11/2011

2011-12-07T00:04:00.032+01:00

Dans un monde presque parfait, plutôt agréable à vivre et sans trop de soucis, on pourrait laisser filer la vie sans être toujours forcé de faire quelque chose de nécessairement utile, on pourrait rêvasser en regardant comme bon nous semble les nuages ou l’eau des rivières qui coule, on ne provoquerait pas systématiquement la défiance chez l’autre (et réciproquement), on pourrait insulter dieu – ou quoi que ce soit d’autre – tout comme il nous insulte, nous, tous les jours, on pourrait qualifier Glaude Guéant d’~~immonde fasciste~~* sans pour autant finir condamné devant un tribunal, le porno vintage des années 70 serait à nouveau le top de l’esthétique postmoderne, Kim Gordon aurait 30 ans de moins, habiterait sur le même pallier et n’aurait jamais rencontré Thurston Moore, le CD n’aurait pas été inventé, le mp3 non plus, on aurait appris à transformer les contradictions humaines ainsi que toute forme d’idéalisme en énergie renouvelable pour alimenter en électricité nos boites à musique, fumer ne provoquerait pas le cancer des bronches, picoler n’engendrerait pas de cirrhose, les straight edges assumeraient enfin leur homosexualité refoulée, Anal Cunt n’aurait pas été déprogrammé de l’édition 2011 du Hellfest, et – surtout – toute trace d’angélisme aurait disparu de ce blog que présentement tu perds ton temps à lire ainsi que de la surface de la terre avant que celle-ci n’explose fatalement d’ennui ou de colère face à tant de connerie humaine.

A non, j’ai oublié : il y aurait aussi un bon concert de noise au moins une fois par semaine, un concert avec des guitares qui cisaillent, des batteurs qui frappent et des gens qui hurlent. Mais ce n’est pas le cas. On vit entre la haine de travailler et la peur de crever de faim, on élit des sous-merdes de droite comme de gauche, on vote comme on oublie, on consomme pour exister, on se tue pour survivre, on finit par se détester soi-même et c’est bien le maximum si dans cette bonne vieille ville de Lyon – qualité, savoir-faire, tradition – il y a un seul concert qui défouraille tous les deux mois.

Cela tombe bien, valeureux petit ennemi des vieux beaux hawaïens ou des curés mormons, puisque en ce mercredi 30 novembre au Sonic il y avait une affiche 100% noise rock et/ou guitares, une affiche proposée par la doublette infernale de bYgoût records : Oxen Coax, Nitkowski et Silent Front. Wow ! Cette affiche c’est exactement ça que je voulais dire en parlant de concert qui défouraille.

Jamais entendu parler d’Oxen Coax auparavant mais dans le line-up de ce trio on retrouve deux membres de Torticoli : l’un des deux guitaristes et le batteur. On remarque aussi une chanteuse qui tente de bien tenir sa place malgré un peu de stress apparent. Plus carrée et mélodique (ahem) que celle de Torticoli, la musique d’Oxen Coax n’en est pas moins bien barrée et ébouriffante. On apprécie à nouveau ce guitariste inventif et surtout ce batteur que l’on pourrait regarder jouer pendant des heures, rien que pour le plaisir. L’équilibre entre les instruments est plutôt réussi, on ne regrette pas l’absence d’une basse ou d’une deuxième guitare, et il laisse le champ libre pour la voix, voix assez typique d’un croisement entre vindicte et lyrisme – non je ne prononcerai pas le nom d’Heliogabale.

Une petite fantaisie pour la route ? La chanteuse passe alors derrière la batterie, le batteur prend une guitare et c’est parti pour un titre instrumental dissonant à souhait. Encore une ? La chanteuse revient derrière son micro mais prend une basse alors que le guitariste s’approche d’un second micro : ce titre là sera chanté à deux voix. Ces deux morceaux ne sont pas forcément moins bons que les autres mais ils ont le défaut de trop casser le rythme et la dynamique du concert d’Oxen Coax. Le groupe reprend enfin sa forme originelle pour un dernier titre, sûrement le meilleur qu’il aura interprété ce soir là et sur lequel le groupe se lâche vraiment.

Les trois Nitkowski s’installent ensuite. Alors que le batteur reste en haut mais a rapproché son kit le plus près possible du bord de la scène, les deux guitaristes restent au sol avec leurs amplis et leurs micros pour le chant orientés de biais par rapport à la scène – ce qui signifie qu’ils ~~chanteront~~ hurleront systématiquement en tournant le dos au public, positionnement qu’ils adopteront également assez souvent lorsqu’ils ne feront que jouer de la guitare. Nitkowski est donc adepte de la configuration en triangle et du circuit (presque) fermé.

Le groupe n’a pas voulu faire de balance en arrivant. Il préfère jouer à l’arrache, tout à l’énergie ce qui peut être une bonne idée vu le côté chien fou de sa musique mais cela le dessert également puisque le côté trigonométrique de celle-ci en pâtit aussi grandement. Toutes les subtilités des compositions du dernier album Stay In The Home You Love passent trop au second plan et donc on se demande pourquoi les deux guitaristes prennent autant de temps à se réaccorder tous les deux titres alors que cela ne semble pas en valoir la peine. Sinon on assiste à un concert furieux et tendu, ce qui semble être l’unique but de Nitkowski dès que le groupe joue devant un public. De ce côté-là, c’est réussi.

Avec Silent Front, pas de problèmes de mise en place et d’accordage. Le trio va droit au but et expédie avec toute la hargne qu’on lui connait son répertoire noise véritablement taillé pour la scène. Le groupe annonce des nouveaux titres et les nouveaux titres sont à l’image des plus anciens, directement dans le lard. On se surprend alors à regretter encore une fois que Silent Front n’ait pas réussi à négocier comme il aurait fallu le virage de l’album studio. Ce n’est pas vraiment un secret que Dead Lake est un semi-ratage générant déception et frustration lorsqu’on connait tout ce dont Silent Front est pourtant capable de faire sur une scène.

Encore une fois ce soir le trio londonien a tout arraché sur son passage, sans pitié mais avec une simplicité, une générosité et une volubilité que l’on aimerait bien rencontrer un peu plus souvent lorsqu’on assiste à un concert. Voilà un groupe qui ne fait pas semblant et voilà sûrement la raison pour laquelle un enregistrement studio classique ne peut pas lui convenir – s’il vous plait les gars, par pitié même, pour le prochain disque, faites donc une captation live et en prise directe, avec un son bien crade et qui bave de tous les côtés.

* ce n’est qu’un exemple, bien sûr

The Austrasian Goat - Neige Morte / split

2011-12-06T00:09:00.013+01:00

Longtemps annoncé, patiemment attendu, le split réunissant The Austrasian Goat et Neige Morte et promis par le label/mailorder Music Fear Satan est enfin arrivé. L’attente n’aura pas été vaine puisque cette galette de 25 cm, toute de vinyle blanc et emballée dans une pochette sobrement morbide, est l’une des plus belles réussites actuelles en matière de métal occulte et déviant. Ah ouais, vous vous en êtes rendus compte ? J’ai fait exprès de ne pas employer le terme de « black metal » – trop tard – tant celui-ci me semble totalement inapproprié pour décrire le titre proposé ici par The Austrasian Goat comme celui enregistré par Neige Morte.

Face Austrasian Goat : le bonhomme avait déjà remporté tous les suffrages avec son album Stains Of Resignation et il continue avec ce The Gracious Fall Of The Morning empli d’une majesté sans partage. Avec son intro très néo-folk et crépusculaire, c’est toute une atmosphère brouillardeuse et mystique qui s’empare de l’auditeur. On n’est pas très loin des Swans période lapins duellistes mais avec une bonne couche de tourbe supplémentaire : les arbres sont couverts de mousse, un tapis de feuilles assourdit le bruit de nos pas et le bruit du vent se confond avec les trajectoires furtives des animaux de la nuit. Irrémédiablement beau, The Gracious Fall Of The Morning comporte en son milieu un passage typique black metal tel un vortex hallucinatoire vous isolant du reste du monde. Lorsque l’ambiance néo-folk reprend rapidement ses droits, c’est pour invoquer une longue litanie au violoncelle qui seule arrive à faire cesser les voix/psalmodies. Aussi prenant que magique.

Face Neige Morte. Le cas du trio est beaucoup plus simple que celui d’Austrasian Goat mais il est tout aussi passionnant. We Who Are The Worm est un titre comme les affectionne Neige Morte, direct, presque crust et en tous les cas très roots. Sans fioritures si ce n’est quelques bidouilles bien senties et une intro à rallonge et inquiétante, le groupe martèle presque sans répit, le chanteur braille de sa plus belle haine et le guitariste déborde de ses fameuses idées qui tirent le black metal de Neige Morte vers le haut (du côté de la dissonance et du bruit) sans pour autant lui enlever son côté punk et franc. Moins magique qu’Austrasian Goat mais beaucoup plus jouissif.

Pour les Lyonnais, Neige Morte procèdera à la release party de ce disque le 7 décembre au Sonic. Le groupe partagera l’affiche avec moTTo, duo basse/batterie de frappadingues qui le reste du temps constituent également la section rythmique de Das Simple.

Report : Tarwater et Blackthread au Sonic - 29/11/2011

2011-12-05T00:06:00.004+01:00

Jamais je n’aurais pensé revoir un jour Tarwater en concert. Et même plus : jamais je n’aurais pensé avoir un jour vraiment envie de revoir Tarwater sur une scène… La raison de ce subit regain d’intérêt pour le duo berlinois ? Tout simplement son dernier album en date, l’excellent Inside The Ships. Une raison largement suffisante pour tenter de donner une vague suite à ces deux concerts de Tarwater au Pezner à la fin du siècle dernier.

Non, ce n’est pas de la nostalgie. Ou plus exactement, il est encore un peu trop tôt pour parler de nostalgie. Les sonorités kraut et new-wave et l’excellence pop de Tarwater ont permis au duo de gagner dès le milieu des années 90 le prestigieux titre de groupe précurseur… mais précurseur de quoi exactement ? D’un énième revival à rallonge ? Oui. Sauf que Tarwater se distinguait – et se démarque toujours sur disques – grâce à sa petite originalité bien particulière, une musique très personnelle faite d’une sensibilité à part, d’une subtilité des compositions, d’une maîtrise assez radicale du sampling et d’une douceur poétique traversée d’élans mélancoliques forts.

Alors voilà. Tu la sens venir la cruauté de la déception ? Tu les sens venir les grognements d’insatisfaction ? Maintenant que ce concert est passé, qu’il commence à n’être que le lointain souvenir d’un truc honorable mais pas foncièrement génial et pas plus terrible-terrible que ça, elle repointe son nez, la nostalgie. Ou plus exactement cette salope fait enfin une apparition remarquée : désolé mais Tarwater c’était largement mieux avant – ma phrase préférée de vieux con proto hipster – et bien supérieur au triste spectacle tout guilleret dont le duo a gratifié le public lyonnais en ce mardi 29 décembre au Sonic, un spectacle complètement maîtrisé mais mécanique et prévisible.

Sur scène le matériel du groupe est on ne peut plus rudimentaire. Un mini clavier, deux pads, une basse, un micro et un iPod (ou un truc dans le genre). Et oui, Tarwater est un duo et on imagine très mal qu’il puisse jouer une musique aussi subtile et aussi finement arrangée sans avoir recours à des enregistrements tout bien préparés comme il le faut.

Bernd Jestram et Ronald Lippok montent sur scène, démarrent leur set par un Inside The Ships poussif et je ne m’inquiète pas plus que ça. Oui, il faut souvent un premier titre ou deux pour qu’un groupe prenne ses marques. Seulement cela n’arrivera pas. Ou plus exactement cela n’arrivera pas de la façon dont je l’aurais souhaité, du haut de mes petites exigences égoïstes de vieux fan de Tarwater : le duo a délivré un concert ultra dynamique et même sautillard, enchaînant les tubes tous plus efficaces les uns que les autres, ne semblant se soucier que d’un vague esprit festif bon teint et très propre sur lui.

Le duo a rapidement fonctionné en mode pilote automatique, ses compositions subtiles ont fini par toutes se ressembler, sacrifiées sur l’autel de la mécanique de précision. Le chant a fini par lasser également et on regrette que Tarwater n’ait pas appliqué cette méthode qui a pourtant si bien réussi à ses disques : alterner des titres chantés et des titres instrumentaux pour aérer le bousin, varier les plaisirs et éviter les pièges de la gonflette à paillettes. Même un ultime extrait de Silur – le meilleur album de Tarwater – a réussi à éviter le massacre que de justesse, privé de toute la poésie et de toute l’émotion dont le groupe était pourtant coutumier.

One man band tout seul, Blackthread s’est fait assez rare ces derniers temps, il n’avait pas joué dans le coin depuis plus de six mois (au même endroit et en première partie de l’ursidé Scott Kelly) et de son propre aveu il avait un peu délaissé ce très beau projet à mi chemin entre spoken words et pop shoegaze. En descendant de la scène après le concert, les premiers mots de ce garçon talentueux ont été pour affirmer que le concert avait été une pure horreur, certainement le pire qu’il ait jamais donné.

Blackthread, sa voix entre émotion tremblotante et lyrisme appuyé, ses mains qui se crispent toujours un petit peu, sa basse lointaine, son synthétiseur, ses boucles sonores, ses yeux qui brillent dans la pénombre délaissée par les projecteurs, sa chemise à carreaux et surtout ses belles compositions entre vignettes impressionnistes et chansons poétiques : si ce concert du 29 novembre 2011 au Sonic était vraiment un concert de merde alors cela signifie qu’il n’y a vraiment pas beaucoup de bons musiciens et de bons groupes qui viennent y jouer d’ordinaire. A bientôt mon garçon.

Torticoli / self titled

2011-12-04T00:07:00.001+01:00

C’est dimanche et on s’emmerde. Alors on écoute la toute première démo de Torticoli, jeune groupe lyonnais dont on a croisé le chemin pas moins de cinq ou six fois depuis son tout premier concert, en mai 2011. Pour rappeler très rapidement les faits, Torticoli est un trio guitare/guitare/batterie qui parfois s’accommode d’un chanteur nerveux et aux prestations agressives. La plupart du temps la musique du groupe lorgne sans équivoque du côté du blues skingraftien, des erreurs de calcul algébrique, de la noise instrumentale et – lorsque Torticoli joue à quatre – on découvre alors un aspect beaucoup plus carré et plus vindicatif (et peut être aussi beaucoup moins original), comme du hardcore ralenti et concassé, proche d’un Coalesce par exemple.

On peut donc considérer qu’il y a deux facettes distinctes chez Torticoli or cette première démo sans titre ne contient que des titres instrumentaux du groupe et absolument aucun titre chanté. Honnêtement ce n’est peut-être pas plus mal car, malgré tout le bien que l’on peut penser de la formation à quatre, c’est tout de même la version en trio de Torticoli que l’on préfère : bien plus barrée, bien plus folle, bien plus free et débordant davantage de surprises à chaque coin de composition.

Ces cinq titres au rendu très live sont donc un bon témoignage et le reflet fidèle des concerts du groupe et ont été enregistrées en un tour de main (en prise directe ?) par l’ingénieur du son en chef Pif, au mois d’août dernier, dans son studio de Grrrnd Zero. Duos complémentaires de guitares tour à tour nerveuses, grasses, épileptiques, hachées et tendues pour un rendu free/noise du meilleur effet, batterie imaginative, débordant de toutes parts mais qui tient la route et surtout maintient tout le monde dessus et, enfin, compositions dont l’esprit relève souvent du chien fou : les quelques 23 minutes de cette démo permettent ainsi de réentendre non sans plaisir quelques uns des meilleurs titres que Torticoli se plait à exploser sur une scène, à commencer par les excellents Windows Through The Bottle et surtout Darth Vader Boogie et son intro magique au bottleneck. Lesquels titres sont en libre écoute – de même que les trois autres – sur le Soundcloud de Torticoli. Evidemment, vous pouvez également et surtout contacter les membres du groupe pour leur acheter leur CDr (joliment emballé par leurs petites mains, l’artwork est signé Dadenvrac), les faire jouer dans la cave de votre bistrot préféré ou leur demander quel gros temps pourri il fait à Lyon en ce moment.

Barn Owl / Shadowland - Barn Owl And The Infinite Strings Ensemble / The Headlands

2011-12-03T00:05:00.017+01:00

La violente déconvenue exprimée à l’égard de l’album Lost In The Glare de Barn Owl me pousse néanmoins à parler un peu de deux autres enregistrements du duo. Le premier est un 12’ de trois titres et intitulé Shadowland. Publié en juin 2011 par Thrill Jockey entre le plutôt recommandable Ancestral Star (octobre 2010) et le décevant et pénible Lost In The Glare (donc), Shadowland est souvent présenté comme un enregistrement de transition sous prétexte qu’il s’agit d’un format court. Il est vrai que les trois titres proposés ici marquent une certaine rupture et un dépouillement encore plus profond par rapport à The Conjurer ou Ancestral Star – avec peu ou pas du tout de saturation et d’aptitudes telluriques – mais on constate surtout que Shadowland a une finition et une densité – malgré tout très minimalistes – qui font cruellement défaut à Lost In The Glare. De là à penser que Barn Owl aurait mieux fait d’attendre un peu plus avant d’enregistrer et de publier un nouvel album complet et de bosser bien davantage les compositions trop faciles et plates de Lost In The Glare, il n’y a qu’un pas que l’on franchit allègrement. Et hop.

Barn Owl n’échappe pas à la règle de tous les groupes de drone/ambient/je-ne-sais-quoi qui enquillent les disques comme on boudine de la saucisse plastique au lieu d’appuyer sur le bouton « stop » de l’enregistreur et d’aller boire une bonne pinte bien fraîche au bistrot du coin. Désolé les gars mais si Shadowland vous a fait remonter dans mon estime, il confirme surtout qu’avec Lost In The Glare vous avez permis à la fumisterie d’atteindre un nouveau seuil de perfection.

The Headlands est un peu un cas à part. Publié en décembre 2010 par Important records, il est sorti sous le nom de Barn Owl And The Infinite Strings Ensemble. Sous ce nom se cache le groupe de base (Evan Caminiti et Jon Porras) accompagné à la guitare de Norman Teale (sous le nom de The Norman Conquest, il a aussi participé à l’album Ancestral Star de Barn Owl), Theresa Wong au violoncelle et de Ellen Fullman au « long string instrument », un instrument qu’elle a elle-même imaginé et construit.

D’abord remisé au placard par les services technique et éthique musicales de 666rpm, The Headlands a fini par en ressortir pour une ultime vérification. Ne soyons pas rancuniers. Voilà un disque beaucoup plus teinté du drone acoustique version Lamonte Young/Tony Conrad/John Cale/etc. C’est particulièrement flagrant sur Levitation, complètement saturé de stridences de cordes, ça l’est beaucoup moins sur Light où le côté mélodique de Barn Owl tente de reprendre le dessus. En équilibre, Condensation représente un parfait compromis entre ces deux positions inconfortables. Mais, globalement, avec The Headlands on reste dans une relecture assez sage et conforme d’une musique vieille de près de cinquante ans tout en tentant péniblement d’y apporter un petit plus (même si on est en 2011, on a toujours le droit de rêver) ou un semblant d’intérêt. Un disque pas désagréable, en résumé. Mais complètement anecdotique.